En Vivir Sin Miedo, el cantautor boliviano radicado en Buenos Aires convierte las dudas de crecer, el paso del tiempo y la necesidad de seguir adelante en una canción de folk íntimo y profundamente humana La canción, en colaboración con Delfina Mancardo, parte de una pregunta sencilla, pero difícil de responder: ¿cómo elegimos vivir cuando ya no tenemos todas las respuestas? Sin embargo, no intenta resolver esa pregunta. Su apuesta es diferente: aceptar que probablemente algunas respuestas nunca lleguen. En la composición aparecen algunas de las experiencias más elementales de la adultez: entender que las personas pueden dejar de estar, asumir que ciertas preguntas permanecen abiertas y descubrir que el tiempo continúa avanzando incluso cuando uno todavía está intentando comprender hacia dónde ir. Bustillo convierte esa incertidumbre en una pieza de folk acústico de carácter íntimo. La guitarra y las voces funcionan menos como ornamento que como espacio de conversación. Y allí aparece Mancardo, cuya interpretación amplía el registro emocional de la canción y evita que la reflexión quede encerrada en una única voz. El encuentro entre ambos artistas funciona precisamente por esa complementariedad. “Vivir Sin Miedo” no se siente como una canción construida alrededor de una colaboración agregada a último momento, sino como un diálogo: dos voces atravesando una misma pregunta desde lugares diferentes. Hay algo deliberadamente humano en esa decisión. En esta composición no se promete que todo estará bien. Tampoco propone una épica de superación. En cambio, reconoce algo bastante más incómodo: no podemos controlar todo lo que nos sucede, pero todavía podemos decidir qué hacer con aquello que nos toca vivir. Escuchá Vivir sin miedo acá:

En un recorrido cargado de emoción pero tambien de baile, la banda mendocina despidió su último disco para inaugurar una nueva etapa Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Despidiendo su último lanzamiento que los ha llevado a recorrer numerosos escenarios alrededor del mundo, Gauchito Club volvió a Buenos Aires para un show a puro baile y emociones mezcladas: celebración, despedida y apertura para lo nuevo. Bancate ese viaje, su próximo disco se avecina. Hay una verdad y es que es en el escenario donde la propuesta de la banda pasa al siguiente nivel. Su energía en vivo es contagiosa y convirtió al C Art Media en una verdadera celebración. Sumando vientos, coros y batería para dar un show completo, lleno de energía y detalles que hacen bailar a todos, el grupo brindó un set que no solo se escuchó sino que atravesó a quienes formaron parte de la fiesta. Así, el show fue una celebración del hecho de reunirse, pasando por momentos más bailables y otros emotivos sin perder la alegría que los caracteriza.

La banda llevó al vivo a las canciones de su último disco junto a los grandes clásicos de su carrera en un show explosivo Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Entre filosos rayos de luz azul, la voz de Fabián Casas impregnó las paredes espejadas de Niceto relatando el interludio que condensa el concepto de Diarios de Humo, el último disco de Joystick. Por algún error que los presentes desconocen, fueron invitados un día más al desayuno de la especie, donde pequeñas palabras sopladas a través de las cuerdas y escritas a mano se convirtieron en explosión. Antes de que los músicos puedan pisar el escenario, el público ya coreaba "Olé, olé, olé, Joystick, Joystick", en demostración de que los reclamos