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La banda rosarina aterrizó en el mítico escenario porteño para presentar su cuarto álbum de estudio en una noche cargada de rap, complicidad y conciencia social que resumió una década de crecimiento y la consolidación del proyecto Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Directo desde Rosario, Caliope Family aterrizó en el mítico escenario de Niceto Club, ese con el que muchos artistas sueñan cuando se imaginan un show clave en sus carreras, con el público cantando cada letra y moviéndose al ritmo de sus composiciones. Siendo de Santa Fe, es aún más normal soñar con Buenos Aires y se siente aún más lejano. Sin embargo, ahí estaban. Sobre esas tablas, bajo esas luces, en la presentación oficial de Emblema, el que supieron forjar. Por resistir en su ciudad se convirtió en emblema Así reza la canción que le da el título a su cuarto disco, el más maduro del grupo, que llevó aproximadamente dos años de trabajo creativo de los casi diez que la banda lleva caminando en conjunto una carrera en la música, con garra, errores, aciertos, shows, viajes, desacuerdos, crisis y logros en sus mochilas. Esta noche soñada los encuentra felices, seguros y orgullosos del recorrido. Porque consagrarse, dicen, no es llegar. Lo importante es mantenerlo. Y eso que perseguían se hizo presente en las voces y en los cuerpos, unidos para compartir una noche al son de las nuevas y viejas canciones de la banda que fusionan conciencia social, rap, ternura, identidad y amistad sobre un groove que hace bailar hasta al más pata dura del lugar. Celebraron así su gran momento que llega de la mano de la camaradería reflejada en la invitación de Abril Olivera y Lolita Fiamma como invitadas especiales en el vivo y una perseverancia indiscutible de un colectivo que pone el alma en cada rima, porque se lo debe al género. Conocé más sobre Emblema y Caliope Family acá:

A diez años de su disco debut, la banda mendocina regresó a los escenarios para un reencuentro que conectó a todos con su yo adolescente Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Desde sus inicios, Perras On The Beach irrumpió con una manera particular de relatar la adolescencia: simple, absurda, irónica, dramática, íntima. Todo y nada a la vez. Ese espíritu despreocupado y contradictorio que encarna la figura del adolescente dirigió el barco de este reencuentro en C Art Media, que fue de la emoción al llanto pasando por las risas, los saltos y los bailes. Una oda a quienes supieron ser los artistas y el público y que no quieren dejar ir del todo, celebrando el disco que acompañó esos días: Chupalapija. Con canciones como Puchos, Ramona, Mis Amigos y Australia se desataron fuertes emociones conectadas directamente a los cigarrillos en la plaza, los sueños, las vueltas en bicicleta y los helados de frambuesa. En ese viaje al pasado, la fraternidad se hizo presente en el invitado más esperado de la noche: Juan Saieg (Usted Señálemelo) se unió a la banda para una versión de Agua Marfil. También hubo momento para el absurdo con versiones de canciones que se encontraron un lugar en el universo de la banda: Elena No Te Vayas de Los Grosos junto a su vocalista, Las Divinas del soundtrack de Patito Feo y Una Vela de Intoxicados. Fue una noche donde los universos podían colisionar de la manera más inesperada posible. Lo revelador fue que, entre el público, no solo había nostálgicos recordando sus años formativos sino nuevos adscriptos a esta manera de cantar y expresar el tránsito por este mundo a los 16 años: rodeado de amigos, de primeros amores, porro y chocolates. Ahí estaba la nueva generación que decide también este canal particular para descargar sus emociones.

En un reencuentro único, la banda y su p{ublico porteño protagonizaron una noche a puro baile, maquillaje y canción Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Los Caligaris se reencontraron con su público porteño a su manera: un cóctel de circo, cuarteto y rock que hizo danzar a la fiel multitud que colmó Museum. Con una lista de canciones cargada de clásicos, invitados especiales y su energía única, brindaron una velada a puro baile y disfrute. En el marco de la presentación de su último álbum, Caligaris Sí, la banda cordobesa ofreció un show emotivo y festivo, donde convivieron las nuevas canciones con esos himnos infaltables que ya forman parte de la historia del grupo. Durante más de una hora, la gente —maquillada y vestida inspirándose en su obra— cantó, bailó y celebró cada momento de una noche que confirmó, una vez más, su conexión con el público. La velada contó además con la participación de invitados de lujo que se sumaron a la celebración: Benjamín Amadeo, Olivia Wald y Justo de Silvestre y La Naranja, aportando momentos especiales que elevaron aún más la temperatura de un encuentro inolvidable. Casi sobre el final, sorprendieron con una versión instrumental de Ji ji ji, ofreciendo un respetuoso homenaje al Indio Solari. Con su inconfundible mezcla de maquillaje y canción, Los Caligaris transformaron este oasis en medio de una ciudad nublada en una nube colorida, reafirmando que se toman la alegría en serio con sus melodías cargadas de energía que encendieron cada corazón.

Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph El Poder de Los Olvidados, último álbum de David Tagger, es una obra colectiva con la que el artista se propuso conectar con sus colegas, teniendo la música como excusa y herramienta para construir puentes entre las personas. En su versión de estudio, el álbum viaja directo a las raíces del rock argentino de los años 60, una época dorada donde los teclados analógicos y las guitarras al frente marcaban el pulso. Esa sonoridad y búsqueda colectiva no solo conectó a David con sus propias influencias, sino que propició un cruce generacional único. Lograr que amigos de La Boca —que crecieron teniendo como ídolos absolutos a figuras de la talla de León Gieco y Litto Nebbia— terminen grabando todos juntos en el mismo espacio, ya rozaba el plano de los sueños cumplidos. Pero el proyecto fue más allá, cosechando incluso el elogio explícito del propio Gieco hacia el trabajo de producción de David, además de manifestar su deseo de realizar una producción conjunta del material. La lista de invitados combinó la presencia de consagrados artistas con una camada de colegas que se entregaron a ciegas, con felicidad y ganas reales de unirse a la causa. Esa energía se materializó en la presentación oficial en vivo, donde más de quince músicos rotaron por las tablas para tocar diversos instrumentos y ser parte de una noche que celebraba ese germen. Lejos de quedarse sumido en la calma sonora que propone el disco, el show fue pensado desde el primer minuto, en palabras del propio Tagger, como un ritual para compartir y sorprender. Y eso hizo, con la presencia de Lola Rateno, Manu Sija, Luis Gurevich y Los Tipitos como invitados, además de una orquesta, que no solo elevó la instrumentación de la noche, sino que funcionó como un adelanto exclusivo de su próximo gran paso: llevar El Poder de Los Olvidados a un formato sinfónico para profundizar aún más ese sentimiento comunitario. La audiencia, notablemente enérgica y apasionada, coreó, aplaudió y sonrió en agradecimiento a cada movimiento de un artista que pone lo colectivo como bandera y forma de transitar su carrera en la industria musical.

Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph El festival, que nace como una plataforma de impulso a bandas emergentes porteñas, combina una curaduría variada y sólida con un espacio mítico: el Teatro Vorterix. Así, llegaron Los Aspirantes, Joystick, Ryan y La Grecia a ese emblemático escenario el mismo día, brindándole al público la oportunidad de ver en vivo cuatro proyectos que pisan fuerte en la escena local y nacional. La premisa era que los convocados den cuenta del sonido que el rock nacional está forjando en este momento; y eso hicieron. Siendo una nueva generación con identidad propia, actitud y un fuerte ADN rockero, cada show contó con la energía propia de los artistas y el público. Los Aspirantes fueron los encargados de darle comienzo a la tarde con su energía indiscutible y la presencia especial de Charly Seta, el cantante de Do Neurona. Joystick, por su parte, puso a bailar a su enérgico y pasional público al ritmo de sus canciones más conocidas y tres estrenos en vivo: sus últimos singles "En Mí", "Soviet" y "Alfombra Roja", que dejaron ver su nueva etapa alejada de las computadoras. Con complicidad, dejaron en claro una de las claves más importantes del rock nacional: el compartirlo. Por lo que anticiparon todo lo que pasaría después con un gesto único. En medio de la vorágine, un fan les mostró un cartel que decía: "Sé tocar 'Lo Prendo Fuego'". Emocionado y curioso, Pano Benincasa lo desafió a subir al escenario e interpretarla juntos. "Pero la tenés que romper", le advirtió el cantante cediéndole su guitarra entre risas. Juntos, protagonizaron un momento que borró los límites del público y las bandas para lo que vendría después, convirtiendo y fusionando a todos los presentes en una sola cosa: una comunidad que disfrutaba de una fiesta de celebración de los herederos del rock nacional. Ryan impactó desde el inicio. Estrenando en vivo algunas canciones de su nuevo álbum Zafarrancho y repasando su material previo, la banda celebró su gran momento en comunión con una marea de gente que cantaba cada letra, incluso las lanzadas al mundo el pasado 20 de mayo. Cayendo la noche, La Grecia llegaba tras semanas de su show en Niceto Club, con entradas agotadas y una mística rockera indiscutible. Los presentes los esperaban entre gritos y aplausos, y al salir a escena directamente nadie pudo evitar saltar, bailar, corear y hasta subirse a los hombros. La segunda edición del festival resultó una tarde-noche especial que unió cuatro bandas y cientos de personas para mantener viva la tradición del rock nacional argentino con el corazón salvaje, la voz ronca y el agite como norte.

