Conocé a los artistas que forman parte de la próxima edición Quilmes Rock presentó oficialmente los artistas que serán parte de su edición 2027 y puso en marcha la cuenta regresiva para una nueva celebración multitudinaria del rock y de la música argentina. Pionero, emblemático e indiscutiblemente instalado en la historia de los grandes festivales del país, Quilmes Rock vuelve con una grilla impactante, que reúne a referentes indiscutidos, bandas fundamentales, nuevas voces y propuestas que atraviesan distintas generaciones. Entradas ya disponibles a través de Enigma Tickets El festival promete una edición cargada de momentos únicos, encuentros inesperados y experiencias inolvidables. Además, se anticipó que pronto habrá nuevos anuncios y sorpresas. Conocé a los artistas que forman parte de la próxima edición: 2 Minutos Ale Kurz Alejandro Lerner Alex Anwandter Angela Torres Babasónicos Babeblade Bandalos Chinos Barbi Recanati BB Asul Benito Cerati Camionero Carmen Sanchez Viamonte Celeste Carballo Chechi de Marcos Cruzando el Charco Denisse Romano Divididos Dum Chica El Mató A Un Policía Motorizado Ella es tan cargosa Fito Paez Florian Fonso y las paritarias Fricción Gianluz & Wen Gori Mambo Gratis Hana Henry y La Palangana Homogenica Indios Isla Mujeres Jet Jorge Drexler Jovenes Pordioseros Joystick Juan Ingaramo Juana La Loca Kapanga Kevin Johansen Kill Flora Koino Yokan La Chancha Muda La Delio Valdez La Franela La Grecia La Mancha de Rolando La Mississipi La Portuaria Las Pelotas Leo Garcia Lisa María Little Boogie Los Autenticos Caligaris Los Cafres Los Fabulosos Cadillacs Los Mentidores Los Tipitos Malditos Perros Secuaces Marilina Bertoldi Massacre Metropoli Mi Amigo Invencible Miss Lupe Mugre Neuropibes No me toques OnOff Paula Maffía Paula Prieto Piazzola Electrónico Pizza Ratones Paranoicos reybruja Ryan Simon Bosio Spinetta x Javier Maloseti Sueter7 Sunlid Triada Turf Uma Virus Viva Elastico Walter Dominguez Winona Riders

La artista reflexiona sobre el proceso detrás de su disco debut Antes De Irme, su búsqueda sonora y lo que se viene para su proyecto Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Foto: Arin Rapuš Entre sonidos synth-pop, new wave y pop alternativo, DORO experimenta su vulnerabilidad y la combinación de sus influencias en su disco debut Antes De Irme que reúne recuerdos y su fascinación por la música de los 80s y 90s. Además, gran parte del álbum nació lejos del estudio: entre aeropuertos, viajes y cafés, donde las ideas aparecían antes de encontrar su forma definitiva. En entrevista exclusiva, la artista reflexiona sobre el proceso detrás de Antes De Irme, su búsqueda sonora y lo que se viene para su proyecto Musyca Medio: ¿Qué se siente haber sacado tu disco debut y que ahora cualquier persona tenga acceso a esas canciones? DORO: Es una sensación difícil de explicar. Hay algo de vulnerabilidad en compartir canciones que nacieron de experiencias personales, sobre todo cuando hablan de cosas que te marcaron en algún momento de tu vida. Durante el proceso de composición, cada una tenía un significado muy particular para mí, pero publicarlas también implica soltar un poco el control sobre lo que van a significar después. Ya no me corresponde decidirlo. Y quizás lo más lindo de haber publicado el disco sea justamente eso: dejar que esas canciones encuentren su propio lugar, mientras yo hago espacio para otras cosas. MM: ¿Cómo lo definirías? D: Siempre me costó un poco definir las cosas, especialmente cuando se trata de música. Creo que hay una distancia interesante entre lo que uno intenta expresar y lo que finalmente llega a quien escucha. Un disco puede tener una identidad sonora, ciertas influencias y una intención detrás, pero su significado no necesariamente termina ahí. Prefiero no