que este disco expone ya no quedarían entre uno y su propia calavera sino que se transformarían en canto y catarsis colectiva. La banda se caracterizó por una potencia indiscutible en vivo y en el estudio. Esa fuerza se tradujo en denuncia encriptada y metáfora exacta; en ternura que se balancea con la rabia y en angustia que aguarda la esperanza. El bien y el mal se turnan de lugar y, al limpiar el cristal, son casi igual. Diarios de Humo es su cuarto disco y uno en el que aceptaron el desafío de correrse de lo conocido a nivel sonoro, más cerca de lo analógico que nunca. Hay puntos profundos de los crudos y de los suaves que atraviesan la piel como una daga. La presentación en vivo, entonces, le hizo justicia a esa dualidad. Suerte, Brazos Cruzados y Alfombra Roja fueron la invitación a brindarse al peligro. Con Salir en TV, el cariño desbordante por ¿Qué dicen tus amigos de vos? (2023) se apoderó de las voces y los cuerpos, que empezarían a mostrar lo que podía suceder entre un público con mucha sed de movimiento. Intersección, Comisura, Mi Día y A Cambio de Nada se unieron en una seguidilla que unió preguntas existenciales con ternura, nostalgia y cantos derrotados a ojos cerrados. El primer invitado de la noche fue Dante Saulino, el productor del disco que se apoderó de las miradas sumándose como guitarrista en Escombros, Boicot, Guantes Negros, Susurro Personal y una versión dulce de Don't Look Back In Anger de Oasis. El otro cover de la noche, introducido como "Una canción de alguien que admiramos mucho, demasiado, quizás" fue Primavera 0 de Soda Stereo, una de las bandas que más influyó en Joystick. El momento más emotivo de la noche se inauguró cuando los primeros acordes de En Mí atravesaron las remeras negras hasta llegar a cada uno de los corazones. Con su carga justa de resignación y una esperanza anclada en la imagen de la lluvia cayendo, la canción los transportó a su atmósfera azulada. Tito Lo Sabe subió la temperatura generando la introducción perfecta para Locutor de La Contra. Y tras un interludio instrumental que fusionó ambas canciones, el mismísimo locutor de la contra se encarnó por completo en Pano Benincasa con una máscara y un cambio de vestuario que recordaban al videoclip. Así, la performance y la conceptualidad de la obra convivieron con los códigos del recital de rock, imposibles de abandonar: pogo, transpiración, gritos, manos al aire y hasta momentos de improvisación. Para Lo Prendo Fuego, la banda eligió junto al público a uno de los presentes para ser el guitarrista durante la canción. Por votación unánime, Nacho fue el segundo invitado de la noche, llevándose un recuerdo inolvidable y brindando una performance impecable. Llegando al final, el cantante se tomó un momento para agradecer: "Gracias a todos por venir, estamos acá por nuestro nuevo disco 'Diarios de Humo', espero que les haya gustado. Ya estamos llegando al final, todo termina y está bien que así sea". Pasajero fue el responsable de cerrar la ceremonia, resumiendo parte del sentimiento general en su comienzo: No sé cómo llegué acá / El origen es incierto / La pregunta fatal / De si esto es real o tan solo un sueño Al terminar, cada uno de los músicos se acercó al escenario para entregar sus setlists como ofrenda frente a un público fiel que restituyó e hizo crecer sin titubeos su fe. Una fe que parece capaz de cambiarlo todo y que puede durar por siempre, a través de voces que hicieron de las canciones un grito mucho más fuerte que un susurro personal.