La banda oriunda de Mar del Plata presenta un nuevo single, editado por Casa del Puente Discos, con el que continúa adelantando su próximo disco Marchitorial presenta Bandera Negra, el último single antes de la salida de su próximo disco. Oscura, filosa y cargada de tensión, la canción empuja a la banda hacia un lugar más extremo e incómodo, consolidando una identidad donde la crudeza emocional y la intensidad sonora ocupan el centro de todo. Con un clima opresivo y una energía que crece constantemente, “Bandera negra” se mueve entre la obsesión, el desgaste emocional y la necesidad de permanencia. El tema funciona como una descarga directa: repetitivo, hipnótico y visceral, sosteniendo una sensación de peligro latente de principio a fin. Atravesados por una identidad profundamente marplatense, Marchitorial construye una estética marcada por el desgaste, la nocturnidad y la sensibilidad áspera propia de la ciudad. Entre el ruido, la melancolía y la intensidad emocional, la banda sigue delineando un universo sonoro cada vez más personal. El lanzamiento termina de anticipar el clima conceptual del próximo disco, reafirmando el presente de la banda y una búsqueda artística que encuentra fuerza en la incomodidad, la tensión y el desborde emocional. Podés escuchar Bandera Negra acá:

La banda inicia una nueva etapa con un single producido por Gustavo Iglesias, reconocido por su trabajo junto a Babasonicos, y se prepara para uno de los momentos más importantes de su carrera: su debut en Primavera Sound Buenos Aires 2026. Hay algo en el recorrido de Pizza que ya no suena a promesa sino a confirmación. Mientras avanza hacia el lanzamiento de su esperado álbum debut, previsto para la segunda mitad de 2026, la banda presenta “Nueva Marea”, el primer adelanto de una nueva etapa artística y compositiva. Además, este año formará parte del line up de Primavera Sound Buenos Aires, donde se presentará el próximo 29 de noviembre compartiendo jornada con nombres como The Strokes y Courtney Barnett. Nueva Marea marca un paso adelante en la evolución sonora de Pizza . Con una impronta que combina la energía del rock alternativo con un pulso bailable, la canción explora los rastros que dejan el amor y el desamor cuando todavía permanecen cerca. El resultado es un single que reafirma la identidad de la banda mientras abre la puerta a nuevos caminos. Escuchá Nueva Marea acá:

Será el 2 de octubre en C Art Media Después de agotar Niceto lado A y lado B, Fro! redobla la apuesta y anuncia el show más importante de su carrera en el C Art Media. Tras consolidarse como una de las caras más fuertes y prometedoras del trap argentino, el artista continúa expandiendo su crecimiento con un nuevo desafío que confirma el gran momento que atraviesa dentro de la escena urbana. El próximo 2 de octubre, Fro! llegará al C Art Media para presentar en vivo “#bigsteppa”, el nuevo disco con el que busca consolidarse como una de las figuras más fuertes de la nueva escena urbana argentina. Con una identidad artística cada vez más marcada y una evolución constante en su sonido, Fro viene construyendo un ascenso meteórico dentro del movimiento urbano. Su propuesta fusiona trap, rage y nuevas corrientes electrónicas, posicionándolo como uno de los artistas emergentes con mayor proyección del momento. Entradas a la venta a través de AllAccess

