Bautizado por muchos como la salvación rock y por unos cuantos otros como la peor maldición sobre sus propios creadores: Is This It es sin duda un disco que sigue dando de qué hablar por la manera en la que predispuso, y hasta condicionó, la carrera de The Strokes Por Matías Palmieri - @matiipalmierii A finales de los noventa y principios del nuevo milenio, el garage rock era desplazado por el Nü-metal, con referentes como Korn o Deftones al mando. Sus riffs rítmicos y sincopados de guitarras eléctricas distorsionadas junto a letras introspectivas se proponían encarnar las preocupaciones comunes de su generación. Sin embargo, el género rápidamente comenzó a sentirse repetitivo, dando lugar al surgimiento del post-punk revival que, en la escena musical estadounidense, fue encabezado por The Strokes. En este contexto nació el primer proyecto de la banda titulado The Modern Age. Se trató de un EP producido por Gordon Raphael y grabado bajo el sello Rough Trade. Estaba compuesto por: Last Nite, The Modern Age y Barely Legal, tres canciones que luego formarían parte de su álbum debut. El lanzamiento quebró la monotonía musical del momento y generó altas expectativas en sus oyentes con su frescura revitalizante. Liderado por un joven e inexperto Julian Casablancas que cautivó al público con su voz cruda poco intervenida, el grupo se conformaba de las guitarras de Nick Valensi y Albert Hammond Jr. fusionadas con el bajo de Nikolai Fraiture y la batería de Fabrizio Moretti, que terminó de volver perfecta aquella ecuación. Portada de New Musical Express (NME) datada el 9 de julio del 2001. A pesar de tratarse de una edición limitada, el entusiasmo mediático fue absoluto. Tuvo un impacto sin precedentes del que fue especialmente responsable la revista New Musical Express (NME) al asegurar que contaban con el sonido y la actitud necesarias para “salvar al rock”. Como resultado, RCA Records, una de las marcas discográficas más importantes de Sony Music Entertainment, les abrió sus puertas. Comenzaron así a trabajar en el disco junto a Gil Norton, productor de algunos de los últimos proyectos de Pixies y Foo Fighters. Pero no todo fue color de rosas: los resultados generaron disconformidad en los integrantes por su excesiva prolijidad que, en cierta manera, pulía la autenticidad que los caracterizaba. Las voces sin arreglos, las cuerdas saturadas, las personas yendo y viniendo del estudio de grabación, formaban parte de la esencia que deseaban transmitir. Finalmente decidieron desechar aquellos temas para reencontrarse con la mano mágica de Gordon Raphael, quien los habría entendido desde el primer momento, y que por supuesto, estuvo a la altura de las circunstancias. Con el pasar de las semanas la expectativa de la prensa no hacía más que acrecentarse. Incluso antes del estreno de su primer disco, The Strokes ya cargaba con el peso de ser la promesa del rock neoyorkino y hasta mundial. Sus intentos de desbaratar las comparaciones y redirigir la atención de ellos a su música fueron permanentes, pero lamentablemente vanos, manifestándose en sus dichos, canciones y shows. En la icónica entrevista que les hizo Nardwuar en Canadá, Julian Casablancas aseguró encontrar injusta la manera en la que habían sido retratados frente al ojo público, llegando a declarar: “Si oyera hablar de una banda así, probablemente no me gustaría; creería que son unos imbéciles. No sé, simplemente pienso que la forma de escuchar música es escucharla primero y averiguar sobre la banda después”. Podés ver esta entrevista con subtítulos en español haciendo click acá En aquel mismo encuentro, y con una sutileza impecable, el cantante manifestó múltiples veces su desencanto con aquellos periodistas que los interrogaban sin siquiera haberse detenido a escuchar el álbum: “Creo que la música es lo suficientemente buena como para que, al escucharla, transmita mucho; y entonces, todas las preguntas que surjan después serán interesantes”. Al cierre de dicha entrevista anuncia fuerte y claro: “A la gente no debería importarle The Strokes hasta que escuche nuestra música y decida por sí misma”. Is This It se lanzó oficialmente el 30 de julio del 2001 en Australia. Sin embargo, en el resto de los países tuvo lugar de forma