condicionar esa experiencia con una definición propia. Después de todo, la música también existe más allá de las intenciones de quien la crea. MM: Y las letras, ¿en qué se inspiran? D: No hay una fuente de inspiración específica. A veces es una emoción, un recuerdo o alguna situación que se me queda dando vueltas en la cabeza. Depende mucho de lo que esté viviendo o sintiendo en ese momento. Creo que las canciones aparecen cuando todo eso empieza a acumularse y surge la necesidad de darle una forma, de encontrar una manera de traducirlo en palabras y música. Para mí, escribir tiene algo de terapéutico. Es una manera de procesar ciertas cosas. MM: A pesar de haber nacido de momentos tristes, tus canciones no suenan así, ¿cómo trabajaste combinar tu búsqueda sonora con la temáticas que abordan las canciones? D: En realidad, nunca fue una decisión demasiado consciente. No me senté a pensar que una letra melancólica necesitaba una melodía más alegre para generar un contraste. Es algo que surge naturalmente de mi personalidad y de mi manera de entender la música. No veo por qué algo que en su momento fue doloroso tendría que conservar necesariamente esa misma carga en su expresión musical. A través del ritmo, las melodías y los arreglos, me interesa darle otro carácter a esas experiencias, incluso cierta luminosidad, sin quitarles profundidad. Hay algo interesante en esa convivencia entre la melancolía y una sonoridad más enérgica. Para mí, no se trata de disfrazar la tristeza sino de no darle más peso del que ya tuvo. MM: Muchas ideas surgieron en viajes y lugares antes de llegar al estudio, ¿qué crees que le aportó esa particularidad del proceso a la identidad de las canciones? D: Creo que el entorno influye bastante en nuestra percepción, incluso de las cosas que llevamos con nosotros a todas partes. Hay emociones que forman parte de tu cotidianeidad, pero que no necesariamente encuentran la misma resonancia en cualquier lugar. Al menos a mí se me agudiza cierta sensibilidad, como si algunos lugares activaran una especie de radar para sensaciones que en la rutina quizás pasan desapercibidas. No eran emociones nuevas, sino algo que ya estaba ahí y que, por alguna razón, en esos lugares encontraba una forma de convertirse en música. Solía grabar pequeñas melodías o ideas vocales en el celular, o escribir frases tal como me venían, sin preocuparme demasiado por su estructura en ese momento. Esa relación entre el espacio, la percepción y el primer impulso creativo terminó influyendo en la manera en que se fueron construyendo las canciones. MM: Te inspira mucho la música de los 80s y 90s, ¿a quienes ubicás como tus referentes? D: Muchísimo. ABBA fue la primera banda que escuché, cuando tenía apenas cuatro años, y hasta el día de hoy su música me sigue haciendo sentir lo mismo que entonces. Siempre me llamó la atención la ligereza que transmite al escucharla, en contraste con el increíble trabajo de contrapunto que hay en sus canciones. Por supuesto, hay muchos otros referentes, como George Michael, Depeche Mode, Kate Bush y Pat Benatar, entre otros. Cuando hago mi propia música, no busco reproducir sus sonidos, sino experimentar esa misma emoción que siento al escucharlos. De alguna manera, esa sensación es la que me sirve de guía a la hora de crear algo propio. MM: ¿Qué se viene para el proyecto en lo que queda de 2026? ¿Y en 2027? D: Veremos adónde me lleva el camino. Por lo pronto, junto a Jaz Oil tenemos previsto lanzar Molotov, un single en colaboración con Lula Bertoldi, escrito en memoria de las víctimas del femicidio de Barracas y como una forma de expresar nuestro apoyo. En cuanto a 2027, todavía es pronto para saberlo. Después de todo, recién me fui y todavía tengo que descubrir adónde voy a llegar. Escuchá Antes De Irme acá:

La presentación oficial de I Just Wanna Make My Daddy Proud será el 11 de noviembre El próximo 11 de noviembre a las 20 hs, Catalina Ammaturo se presentará por primera vez en Niceto Club para presentar oficialmente su nuevo álbum I Just Wanna Make My Daddy Proud. Entradas disponibles a través de Venti 2026 fue un año de crecimiento y consolidación para Catalina Ammaturo, que amplió su presencia dentro de la escena local de rock y pop alternativo con nuevas canciones, shows, videoclips y una identidad artística cada vez más definida. Con más de 40 mil oyentes mensuales en Spotify, presentaciones en Buenos Aires, Rosario, Córdoba y Uruguay, participaciones en festivales y una creciente circulación en medios y plataformas, la artista se perfila como una de las nuevas voces con mayor proyección de la escena alternativa local. Durante este recorrido fue seleccionada como artista RADAR de Spotify Argentina, participó de RADAR Jam en Casa Spotify Buenos Aires y fue convocada al Festival RADAR, además de protagonizar una campaña de cartelería en distintos puntos de la ciudad que desencadenó una circulación espontánea en redes. A esto se sumaron nuevas fechas, videoclips dirigidos por ella misma, y los Secret Side Shows que acompañaron cada lanzamiento de su nuevo álbum. El 5 de noviembre llegará I Just Wanna Make My Daddy Proud, su segundo álbum conceptual, en el que Ammaturo aborda la búsqueda de validación, la relación con su padre, los vínculos, la soledad y las contradicciones que aparecen al intentar sostener una vocación artística frente a las expectativas ajenas. El disco profundiza el camino iniciado con Chica Violeta (2023) y La Pena (2024), pero desde un lugar más crudo y provocador, con un sonido que combina rock y pop alternativo, sintetizadores, elementos disco y una estética que cruza lo vintage con lo futurista. Como extensión de ese universo, el álbum también se convierte en una película de larga duración que funciona como tesis de su Maestría en Comunicación Audiovisual en la UCA, escrita, dirigida, editada y producida por la propia artista. El proyecto audiovisual expande la historia de las canciones mediante escenas y diálogos que permiten conocer la vida de la protagonista y los conflictos que atraviesa. La película se convierte así en una nueva dimensión del relato que propone el disco y que Ammaturo llevará al escenario el 11 de noviembre, apenas seis días después del lanzamiento, cuando se presente por primera vez en Niceto Club, en lo que será uno de los shows más importantes hasta el momento. La artista se presentará junto a su banda habitual y músicos invitados, en un show especialmente atravesado por el universo de la película, con escenas, actuaciones, bailarines y distintos recursos performáticos que buscarán trasladar parte de esa narrativa al vivo. Después de un año de crecimiento, nuevas audiencias y nuevos escenarios, Niceto aparece como el punto de llegada de esta etapa y, al mismo tiempo, como el comienzo de una nueva fase para Catalina Ammaturo. Escuchá los adelantos acá:

Conocé la propuesta que amplía la experiencia del festival y lo lleva a recorrer distintas salas porteñas Una programación que invita a reencontrarse con artistas favoritos y descubrir nuevas propuestas. 30/11 · FKA twigs + EQ en el Teatro Coliseo. 30/11 · Mannequin Pussy + Nation of Language + Kill Flora en Deseo. 01/12 · underscores B2B umru + Sophia Stel + Ambik en Deseo. 02/12 - Metrika Cimarrón 03/12 · Jaime Sin Tierra en Deseo, en su esperado regreso a los escenarios. Entradas disponibles por EnigmaTickets.com Mientras la ciudad empieza a vibrar con esta programación, el gran encuentro de Primavera Sound Buenos Aires tendrá lugar los días 28 y 29 de noviembre, en Club Ciudad, con Gorillaz, The Strokes y muchos más.