La presentación oficial de su nuevo disco será el domingo 8 de noviembre en Niceto Club BB ASUL presenta Miss Universo, su nuevo trabajo discográfico, una obra que reúne canciones atravesadas por la identidad, la diferencia y la reivindicación de quienes alguna vez sintieron que no encajaban. El lanzamiento llega después de los adelantos “Tabaco Para Armar”, “Ajedrez” feat. Massacre y “Colmillos” feat. Taichu, y consolida el universo sonoro que la artista construyó junto al productor Dante Saulino, recorriendo géneros como grunge, nu metal, rock y pop. Miss Universo nace como una declaración de amor a “los raros, las raras, lxs deformes, los feos” , pero también a quienes aprendieron a encontrar la felicidad en aquello que otros señalaron como un defecto. BB ASUL convierte esa mirada externa en una bandera propia y dedica el trabajo a su familia, sus amigos, su mamá, a Luna “que me escucha siempre desde más cerca de Dios” y a todos los que, aun cuando casi nunca les toca ganar, siguen enfrentando el mundo con el corazón lleno de amor. Una celebración de los “perdedores con suerte” y de la rareza como una forma de resistencia. Ahora, anuncia su presentación oficial: será el domingo 8 de noviembre en Niceto Club. Entradas a la venta a través de Venti

El músico y compositor se presentará el sábado 24 de octubre en Maquinal, en un show que marcará el cierre de la etapa de En el Ciber y abrirá un nuevo capítulo en su carrera Benito Cerati vuelve a presentarse en Buenos Aires el próximo sábado 24 de octubre en Maquinal, en una fecha especial que marcará el cierre de la etapa artística de "En el Ciber" y, al mismo tiempo, dará inicio a un nuevo capítulo en su carrera. Entradas ya disponibles a través de Revamos Luego de un recorrido que lo llevó por escenarios de Argentina, Chile y Europa, Benito llega a esta presentación para despedir el universo de su tercer álbum de estudio, En el Ciber, y comenzar a delinear una nueva etapa creativa. El disco, nominado a Mejor Álbum Pop Alternativo en los Premios Gardel 2026, profundizó su búsqueda alrededor del pop alternativo, el drum & bass y el ambient, consolidando una identidad atravesada por la experimentación sonora.

Un debut donde el indie se encuentra con la incertidumbre cotidiana Desde Corrientes, Juan Cruz presenta Rompiendo Todo, su primer álbum de estudio y una nueva etapa para un proyecto independiente que viene construyendo su identidad alrededor de la sensibilidad pop, las guitarras de impronta rockera y una escritura atravesada por la introspección. El disco reúne siete canciones originales y funciona como una primera fotografía de un artista que encuentra en lo cotidiano el material para hablar de aquello que muchas veces resulta difícil de explicar. En este material, el artista no busca construir grandes discursos alrededor de la ansiedad, el paso del tiempo o la confusión. Su estrategia es más cercana: observar pequeñas escenas, pensamientos y contradicciones que forman parte de la vida cotidiana y convertirlas en canciones. En ese recorrido aparecen preguntas sobre el vértigo de los días, el peso de los propios pensamientos, las decisiones capaces de modificar un rumbo y esa sensación de continuar avanzando incluso cuando todavía no está claro hacia dónde. Es allí donde Juan Cruz encuentra uno de los rasgos más reconocibles de su propuesta. Sus canciones no necesitan apoyarse en historias románticas convencionales para generar identificación. El centro está en otra parte: los vínculos, la ansiedad, sentirse perdido, intentar comprender el paso del tiempo y encontrar sentido dentro de una rutina que muchas veces parece repetirse. La honestidad termina funcionando como uno de los principales recursos del álbum. El álbum fue producido musicalmente por Nicola Carrara, una colaboración que también había quedado registrada en “Fantasmas Otra Vez”. La mezcla y masterización estuvieron a cargo de Catu Suárez en CamaronBrujoMusica, en Buenos Aires. La participación de distintos profesionales en las áreas musical y audiovisual acompaña una etapa en la que Juan Cruz deja atrás la lógica del lanzamiento individual para presentar un proyecto con una narrativa más amplia. Podés escuchar Rompiendo Todo acá:

El artista prepara "Lola", un álbum de pop electrónico, oscuro y sensual que llegará en octubre Detrás del alias Güero Sensible está Bautista Cassaglia, músico, compositor y productor que durante años prefirió permanecer detrás de escena. Antes de imaginarse como artista, quiso ser productor. Antes de pensar en un proyecto solista, buscó una banda. Incluso fantaseó con encontrar una dupla creativa capaz de reproducir aquella química que alguna vez tuvieron proyectos como Daft Punk o The Chemical Brothers. Ninguna de esas búsquedas terminó funcionando. Su relación con la música comenzó mucho antes de tener un nombre artístico. Su padre fue quien le abrió la puerta a un universo musical extraordinariamente amplio: rock, soul, hip hop, jazz, electrónica y trip hop convivían en sus primeras escuchas. Durante la adolescencia, Red Hot Chili Peppers, Oasis y Gorillaz se convirtieron en referencias fundamentales. A los ocho años comenzó a estudiar guitarra. Más tarde llegó una loopera y, con ella, las primeras canciones, letras y estribillos. Pero fue el estudio el que terminó cambiándolo todo. La curiosidad por descubrir por qué determinadas canciones funcionaban lo llevó a profundizar cada vez más en la producción. El sonido dejó de ser simplemente un vehículo para una canción y comenzó a convertirse en parte central de su identidad creativa. Ese aprendizaje hoy se escucha en su proyecto: sintetizadores, estructuras pop, pulsos electrónicos y una producción que no teme sonar áspera cuando la canción lo necesita. Su historia comenzó con una guitarra, pasó por loops, producción, años de búsqueda y una fascinación casi obsesiva por entender cómo funcionan las canciones. Después llegaron los intentos de formar una banda, la fantasía de una dupla electrónica y finalmente la decisión de hacerlo solo. Ahora todo ese recorrido desemboca en su próximo álbum "Lola", que llegará en octubre de 2026 y será, en muchos sentidos, la verdadera carta de presentación de Güero Sensible: no solamente el debut discográfico de mayor escala de Bautista Cassaglia, sino también el momento en que su identidad sonora podrá ser escuchada como un universo completo. El pop puede ser sintético sin perder humanidad. La electrónica puede ser sensual sin volverse predecible. Y Güero Sensible parece dispuesto a explorar justamente ese punto de tensión.

El camino de autodescubrimiento que guió a la artista hasta CARNE, su segundo disco Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Foto x @ligiamajul Solca es una artista que combinó a lo largo de su carrera el rap de los 90 y el rock nacional. El bajo con la producción. Las clases a niños con tocar en corpiño negro engomado. Todo reunido en una esencia que prioriza la autenticidad a cada paso. En pleno lanzamiento de su segundo disco CARNE, la artista explora su interior, plantando bandera y sin dejarse intimidar por nada ni nadie. La acompaña codo a codo, tanto en el proceso como en esta entrevista, su copiloto: Ligia Majul, la directora creativa y realizadora audiovisual de los videoclips y el full album que complementan la obra. En principio dupla creativa, pero luego amigas y confidentes, comparten visión de mundo, sentido del humor y una convicción única por crear arte. Cada una con su dios, pero atrás de la misma zanahoria, desarman su recorrido hasta esta meta una mañana soleada de viernes en un café colombiano de Palermo. Con un camino allanado por la experiencia de su primer disco DIRTBAG (2024), producciones y shows junto a colegas de todo tipo, Sol Cascardo se consolidó como una de las voces jóvenes más importantes de Rosario. Su recorrido la llevó a formar parte del Festival Bandera, realizar la apertura del último show de Wos en su cuidad y armar equipo junto a quien hoy es su matrimonio creativo para elevar el proyecto cada vez más. Me fui encontrando sin quererlo “Canciones hice toda la vida, desde los dos acordes que aprendí de chica, pero también tuve una intriga por la producción. Me interesaba jugar con eso. Y así iba componiendo canciones donde usaba elementos o técnicas que no sabía usar para aprender a usarlas. Al mismo tiempo fui conociendo gente que extendió mis herramientas, conocimientos y curiosidad”, cuenta repasando sus primeros pasos. El recorrido, las frustraciones, los obstáculos y los hitos hicieron a esta artista lo que es hoy. Y todo eso, se resume en una creencia: “La música es una diosa tan generosa y tan benévola que te puede aportar de muchos lados y vos vas a estar lleno, aunque no sea puntualmente eso lo que buscabas. Toda