progresiva, ya que se buscaba que el estreno coincidiera con los destinos de la gira que estaban realizando. En el caso de Latinoamérica no tuvo una fecha independiente sino que su distribución, al alinearse de manera general con la de Estados Unidos, terminó de darse por completo recién en el mes de octubre. Cuenta con once canciones que se proponen abordar la brusca transición que atraviesa un joven al convertirse en adulto, acechado por un clima de incertidumbre absoluta e inevitable. Éstas radican entre la sensación de invencibilidad y la de eterna monotonía, exponiendo la determinación de la juventud en cambiar el mundo o, en su defecto, acabar con él. Así, su temática universal lo vuelve atemporal. Inicia con Is This It que desde su introducción sorprende al oyente con una composición retrofuturista, fusionando sonidos mecánicos relacionados con la modernidad e incluyendo una calidad de audio alterada que recuerda a la radio. Los instrumentos emergen uno a uno a modo de presentación, siendo el último el bajo, que en su ausencia daría la impresión de una película sin su protagonista. Mediante el cuestionamiento de si esto es todo, de si realmente la adultez y el futuro son una construcción decepcionante, se encarga de reflejar la apatía de una generación frustrada por no ver cumplido todo aquello que le habrían prometido. Ante tal decepción, ningún placer es suficiente, temática que se aborda de lleno en The Modern Age. Con un estilo aún más volcado al rocanrol, en el que destacan particularmente los solos de guitarra y la imponente voz de Casablancas, plantea las consecuencias de pasar de la diversión al aburrimiento en un abrir y cerrar de ojos. Es este uno de los motivos por los que los jóvenes terminan recurriendo a suplementos externos, muchas veces dañinos, tal como se expone en el tercer tema del álbum titulado Soma, cuyo nombre está inspirado en la droga alucinógena y euforizante de Un mundo feliz, novela distópica de Aldous Huxley. Su rol dentro de ella es mantener a las personas sumidas en una felicidad artificial a base de ignorancia para ser controladas por el Estado. De esta manera, se promueve la evasión de la realidad y se castiga al pensamiento crítico. Si bien existen interpretaciones varias sobre el verdadero significado detrás de Barely Legal, la más acertada, considerando su letra y su contexto dentro del disco, es que habla del insaciable deseo de independencia, pero a la vez de libertad, al cumplir la mayoría de edad. En la pieza, se entremezclan la ambición de querer llevarse al mundo por delante y la desilusión de no poder hacerlo. Su estructura de estrofas repetitivas acompañadas de un puente memorable realza aquel mensaje: el anhelo por vivir el presente tratando de no descuidar al futuro, sin lograr tener éxito en ninguna de las dos. La profunda melancolía de Someday termina de hallarse en el alma de cada joven artista atrapado en la rutina de un trabajo tradicional. Forzado a crecer demasiado rápido, su protagonista opta por afianzarse a las esperanzas de que todo mejorará pronto. Su estilo pegadizo, y hasta bailable, escolta una intenso mensaje: See, alone we stand, together we fall apart / Yeah, I think I'll be alright Traducción: “Mira, solos nos mantenemos en pie; juntos, nos desmoronamos / Sí, creo que estaré bien.” Por otro lado, Alone, Together es una crítica a la epidemia de soledad presente en las grandes ciudades, que llevan a ceder contra los principios propios: He knows it's justified to kill to survive / He then, in dollars, makes more dead than alive Traducción: "Él sabe que está justificado matar para sobrevivir / Luego, genera más dinero muerto que vivo". Last Nite, séptima canción del disco, ha sabido marcar un antes y un después en la historia de la banda al consagrarse como su primer hit internacional. A través de un estribillo pegadizo en el que el vocalista demuestra su amplio rango vocal, exhibe sin miedo lo que es ser aislado e incomprendido en una sociedad que despoja a sus participantes del derecho a la objeción. La complejidad de poner las emociones en palabras reaparece en Hard To Explain que interpela con sus cortes abruptos y distintas capas sonoras, combinando la distorsión de las guitarras y voces con una