Un álbum donde la canción se transforma en experiencia sonora Ocho canciones recorren distintas formas de entender la composición: ritmos hipnóticos, guitarras trabajadas, armonías, electrónica, piano y una interpretación vocal de enorme sensibilidad. Con Un Jardín de un Vago Rosa, Joan Schmidt entrega una obra íntima y detallista, construida tanto desde la canción como desde el sonido. Hay una búsqueda clara en este disco: Joan Schmidt no se limita a escribir canciones, sino que trabaja sobre ellas hasta encontrar una identidad sonora particular. El resultado es un álbum de ocho piezas en el que conviven guitarras, piano, electrónica, voces y diferentes tratamientos rítmicos, siempre al servicio de una interpretación profundamente personal. El recorrido comienza con «Por la sombra» y continúa con «Las Palabras», una canción que ya había funcionado como primer anticipo del álbum. Pero es en «Por la vereda del sol» donde aparece con especial claridad una de las características del trabajo: un ritmo hipnótico que se desplaza mediante matices y desaceleraciones. El pulso parece estirarse y contraerse, generando una sensación de movimiento que transforma progresivamente la canción. En «El artefacto», el álbum vuelve a cambiar de registro antes de llegar a uno de sus momentos más logrados: «El santo». Allí, Schmidt encuentra un equilibrio notable entre composición e interpretación. Los arpegios de guitarra, las armonías y el uso de la reverberación construyen una pieza cuidadosamente arreglada, en la que cada elemento parece ocupar un lugar preciso. Sobre esa base, la interpretación vocal adquiere una dimensión especialmente emotiva. La experimentación continúa en «Dios del agua», donde el componente electrónico adquiere mayor protagonismo. El tratamiento de los sonidos amplía el lenguaje del álbum y demuestra que la propuesta de Schmidt no se encuentra atada a una instrumentación determinada. La electrónica aparece integrada a la composición, como una herramienta más dentro de una obra que permanentemente busca nuevas formas de expresión. «Buscaron un lugar alto» recupera algunos de los elementos que ya habían comenzado a aparecer en los adelantos del disco y conduce finalmente hacia la canción que le da nombre al álbum: «Un Jardín de un Vago Rosa». El cierre es también uno de los momentos más particulares del trabajo. Piano y guitarra acompañan una voz sutil, casi susurrada, que habla del amor desde un registro cercano y delicado. Alrededor de esa canción aparecen sonidos y ritmos que remiten al funcionamiento de una máquina o al movimiento preciso de un reloj. La composición incorpora además voces de niños, sumando una nueva dimensión a una pieza que parece construirse por capas, pequeños detalles y contrastes. Es justamente allí donde el álbum revela una de sus mayores virtudes: la capacidad de convertir recursos sonoros en parte del relato de las canciones. Un ritmo puede modificar la percepción del tiempo; una reverberación puede ampliar una voz; un arpegio puede convertirse en el elemento que sostiene una emoción; una textura electrónica puede cambiar completamente el carácter de una composición. El material también confirma el peso de la voz de Joan Schmidt. Profunda cuando la canción lo requiere, pero capaz de volverse sutil y cercana, funciona como uno de los principales puntos de conexión entre piezas que exploran territorios diferentes. Más que buscar una estética uniforme, en esta entrega el artista encuentra coherencia en la atención al detalle. Las ocho canciones tienen sus propios recursos, ritmos y decisiones de producción, pero todas parecen responder a una misma inquietud: descubrir hasta dónde puede expandirse una canción sin perder su esencia. Desde el pulso hipnótico de «Por la vereda del sol» hasta los arpegios y armonías de «El santo», pasando por la experimentación electrónica de «Dios del agua» y la singular construcción de la canción que da título al álbum, Joan Schmidt propone un recorrido lleno de pequeñas sorpresas. Un Jardín de un Vago Rosa es, finalmente, un trabajo de composición, interpretación y diseño sonoro. Un álbum que encuentra belleza en los detalles y que demuestra que todavía hay mucho territorio por explorar cuando una canción se toma el tiempo necesario para encontrar su propia forma. Escuchá Un Jardín de un Vago Rosa acá:

El power trío jujeño presentó su segundo álbum de estudio, una obra que transforma la distancia entre la inmensidad del norte y el vértigo urbano en una reflexión sobre el tiempo, el cambio y la identidad El power trío jujeño presentó su segundo álbum de estudio, una obra que transforma la distancia entre la inmensidad del norte y el vértigo urbano en una reflexión sobre el tiempo, el cambio y la identidad. Grabado entre Jujuy y Unísono, el histórico estudio de Gustavo Cerati, el disco profundiza una búsqueda que cruza rock alternativo, sensibilidad pop y una propuesta visual ligada al territorio. Hay algo en los paisajes del norte argentino que obliga a cambiar la escala. Frente a la inmensidad de un cerro, el tiempo parece avanzar de otra manera; el ruido cotidiano pierde protagonismo y el