Conocé el line up completo Festival Crudo llega con una noche cargada de música en vivo y nuevas propuestas de la escena alternativa argentina. El jueves 23 de julio desde las 20 hs, distintas bandas y artistas se reunirán para compartir una fecha atravesada por el rock alternativo, el indie y la energía de los shows en vivo. Lineup completo: La grilla contará con presentaciones de Lucía Bossa, Glassrows, Antea, Leivit y Tuveque, en una fecha pensada para descubrir artistas emergentes y vivir una experiencia intensa y cercana entre bandas y público. Entradas a la venta a través de Venti

Será este 6 de junio en La Nube “Los dioses se tienen que vestir” es el nombre del nuevo álbum de Catalina Bayá que tendrá su presentación oficial en vivo el 6 de junio en La Nube. Entradas disponibles a través de FlashPass Compuesto por 10 canciones, este álbum cuenta con participaciones especiales como Delfina Campos en “Ajo y Agua” y Mora Navarro en “Nunca lo vas a entender”. “Los dioses se tienen que vestir” es un disco que recorre procesos internos y personales: habla de la contradicción, de la búsqueda y de la posibilidad de avanzar incluso cuando no todo está claro. Hay algo de aceptar la contradicción y dejar de intentar ser una versión “correcta” de una misma. Su canciones fueron naciendo en distintos momentos, sin un concepto previo, pero con una fuerte necesidad de decir aquello que no encontraba otra forma de expresarse. La frase ‘’si me mentis, los dioses se tienen que vestir’’, que aparece en una de las canciones del disco, terminó de darle sentido a todo. El título tiene que ver con eso: con bajar lo ideal y lo perfecto, a algo más humano, imperfecto y real.

Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Juguetona y saltarina, Carmen subió al escenario como una mariposa blanca con guitarra celeste y lágrimas de glitter que de frágil no tiene nada. Aunque indudablemente dulce, lo que más inspira es fuerza: esa necesaria para ponerle palabras a sentimientos incómodos, pero universales, de la experiencia femenina. Directamente de La Plata —meca de los músicos más sensibles del país—, ofrece un sonido fresco con letras sinceras que generan un refugio para su público. Con Cultural Morán absolutamente lleno y con una convocatoria que demuestra su magnetismo, Carmen brindó un show de 25 canciones repasando algunas como Cronos, Mad Max, Escila y Ya sabré ante una audiencia enloquecida que coreó cada tema. Así, transformó el lugar en un espacio seguro donde gritar sobre los amores fallidos, la tristeza y los pensamientos intrusivos es lo normal. "Lo que tengo para ofrecerle al mundo es amor", dijo sobre el escenario con mucha razón. Pero fue demasiado humilde. Además de amor y sensibilidad en su pluma, también tiene una voz particular que se erige con firmeza contra la depresión, el gobierno libertario, los abusadores del mundo de la música y Andrés Calamaro, a quien tildó de cipayo sin titubeos. Tierna y dura a la vez, saltaba de aquí para allá mientras revoleaba su cabellera rosa pastel, bañada por las luces verdes del escenario. Con este show, la artista comenzó a despedir su tercer disco Mala (2023) para abrirle la puerta a su siguiente era, que promete ser más luminosa y que apuesta por la ternura como espada, anticipada por canciones como La Feliz y Drogas en la playa. Sin embargo, uno de los puntos más altos de la noche fue 17, su composición más íntima y movilizante. En ella, relata con detalles exactos una situación donde la mayoría de las mujeres del mundo puede sentirse identificada: el hombre adulto que manipula diciendo que "sos muy madura para tu edad". El impacto de cada palabra que conectaba su propia historia con una herida de género se vio reflejado en las lágrimas de la audiencia y sus gritos desgarrados. Desearía haber escuchado Dear John hace muchos más años Reza uno de sus fragmentos en una referencia directa y dolorosa a la canción de Taylor Swift que relata una situación similar. En la voz de la artista, resonó como un abrazo de protección para todas las presentes. Muchos saltos y gritos después, retumbaba la frase "Nos encontramos, nos salvamos" de Cronos, coreada allá por el principio del show. Danzando en las paredes y en cada corazón que acudió al encuentro con Sánchez Viamonte para descargar sus malezas y recordar que dentro suyo yace la capacidad de cambiar su realidad.