batería por demás enérgica. Lejos de abstenerse de hablar de su contexto sociopolítico, The Strokes incluye New York City Cops en su álbum debut, una crítica directa y mordaz a la brutalidad policial neoyorkina. No obstante, en aquella época tuvo lugar el atentado a las Torres Gemelas, que dejó sumidos a los Estados Unidos en una conmoción enorme. Las autoridades, buscando reconstruir la confianza entre el pueblo y sus instituciones, decidieron intervenir en la versión americana del disco, reemplazando esta canción por When It Started, que si bien aborda temáticas similares al cuestionar a aquellos a los que no los interpela su realidad, su carácter metafórico acompañado de una melodía alegre le permitieron permanecer: Won't decide / but he won't debate Traducción: "No va a decidir / pero no va a debatir". Versión oficial Sin embargo, no fue ésta la única modificación a la que se lo sometió: la portada original, que consistía en la foto de una mujer desnuda con un guante de cuero tomada por Colin Lane, fue considerada demasiado sugerente y explícita para el momento que América estaba atravesando. En consecuencia, dentro de dicho continente tuvo que ser sustituida por una imagen abstracta y colorida que los miembros han descrito como un diagrama científico del Big Bang. Asimismo, se encuentran contundentes similitudes con la portada de The Nature Of Things de Bruce Bevcar. Versión americana En Trying Your Luck, Julian despliega una dulzura vocal y lírica sin precedentes dentro de la pieza. Después de tanto reprimirlo, logra por fin exponerse vulnerable frente a un otro. El ciclo culmina con Take It or Leave It, en el que se reconoce fuerte y claro como el principal responsable de su destino. Ya nadie tomará las decisiones por él, por lo que es momento de afianzar las riendas de su propia vida y aprender a lidiar con la presión de ser quien tiene el control. En definitiva, Is This It plantea una pregunta que se responde solo al finalizar el disco: si realmente esto es todo, depende de cada uno tomarlo o dejarlo. El disco debut de The Strokes sigue destilando actualidad a pesar de estar cumpliendo ya veinticinco años de su lanzamiento. En cada una de sus canciones se encuentran las vivencias de no uno, sino miles de jóvenes apesadumbrados que deben enfrentar a diario la soledad, creyéndose merecedores de aquel presunto castigo. Las presiones mediáticas incluso antes de nacer, combinadas con su contexto político poco favorable, podrían haber representado un obstáculo invencible para cualquier banda, pero no para The Strokes, que hizo de la resiliencia y la constante renovación un emblema de su música. En ella exploran sus propios límites para sobrepasarlos una y otra vez pese a las crueles críticas que acostumbran recibir. Foto tomada en diciembre del 2005 en Arenan Fryshuset, Estocolmo. Se aprecian de izquierda a derecha: Alex Turner (Arctic Monkeys), Alex Kapranos (Franz Ferdinand) y Julian Casablancas Demostración de su audacia para reinventarse de manera persistente es su nuevo trabajo Reality Awaits estrenado el pasado veinticuatro de julio. En la polémica entrevista de Nardwuar a la banda, el periodista le pregunta al líder en tono de broma si le preocupaba que Lou Reed, tras asistir a uno de sus shows, les robara algunas ideas. Sin embargo el cantante, con una madurez increíble para un muchacho de veintitantos, replicó: “No, creo que esa es la manera en la que el arte debería progresar”. Así, la banda se volvió el modelo a seguir de varias de las agrupaciones más icónicas del último siglo, entre ellas Franz Ferdinand, The Killers y Arctic Monkeys. Se han establecido como la inspiración de muchos jóvenes que crecieron junto a sus canciones, como los miles de argentinos que los esperan este año en noviembre para el Primavera Sound 2026. Is this It es una demostración directa de que nadie se encuentra solo en el mundo, y de que nunca está de más ambicionar ni preguntarse si de verdad esto es todo. Porque quizás no lo sea. Escuchá Is This It acá:

Con un repertorio totalmente renovado y nuevas versiones de sus canciones más conocidas, la celebración con su público será el Sábado 15 de agosto Emmanuel Horvilleur siempre se reinventa en cada etapa de su carrera. Sus lanzamientos y sus presentaciones en vivo siempre han sido muestra de ello. "Mi año Gótico" posee una estética cuidada y un sonido que combina elegancia, frescura y riesgo. Tiene colaboraciones de lujo como Ale Sergi, Javiera Mena, Fito Páez y Julián Kartun. Desde el lanzamiento de su último álbum, el octavo en su carrera, Horvilleur ha continuado dejando su marca en la escena musical argentina. Su legado incluye memorables presentaciones como su show sold out en el legendario estadio Obras, así como giras por todo el país y participaciones destacadas en diversos festivales de renombre. Entradas disponibles a través de Passline

En una noche con olor a historia, el artista llevó de viaje a su público por sus joyas ocultas homenajeando sus inicios Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Pateando el tablero una vez más, YSY A sorprendió a principios de julio con el anuncio de un ciclo de shows especial. Bajo el nombre de “A la gorra”, el artista propuso que sea el público quien le ponga precio y setlist a estos encuentros íntimos en el C Art Media. Así, junto a la entrada, los fans tenían la posibilidad de votar las canciones que deseaban escuchar, dándole a cada noche su unicidad. Para la ocasión, YSY se apropió del predio instalando un escenario en medio del campo, un pasillo y pantallas que imitaban la estética y la cercanía del Subte de la ciudad para llevar a su comunidad a volar, una estación a la vez como en sus comienzos donde improvisaba pasando la gorra en el transporte público. Rodeado de su público, que lo recibió eufórico, el jefe del trap argentino empezó sonriente la segunda noche de las ocho que conmemorarán las mejores joyas ocultas que lo consolidaron como tal. El ysysmo empezó haciendo retumbar el piso con Tamo Loco, Hidro y Todo de oro, con un set que llevó a todos directamente a la mansión de Antezana 247. La temperatura subía a cada minuto a la par de una sensación particular: era una noche histórica y única. Ante eso, cada persona parecía ubicarse en una misma postura. La de dejarlo todo en cada salto al igual que su ídolo. En un costado más romántico, desempolvó algunos de sus “poemas”: El amanecer, Vamo a darle, Cuánto vale hacer el amor? y el icónico y amado Pastel con Nutella, que fue cantado por todas las parejas presentes. Mordiendo el bozal, Trap on the rocks, Casi un G y Trap de verdad llevaron el movimiento en el campo al siguiente nivel, si es que eso era posible, en la marea de apasionados que protagonizaba una verdadera celebración del trap musicalizada por el máximo referente del género en el país. Esto es para todo' los que lo pidieron / Sonido nacional para el mundo entero / Trap de verdad, receta argentina “¿Quién iba a pensar que un niño de 13 años podía cambiar tanto la historia?”, rezaban las remeras disponibles en el puesto de merch que ahora eran agitadas ante los himnos fundacionales de un movimiento que fue más allá de las rimas y las bases. A esta noche se sumó El Doctor como invitado especial para En el Infierno No Los Vi, su canción en conjunto con una producción de Club Hats, quien también subió a escena. Después de un prolongado "olé olé olé" y de gritos desaforados de "TE AMO" respondidos recíprocamente, entre regalos y besos tirados en ambos sentidos, Alejo Acosta se abrió para agradecerle el amor a Buenos Aires. Quiso agradecerle por hacer que todo valga la pena. Las tardes pasando la gorra en vagones, las noches sin dormir en el estudio y cada jornada en la que creyó que sus sueños eran demasiado grandes ahora lo miraban desde lejos. Y era gracias a su gente. "Gracias por hacerme parte de sus días, por contarme que con canciones mías pueden motivarse para ir a trabajar, estudiar o entrenar” dijo antes de tocar Vuelta a la luna. El tramo final del viaje llegaba con A por todo, Full Ice y #YSYA2020 VOL.5 - Silbando cerraban una ceremonia que había hecho volar por los aires a miles de personas durante casi dos horas, literal y espiritualmente. Después de un falso final con un pequeño saludo y un apagón general de luces, Dormir es para giles cerró con una premisa importantísima para la juventud que conforma la mayor parte de su público: lo más importante no es solo estar despierto, sino también hacer que valga.