cuerpo recupera su dimensión real frente a la naturaleza. En Cerca del Fin, Hollywood Bungalows toma esa experiencia como punto de partida para pensar una transformación que no es solamente geográfica: también es musical, personal y colectiva. Oriundo de Jujuy, el power trío integrado por Matías Vaira (guitarra y voz), Agustín Ponce (bajo y voz) y Alejandro Barrionuevo (batería) publicó su segundo álbum de estudio el 17 de abril de 2026. El trabajo propone una fotografía de la etapa actual de la banda, atravesada por el crecimiento, las experiencias acumuladas y la tensión entre dos realidades que conviven en su recorrido: la tranquilidad de los paisajes jujeños y la velocidad de Buenos Aires. El primer álbum, Hollywood Bungalows (2022), ya había establecido las bases de esa búsqueda. Grabado en Unísono, el histórico estudio personal de Gustavo Cerati, con producción de Nicolás Parker, el disco representó un paso importante en la consolidación técnica y artística del grupo. Cerca del Fin retoma ese recorrido con otra perspectiva: menos preocupado por demostrar posibilidades y más enfocado en definir qué elementos son realmente necesarios para expresar su presente. La grabación del nuevo trabajo se realizó entre EUNOIA Studios, en Jujuy, y Unísono, en Vicente López. Nico Parker Pucci estuvo a cargo de la producción técnica, acompañando una propuesta que busca combinar precisión sonora con una identidad propia. Con Cerca del Fin, Hollywood Bungalows no plantea un punto de llegada definitivo. El título sugiere un límite, pero también deja abierta la posibilidad de que algo cambie después de atravesarlo. En el contexto del álbum, esa idea se relaciona con el proceso de maduración de una banda que revisa su recorrido y busca traducirlo en una obra más consciente de sus recursos y de sus intenciones. La distancia entre Jujuy y Buenos Aires atraviesa ese proceso como una experiencia concreta. De un lado, la amplitud del paisaje y una relación distinta con el tiempo; del otro, la intensidad de una ciudad que concentra oportunidades, exigencias y movimiento. Entre ambos territorios, el grupo construye una identidad que no necesita elegir uno para explicar el otro. Con dos álbumes de estudio, una trayectoria que combina premios, festivales y escenarios multitudinarios, y una propuesta donde la música dialoga con el lenguaje audiovisual, Hollywood Bungalows continúa ampliando su universo creativo. El fin, en este caso, no parece una clausura. Es la imagen de una etapa que se transforma y de una banda que, después de recorrer distintos territorios, encuentra en esa misma transformación el material para seguir haciendo canciones. Con dos álbumes de estudio, una trayectoria que combina premios, festivales y escenarios multitudinarios, y una propuesta donde la música dialoga con el lenguaje audiovisual, Hollywood Bungalows continúa ampliando su universo creativo. Escuchá CERCA DEL FIN acá:

Un año después de su salida, la banda brindó un festejo de cumpleaños para su primer disco—piñata, regalos e invitados incluidos— que reconfirmó su lugar como refugio para la juventud porteña Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Francesca Bray - @fran_bray Un festejo no existe sin una invitación. Un conejo blanco animado de voz juguetona apareció a dar la bienvenida al cumpleaños de POST POP, el disco debut de Homogénica que le permitió un salto de los antros porteños a pisar dos veces en un año el escenario de Niceto Club. Conocé más sobre POST POP en nuestro video canción por canción en YouTube Entre frases de canciones proyectándose como premisas necesarias para la noche —como “No insistir riéndote en la canción” o “Ser el mejor tesoro”—, una cascada de cortinas metalizadas y globos, llegaron al escenario los elementos indispensables para una buena celebración vestidos por Bianca Sad. Juan Michat (guitarras) personificó un cartel de feliz cumpleaños, Facundo Vázquez Ávila (batería) llevó un regalo en forma de moño gigante en el pecho, Santiago Gómez (bajo) vistió su outfit de cebra imitando una piñata y Rodrigo Porto (guitarras y teclas) asumió el rol de host con calidez y vestuario a lo Prince. Finalmente llegó la torta: Lola Tabarovsky (voz), en medias de confeti y un vestido con crema blanca y cerezas hasta sobre su pelo —ahora azul con violeta— que recordaba a los icónicos looks de Katy Perry inspirados en postres y frutas. Con los cinco integrantes, Dante Saulino (teclas y pistas) y Martina Lostra (coros) en posición, sonaron los primeros acordes de Living Comedor que fue recibida por gritos de alegría instantánea seguida de Otra Vez. Si hay algo indispensable en una fiesta son los invitados. La primera de la noche fue Cornuda Posting, sorprendiendo para una versión especial de Tesoro. El inicio dulce de Backstage suspendió en el tiempo los bonetes luminosos, las remeras con brillos, los outfits inspirados en frases y conejos. Los chicos y las chicas vivían el presente junto a uno de los himnos de la banda, despojados de los celulares, refugiados en la composición. Entre gritos desaforados de "Olé, Olé Olé Olé, Homo, Homo”, seguía cayendo gente al baile. Jero Jones se subió en un traje completamente blanco para explotar el lugar con Pretensión. Finalmente, La esperada y recién salida del horno VOS TENES TU NOVIO fue interpretada junto a Juana Rozas, anticipando el camino que se viene para la banda en la próxima etapa y empapando las paredes de euforia. ¿Qué sería una ceremonia pop sin una pista de baile a la cual sacarle chispas? 