La artista hizo carne su coraje con un show que combinó acidez, potencia y una certeza indiscutible: el rock ya no le pertenece a los trajes y bigotes de siempre Por Azul Martinez Flaiman Foto: Cortesía de prensa Rebelde y performática como pocas, Marilina Bertoldi llegó al C Art Media para apoderarse de ese escenario como si se lo hubieran negado toda la vida. Y con la fuerza de recuperar lo que sabe que es suyo irrumpió en escena con una peluca blanca larguísima, un corpiño de estrellas, un pantalón de rombos negro y blanco y una capa roja. Como una vengadora de todo eso que, al género femenino, se le prohíbe o restringe de nacimiento: hablar fuerte y claro, expresarse libremente y pararse frente a un público con una guitarra y la mayor de las seguridades. Un día más para un hombre blanco cisgénero cualquiera, una lucha diaria para las mujeres que no tienen otra alternativa que intentar detener monstruos. Si alguien sabe de eso, es Marilina, que se ha ganado su lugar apostando siempre a su visión en un género mayormente liderado por hombres en el mundo y en el país. No es ninguna noticia que el rock nacional argentino se sostiene en pilares con nombre de hombre. Y que los trajes empolvados de los rockeros que hacen juego con sus bigotes no se ceden tan fácil a chicas gritonas que quieren salir a tocar en vestido y peluca, con miles de personajes dialogando en escena para burlarse de lo impuesto y lo aprendido. Ahí, hace carne su mayor virtud y coraje: una combinación de talento musical y lírico con acidez y show. Una bandera plantada para hacerle frente a lo injusto con la dosis justa de sensualidad, dulzura, potencia e ironía. Dividido en cuatro bloques, el show recorrió su último disco Para quien trabajas Vol. I y las canciones que la han acompañado en su carrera musical que va cada vez más en ascenso y la consolida como una de las referentas indiscutidas del rock nacional. Entre las luces aparece como una diosa mitológica con Para quien trabajas, Autoestima y Es Poderoso, para después darle comienzo a lo íntimo prometido en el anuncio del show. Versiones sublimes de sus clásicos lentos como Rastro, Enterrarte y Por siempre es un lugar, en la que se acercó al público lo más que pudo para cantar sentada desplegando una sensualidad que solo ella puede encarnar como cantante de rock, en un reflejo de su divinidad: es capaz de armar grandes tormentas a hacer florecer lágrimas en cuestión de minutos. Entre canción y canción, cánticos contra el presidente Javier Milei, a favor de la comunidad LGBT y uno particular que le puso palabras a lo que la artista pone sobre la mesa desde sus comienzos, su bandera última. El por qué de todo resumido en pocas palabras: El rock es de las pibas Así, se hacía voz una premisa que intentó ser borrada por siglos y que fue recordada con furia y alegría en la garganta de mujeres y disidencias que, como ella, han apoyado, escuchado y amado por años este género sosteniendo una gran deuda que la historia tenía con ellas y que parece empezar a saldarse. Pasada la intimidad, su versión única del himno de la cumbia latinoamericana Amores como el nuestro anticipaba la electricidad también anunciada que continuó con canciones como De Caza y Bajan de día de noche esperan mientras Bertoldi bailaba entre las sombras proyectadas a sus espaldas. Una interpretación de Quieren rock de Intoxicados y el ya aclamado El Gordo le dieron pie a la introducción del bloque más potente de la noche. Con una meditación guíada narrada con su propia voz entre luces azules cuyo mantra principal era "Soy una mujer del espectáculo", la artista se preparaba para dejar ir el personaje que había liderado la primera parte del show, cambiando su largo y blanco pelo por una peluca negra con filosos picos saliendo de su cabeza y un vestido corto y metalizado. Con las piernas al aire y la voz al frente, se entregaba como un monumento a la distorsión. Llegando al final, las protagonistas fueron O No, La Casa de A, Racat, Cosas Dulces, MDMA y Monstruos que estallaron en pogos enérgicos liderados por cortas y largas cabelleras, amigas abrazadas, tops de encaje y camisas leñadoras. Una encarnación de la premisa madre: el rock es, fue y será de las mujeres, arriba y abajo del escenario, unidas e intentando día a día que se salde de una vez la deuda.