Será el 6 de noviembre A diez años del inolvidable América Latina Olé Tour, y luego de estrenar “Foreign Tongues” con los Rolling Stones, Ronnie Wood vuelve al país, presentando FEARLESS: ANTHOLOGY 1965–2025. Esta cita imperdible con el histórico Rolling Stone será el 6 de noviembre en el Movistar Arena, presentando un recorrido completo por todas sus etapas artísticas y contará con la cantante irlandesa Imelda May como artista invitada. Entradas a la venta a través de Movistar Arena Así lo anunciaba en Instagram:

La cita será este 10 de septiembre Los aniversarios de Makena ya son un clásico en la escena porteña y, esta vez la celebración se expande para que todos y todas podamos disfrutar de esta fiesta inigualable: con grandes artistas, los DJ de siempre y bandas que son parte de nuestra historia, tanto arriba como abajo del escenario. Con toda la energía que hizo de Makena lo que es hoy. Entradas disponibles a través de Passline

El próximo 15 de octubre, The Roxy Live será el escenario de REVOLUCIÓN HUMANA, el concierto más ambicioso de la carrera de Mora Navarro. Una experiencia donde el rock, el pop y el arte en vivo se unen para celebrar una misma convicción: que todavía existen canciones capaces de transformar a las personas. Entradas disponibles a través de AllAccess Lejos de ser la presentación de un álbum, el show de REVOLUCIÓN HUMANA propone algo más profundo: reunir sobre un mismo escenario a algunas de las voces más potentes y sensibles de una generación que está escribiendo un nuevo capítulo para la música argentina. Clara Cava, La Valenti, Palu de Paloma, Isla de Caras y otros artistas compartirán escenario con Mora, creando nuevas formas de encontrarnos a través de la música. En tiempos donde todo parece efímero, REVOLUCIÓN HUMANA apuesta por lo contrario: una experiencia que se vive con el cuerpo entero. Una puesta visual inédita, una nueva banda en vivo y canciones que transforman la vulnerabilidad en fuerza colectiva. "El show en el Roxy es una erupción colectiva: una arqueología física para transformar lo que tenemos en el pecho en electricidad pura. No hago música para domesticar tus sentimientos; el escenario es un espacio crudo para recuperar el instinto y habitar el presente sin filtros."

Con bandas en vivo, DJs y una selección nacional, la banda expande su universo y propone un espacio pensado para vivir el rocanrol más allá de los shows Circo es una fiesta que verá la luz por primera vez el 31 de julio en el mítico Niceto Club, a partir de la medianoche. Este nuevo proyecto expande el universo de la banda y propone un espacio pensado para vivir el rocanrol más allá de los shows, con una experiencia curada íntegramente por ellos. La música, la estética y la energía de cada edición estarán atravesadas por el universo de La Grecia, generando un espacio que coquetea con lo kitsch y lo bizarro, pero sin alejarse del culto y los clásicos del Rock and Roll. La intención de Circo es que nadie se quede afuera, y se lanza a la venta con precios accesibles y promociones. Entradas a la venta a través de Venti La fiesta consistirá de dos presentaciones en vivo, por bandas seleccionadas por La Grecia, y un DJ que durante toda la noche va a pasar las canciones que todos quieren bailar, cantar y escuchar una y otra vez, selección hecha por los 5 integrantes de la banda. A esta curaduría musical se le suma una ambientación, intervenciones artísticas y performances para pisar fuerte con su estética particular. Lejos de ser una fiesta más, FIESTA CIRCO busca convertirse en un punto de encuentro para una nueva generación de amantes del Rock and Roll, un espacio donde conviven clásicos, canciones de culto, nuevos artistas y todo aquello que forma parte del universo musical que inspira a La Grecia. La Grecia quiere seguir generando un acercamiento con quienes los escuchan. Pero también, quiere divertirse como cualquier joven. Gracias a estas motivaciones, surge la idea de crear, no una fiesta más, sino la fiesta a la que siempre quisieron ir. CIRCO nace por una necesidad: una fiesta de Rock and Roll que nunca existió, y La Grecia decide crearla para poder disfrutarla.