3D y sus sonidos magnéticos elevaron una a una las manos para darle paso a otro de los esperados momentos de un cumpleaños: la piñata. Celeste Nanfaro, la directora creativa y mente maestra detrás de cada detalle, plantó una escalera en medio del público. En sus manos, una piñata de conejo casi más grande que ella. Tras el anuncio de las reglas, la efervescencia de la gente la convertía en el famoso delfín de Santa Teresita. En el interior del conejo, regalos que la marea de gente amaría recibir: cigarrillos, gomitas ácidas y preservativos mezclados con confeti plateado. Todavía se juntaban premios del piso cuando empezó Buenas Decisiones, acentuando el espíritu festivo: música sonando, personas agachadas juntando golosinas y una ronda abriéndose para bailar; una celebración del aniversario de las doce canciones que integran el primer disco de la banda y que formaron parte del día a día de los presentes, acompañándolos en sus viajes en transporte público, llantos de madrugada y salidas con amigos. La nostalgia se volvió inevitable. Cual video con fotos desde bebé en el brindis, Facu se puso al frente con su caja de ritmos para darle vida a una nueva interpretación de PLAGA, su primer EP, adaptándolo a su presente. Se sentían en el aire flotando los recuerdos de quienes pasearon por lugares con poca iluminación solo para escuchar Turista, Bichos, Ratas o Animales. Y, por supuesto, La Gata. Es una de las canciones favoritas del grupo y su gente. Se ganó, por eso, ser uno de los momentos más íntimos y sorprendentes de la noche entre luces tenues, dejando de lado lo electrónico y lo bailable del mashup. Después de spoilear en una entrevista que Rodri tendría más protagonismo en el futuro de la banda, esta interpretación estremecedora y profundamente emocionante a dúo fue una pequeña muestra para lo que se viene y lo mucho que queda por escuchar del talento innegable para la música que se encierra en él. Una versión que se sintió diseñada para generar fuertes emociones y dio paso a otro conmovedor momento: Mi Casa, con su piano triste y la cantante dedicándosela de frente a sus compañeros: “Yo te amo de verdad, sos mi casa”. Las luces se apagaron y una gran caja blanca con lunares rosa y un moño sorprendió en el escenario. Junto a ella, un mago cuyos trucos de magia sacarían lo mejor de cada integrante de la banda en solos implacables que funcionaron como presentación e interludio para el segundo vestuario de la noche de Lola, que salió de la caja en un body fucsia con azul. Las amadas Fan y N.E.N.A (No Entendiste Nada Amor) volvieron a encender la llama del público en pogos junto a globos de estrella que acompañaban las guitarras después de la pausa y el llanto. Acto seguido, escudada por la guitarra, la frontwoman se permitió vulnerabilidad. Entre agradecimientos, nostalgia y la alegría de poder hacer lo que más aman tras descubrir un refugio en los tiempos difíciles que atraviesa el país, introdujo Primer Acto: “Gracias por estar acá, es un momento muy complicado. Gracias por venir con nosotros a la fiesta”. En medio de la emoción, una gran ronda habitó Niceto descolocando a algunas personas arriba y abajo del escenario: no es una costumbre asociada a esta canción, sino que se espera más bien un llanto entre abrazos. Sin embargo, el público se inventó en esta oportunidad una pista y lo convirtió en un lento, como si fuera parte coreografiada de la ceremonia para cantar que al final todo termina como empieza; que un año después ahí seguían, firmes dejándose emocionar, atravesar y divertir por esas canciones y no solo no se les pasó al otro día, sino que se exacerbó. El Bar siguió este torbellino de emociones, llevándolas aún más lejos y contando con una aparición de la cantante entre el público. Sobre el final, se dejó ver una versión electrónica y bailable que daba la pauta de que todavía no había terminado la noche. Pide Más, el bis indiscutido, apareció para darle fin a la fiesta. La cereza del postre ante el pedido de “Otra, otra”. “Nos vamos, el año que viene nos espera nuestro próximo disco”, se despidieron anticipando la siguiente etapa. Como despedida del disco y del año, Homogénica le preparó para la juventud porteña —como los niños de primaria preparaban sus bolsitas estampadas de plástico— un popurrí de sus mejores sorpresas en forma de canción y agradecimiento. Una mezcla de sus favoritos para sumar esta noche a la colección de recuerdos de los 20s. A una generación a la que le cuesta cada vez más llegar a fin de mes, pagar el boleto de colectivo y soñar con tener algo propio, la banda le abrió las puertas a un lugar para ser ellos mismos: una pista de baile donde son bienvenidos los traumas, la ropa tirada, las cervezas, las malas decisiones, los caramelos y las flores.