La noche del sábado en el Konex fue una celebración de la música hecha entre amigas, colaboraciones y complicidades Por N. Fernández - @anyerfotografia Lucy Patané y Paula Maffia en Niceto Club x @sofiabulgarelli.ph Con Paula Trama, Susi Pirelli y Lesbiandrama compartiendo escenario, el espectáculo recorrió distintos proyectos musicales y terminó con una sala llena de energía, cuerpos en movimiento y un público que respondió de principio a fin. Con el telón abriéndose lentamente, Paula Trama fue la encargada de inaugurar la noche. En un recorrido por distintas etapas de su discografía, abrió con Helados verdes, de Los Besos, y continuó con Canción del Ballotage. Antes de interpretar Limeña, compartió una anécdota detrás de la canción: está inspirada en La flor de la canela, de Chabuca Granda, y contó que hace poco descubrió que ese clásico también había sido escrito para una mujer. El momento, íntimo y cálido, dio paso a Copia viva y La cascada de tu pelo enredado. El primer bloque cerró con Destino y Hechizada, una canción que adelantó formará parte del próximo disco de Los Besos, dejando al público con un pequeño anticipo de lo que viene. Con la entrada de Inés Copertino, el escenario se transformó por completo. Un cambio de vestuario marcó el comienzo del segmento de Susi Pirelli, donde Paula pasó a la batería e Inés al piano para interpretar Texto. Le siguieron Humo Azul y Declaración Jurada, consolidando la química entre ambas y el tono lúdico que caracteriza al proyecto. La segunda parte del set continuó con Bolsa de mano y Subtítulo: te amo, interpretada con las dos artistas sentadas en el centro del escenario, en uno de los momentos más íntimos de la noche. Después llegó Poquita fe, antes de que el humor tomara completamente el control. Como cierre, leyeron una nota firmada por "Susi Pirelli" en la que anunciaban una clase gratuita de “aquagym en seco”. La propuesta no quedó solo en el chiste: toda la sala se puso de pie para seguir las indicaciones de la maravillosa Roki Fernández (baterista de Amor Elefante), mientras sonaba Papaia. Entre risas, saltos y movimientos sincronizados, el telón volvió a cerrarse. Tras un breve intervalo, con el telón todavía bajo, una voz rompió el silencio con un llamado que encontró respuesta inmediata en toda la sala: "¡Lesbianas!". Era Paula Maffia, que apareció junto a Lucy Patané para dar comienzo al último bloque de la noche: Lesbiandrama. Con Roki Fernández en batería e Inés Copertino en teclados, la banda, formada especialmente para la ocasión y sostenida sobre una red de préstamos y colaboraciones entre proyectos, arrancó con Canciones de amor y Otros animales. Las luces se tiñeron de rojo para acompañar la intensidad de Ya no quedan, uno de los puntos más altos del recital. A partir de ahí, el show entró en una recta final sin descanso: La del avión, El dedo en el renglón, Trago sin terminar, con la participación de Rochu Bermandiner (integrante de Amor elefante), y Bolero, junto a Ignacia Etcheverry, fueron ampliando el carácter colectivo de la noche. Después llegaron Corazón licántropo y Polvo, antes del gran cierre con Muchacha desquiciada, que reunió sobre el escenario a Paula Trama junto al resto de las artistas, y Maffía gritó “Con 5 lesbianas me hago alto guiso”. Cuando parecía que todo había terminado, todavía quedaba un último regalo. Lucy Patané y Paula Maffia interpretaron Viento helado, el inolvidable tema de Rosario Bléfari. Sin la intensidad eléctrica del resto del show, el cover funcionó como un cierre emotivo para una noche atravesada por la amistad, la música y una comunidad que convirtió al Konex en un espacio donde cada canción se sintió compartida. Como cierre, todas las artistas volvieron a subir al escenario para agradecer el apoyo a la música independiente y, como no podía ser de otra manera, invitaron al público a encontrarse el 6 de agosto en el Congreso por la Ley de Tierras. Más que una sucesión de canciones, la noche fue una muestra de una escena que se construye de manera colectiva. Mujeres que pasan de un instrumento a otro, que forman parte de distintos proyectos, que se prestan escenarios, canciones y afectos sin perder nunca su identidad. Todo encaja con una naturalidad que solo puede surgir de una comunidad que se sostiene mutuamente. Una noche de la que el público sale sintiéndose parte de algo más grande. No solo por las canciones, sino por la certeza de que esa comunidad no termina cuando se encienden las luces de la sala. También está en las calles y en cada espacio donde estas artistas siguen haciendo de la música una forma de encuentro y de resistencia.

Entre canciones de cancha y camisetas, la banda presentó su nuevo álbum haciendo latir los corazones al compás de la nostalgia y el inevitable paso del tiempo Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph En esta nueva entrega, a lo largo de diez canciones, Bestia Bebé puso el foco en el paso del tiempo y todo lo que deja a su alrededor: vínculos que cambian, recuerdos que se reconfiguran y una mirada honesta sobre el propio recorrido. La cita en el C Art Media funcionó como el punto de encuentro perfecto para hacer latir los corazones al compás de la nostalgia. Con una energía y frescura indiscutibles, el grupo fue recibido entre canciones de cancha y saltos ante canciones de Yendo rápido a ningún lugar como Planes Perfectos, El Tiempo (es lo peor) o El Atrevido y los ya clásicos Luchador de Boedo o Sabés!. En el pogo, camisetas de fútbol reales e intervenidas se movían entre sonrisas y abrazos. A través de guitarras, samples y frases directas, la nostalgia, el paso del tiempo y el hecho de crecer atravesaban el aire del predio. El tiempo es lo peor / es como un cuchillo clavado en el pecho Pero acá estamos amigo mío / yendo rápido a ningún lugar / viendo cómo se consume el fuego / esperando que llegue el final Fieles a su identidad, demostraron que el espíritu de barrio, la épica de lo cotidiano y esa forma tan propia de hacer canciones siguen intactos. Así, en este disco, Bestia Bebé se permitió, a nivel sonoro, dialogar con más teclados, baterías electrónicas y hasta samples que el público recibió con los brazos abiertos y los años corriendo a una velocidad que cada vez eligen menos. Hacia un lugar que no saben bien cuál es, pero con amigos esperando el inevitable final.

143Leti presenta "Mujercitas", un EP conceptual que transforma las experiencias amorosas en un recorrido emocional construido a partir de cinco canciones. A través de la música y una propuesta audiovisual cuidadosamente desarrollada, la artista explora el paso de una mirada inocente sobre los vínculos hacia una comprensión cada vez más compleja de ellos. Lejos de ser una colección de canciones independientes, "Mujercitas" propone una historia donde cada tema funciona como un nuevo capítulo dentro del mundo interior de Leti. Desde "Me vas a arruinar la vida" y "Calesita", junto a Ze Pequeña, hasta "Infierno" y "Hombres de papel", el EP atraviesa distintas emociones que dialogan entre sí y construyen una única narrativa, atravesada por la experiencia misma de crecer y convertirse en “Mujer” a una muy temprana edad. Podés escuchar Mujercitas acá:

Benjamín Amadeo estrena "Museo ", el tercer y último adelanto de su próximo disco, que será publicado el próximo 13 de agosto. La canción abre una nueva puerta al universo emocional del álbum y confirma una etapa artística atravesada por la sensibilidad, la introspección y una búsqueda sonora cada vez más personal. Sobre el lanzamiento, Benja comparte: "Hay personas que no se entienden: se contemplan. 'Museo' nace de esa idea. Así como una obra puede dejarnos inmóviles sin encontrar las palabras para explicar qué estamos viendo, hay amores que nos transforman sin explicación. La canción habla de esa transformación silenciosa, de todo lo que uno modifica por alguien sin haberlo planeado y de la belleza de aceptar que no todo merece una definición. 'No sé qué vi, pero me gusta lo que veo' no es sólo el estribillo: es una manera de mirar. Porque, al final, las personas que más nos marcan se parecen a las mejores obras de arte: nunca terminamos de entenderlas, pero siempre queremos volver a verlas." Con producción de Gabriel Pedernera y Peter Akselrad, "Museo" despliega un sonido donde la delicadeza melódica convive con una impronta rítmica sutil y envolvente. El resultado potencia la identidad artística de Benjamín Amadeo y acompaña el espíritu de un álbum que profundiza su faceta como compositor e intérprete. Podés escuchar Museo acá:

Será el 17 de octubre en C Art Media La banda compuesta por Justo Fernandez Madero, Francisco Nicholson, Lucas Grasso y Fernando Laprida vuelve a los escenarios porteños en plena primavera para continuar su etapa "Alter Ego" y abrir camino a su nuevo material discográfico. Con canciones que se inyectaron en el inconsciente colectivo de la escena actual como “Prisionero perfecto”, “Invencibles” y “Adicto al temblor”, Silvestre y La Naranja decide dar un paso más en su carrera sin antes, por supuesto, compartir con sus fans las últimas hazañas de este álbum consagratorio. Entradas disponibles a través de Passline