La cantautora convirtió el escenario en su propia casa para presentar su segundo disco entre intimidad, memoria y honor a sus raíces Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Con la confianza de quien invita a tomar una copa de vino en su mesa, Pilar Gough hizo del escenario su propio comedor. Mantel cuadriculado rojo y blanco, dos copas, una botella de vino y un cuadro antiguo dorado fueron el refugio perfecto de una voz que estremece sin dudar a quien la oiga entre el barullo de la ciudad. Leé más sobre Lo que no logré en la ciudad en nuestra reseña El dulce recorrido incluyó la presentación en vivo por primera vez de su segundo disco, Lo que no logré en la ciudad, con canciones como Ahogados, Quién va a cantar de Rubén Rada y Un Último Gesto, sin restarle lugar ni importancia a sus primeros lanzamientos como Mendiga o Cielo caliente. Entre luces cálidas y un vestuario negro, Gough erigió su voz en un contraste de delicadeza, angustia y humor. María Morgade se unió a la reunión para interpretar Cuando no tenga tiempo, Joaquinx Merino brindó una versión emotiva de Copla de los hermanos y, finalmente, Trucha y La Valenti conformaron el momento neuquino de la noche para reversionar Neuquén Trabun Mapu, el himno de la provincia que los vio nacer. En un interludio musicalizado por Lumbre, la cantante pinceló con pintura negra el lienzo blanco del cuadro que habitaba el centro de la escena, regalando una intervención artística en vivo que destacó la importancia de lo artesanal, la pausa y la contemplación. Llegando al final, y aportando alegría a un camino más bien introspectivo, una versión alegre de El Embrujo de Los Palmeras generó el movimiento necesario para cerrar la noche con El Acuerdo, la cumbia dedicada a su propia madre. Así, concluyó una velada donde la intimidad y el honor a las raíces fueron pilares de un ritual que funcionó como un viaje al pasado; no para habitarlo nuevamente, sino para recuperar aquello que constituye su propia identidad.

La banda presenta su nueva canción Desde Lanús, la banda de rock alternativo encuentra en “Piel Serpiente” un territorio donde conviven deseo, tensión y una energía guitarrera que mira de frente al rock argentino contemporáneo. En Piel Serpiente, el nuevo single de Pankow’s, la idea de cambiar de piel se convierte en el centro de una canción atravesada por el deseo, la seducción y una relación donde el juego de poder nunca termina de revelar quién está realmente al mando. La serpiente funciona como una metáfora precisa. Su capacidad para mudar la piel permite hablar de transformación, pero también de deseo y peligro. En Pankow’s, esa figura se convierte en una relación cargada de atracción, donde la seducción puede confundirse con una disputa y el deseo con una forma de poder. La canción no intenta resolver esa tensión: la deja abierta, respirando entre riffs y melodías. La banda nació en Lanús, Zona Sur del Gran Buenos Aires, en agosto de 2025, pero su sonido parece partir de una inquietud bastante más antigua: hacer rock sin necesidad de elegir demasiado pronto una única etiqueta. Mauro Pankow —voz, piano y guitarra—, Fran Carabajal —bajo y coros—, Gonzalo Guevara —guitarra— y Lucas Rodríguez —batería— construyen una propuesta en la que las guitarras tienen peso, la base empuja y las canciones conservan un espacio central para las letras. Escuchá Piel Serpiente acá:

Con la presentación de su nuevo libro "Cuerdas para Charly (o cómo arreglar lo que no está roto)" y un concierto orquestal Patricio “Pato” Villarejo presenta Cuerdas para Charly (o cómo arreglar lo que no está roto) el sábado 24 de octubre, de 20 a 22 h, en la Casa de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. Luego de la presentación del libro, la jornada continuará con un concierto orquestal especial a cargo de Villarejo y Érica Di Salvo, junto a David Tagger, Fernando y Uma Kabusacki, entre otros invitados. El repertorio recorrerá clásicos de Charly García desde una nueva perspectiva orquestal, en un encuentro que combinará literatura, música y el universo creativo de uno de los grandes referentes del rock argentino. Entradas libres y gratuitas Sobre el libro Cuerdas para Charly reconstruye en primera persona el proceso creativo detrás de los arreglos de cuerdas de Líneas paralelas, el proyecto que llevó la música de Charly García al escenario del Teatro Colón. El punto de partida es una llamada de Charly, en agosto de 2013, para convocar a Villarejo a trabajar en los arreglos orquestales. Desde allí, el músico recorre el proceso desde las primeras maquetas y anotaciones hasta los ensayos, las funciones en el Colón y la posterior grabación y mezcla. Lejos de ser una biografía convencional, el libro propone una mirada desde adentro del oficio musical: cómo escuchar, qué sumar, qué dejar intacto y cómo expandir una canción hacia una orquesta sin perder su identidad. El título recupera una de las paradojas que atravesaron aquel trabajo. Charly necesitaba arreglos orquestales, pero desconfiaba de la palabra “arreglador”: en su música no había nada roto.

El artista llevará al vivo su disco debut este 29 de octubre Juanru presenta Una Salida, su álbum debut el jueves 29 de octubre a las 20hs en en Casa Brandon (Luis María Drago 236). Entradas disponibles a través de Passline Este nuevo disco es un estallido pop con destellos electrónicos y raíces R&B, producido por Luca Sira. Cada tema es una oda a la noche: al escape, a la fiesta y a la búsqueda de rutas alternativas para desafiar la realidad y evadirnos de la cotidianidad, que, en un contexto desfavorable, se torna agobiante. Un viaje que va de adentro hacia afuera, con letras intensas y queers que laten entre lo íntimo y lo expansivo, perfecto para romper la pista o para bailar en la cama.

Entre el pop y el trap, la artista llevó su disco debut al vivo con una energía que no dio respiro, invitados especiales y una propuesta dispuesta a jugar bajo sus propias reglas Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph En una atmósfera inundada por el groove, luces envolventes y una banda completa que acompañó y elevó la puesta, Martuca presentó su álbum debut, BAJO DEMANDA. En esta obra, la artista fusiona pop, trap, tango y rock para relatar el pasaje de la adolescencia a la adultez —y sus inclemencias— con sensibilidad y humor. Tras lanzar su primer LP en septiembre de 2026, la cantautora llevó sus nuevas composiciones al escenario con orgullo, entrega y una energía constante que no dio respiro. La lista combinó nuevas joyas como LA SALIDA, ZEUS, SOLEDAD, yo vs yo y mis notas con paradas en su primer EP, CONTRADICTORIA (2024) —con canciones como OTRA VEZ, DUDO y EL CAMINO—, dejando al descubierto el magnetismo y la identificación innegable de su repertorio. Las colaboraciones de la noche marcaron los puntos más altos de la fecha. MAG, coproductora del disco, subió a escena entre luces rojas y distorsión para PESADILLA. A continuación, Trucha —artista y director audiovisual del proyecto— se sumó en la romántica DiAMANTE brindando una versión íntima y dulce. Por último, Carajita irrumpió con GAME, desatando una potencia que retumbó en las paredes. Cerca del final y entre risas, llegó el turno de ALGORITMOS, uno de sus primeros temas. Acompañada por su banda y coristas luciendo pelucas rubias, Martuca convirtió la interpretación en una fiesta de saltos y puro disfrute. El recorrido terminó tal como empezó: con LA SALIDA, concluyendo la exposición de un camino de introspección solitario que se volvió colectivo. Frente a la demanda de un sistema que cada vez exige más a la sociedad, a los artistas y, sobre todo, a las mujeres, Martuca decide jugar bajo sus propias reglas: combinando géneros y estéticas para generar espacios de descarga y diversión, transformando los miedos e inseguridades en arte.