la experiencia que tuve alrededor de ella alimentó mi proyecto, la data te queda adentro”. No creo en dioses que no griten, no creo en nada que no sea de carne - INTRO Con un pasado ligado al rap como el de muchos artistas de su generación, atraviesa un presente rockero fruto de correr detrás de su deseo —que le sienta como anillo al dedo— y usando todas las herramientas que fue adquiriendo. Para ella, es clave esa pulsión de ir detrás del deseo. Sin certezas pero tampoco medias tintas. En su recorrido, esto quedó demostrado desde los inicios. Con una carrera iniciada en psicología y una mudanza a otra ciudad de por medio, debió pararse frente a su padre que tomaba el componer y tocar como un hobbie. Y frente a frente, decirle que leer teoría le ocupaba muchas horas de concentración que podía usar para grabar y producir canciones de manera autodidacta en Audacity. “Tuve mucha presión. La música para mi viejo quedó como un hobby y primaba esta idea de ‘no intentes con la música, porque te va a ir mal’. Después de meterle tanto hasta logré cambiar su relación con la música, porque esa misma frustración no lo dejaba disfrutar del todo. Cambió su forma de verlo cuando me vio a mi segura con eso. Mamé todo el camino, ya sabía lo que era estar frustrado con esto y creo que me dio una madurez emocional desde antes”. La directora creativa, desde afuera, considera que esta traba fue en realidad un motor: “Le quitó el miedo a lo que podía pasar y a cuestionarse qué era el fracaso realmente. Si para vos el miedo y el fracaso no existen, solo te queda intentarlo. Ella tiene una impulsividad natural y sana a la vez. Entiende muy bien cuando algo no le hace bien o no funciona artísticamente y cuando correrse de ese lugar. Para mí es clave. Se toma a la impulsividad como algo malo, pero también es poner la mano en el fuego y sacarla cuando te empezás a quemar”. Mi afán desordenado de ambición La unión de la dupla se relaciona directamente con este presente: en la época de su primer disco, la cantante se contactó con la fotógrafa con la idea de contar con una imagen para cada una de las canciones de su debut. “Yo quería unas buenas fotos con los dos pesos con cincuenta que tenía”, recuerda entre risas. En ese momento, la realizadora audiovisual encontró una inconsistencia entre el sonido del álbum y el estilo con el que se mostraba públicamente, sobre lo que la compositora comparte: “Si bien hay una conjugación estilística del rap de los 90 con el nu metal, mi look era re trapera. Era moda rosarina, ropa que me había quedado. Ahora sigo usando lo que me gusta, pero intento que coincida con el sonido usando accesorios y demás. También se me conjugaba el lesbianismo en los looks, había muchos mundos dando vueltas y a mí me chupaba un huevo, me ponía cualquier cosa”. Ante la propuesta, Ligia le propuso ir más allá de las fotos y ser su directora creativa, encarando el proyecto visualmente en conjunto de ahí en adelante. “Así empezamos a cambiar y profundizar en cuestiones que ya estaban. Asentamos las bases para construir desde ahí para todos lados. Se construyó un universo entero". Entonces, el cambio fue mucho más allá de la ropa e impactó directamente en la artista: “Me construí también artísticamente y entendí que si estaba queriendo hacer eso era por algo. Que si quería profesionalizarme en el equipo era porque en realidad apuntaba a llegar a otro nivel para que la cosa funcione. Aparte, me parece que una obra también es rica en tanto y en cuanto utilice la mayor cantidad de lenguajes que quiera y que pueda”, amplía la cantante. Al pasar el tiempo, las canciones y los videos el universo se agrandaba y con él, el equipo creativo detrás. Para la directora creativa, se fue dando de manera natural: “Se sumó mucha gente que apuesta por el proyecto, desde mi lugar se me acerca mucha gente a decirme que quiere laburar con ella o elogian lo que hacemos y es 100% por afinidad al trabajo que hacemos. Desde lo visual, lo musical y cómo es ella personalmente”. Sin embargo, para alguien que empezó su carrera componiendo y produciendo en la soledad de su cuarto, permitir que un equipo de varias personas interfiera en el resultado de cómo se muestra su obra, no parece tarea fácil. "Yo siempre había pensado que mi primera sensación iba a ser otra. Soy muy brava pero me encontré corriéndome del lugar del ego porque no es sobre mí, sino sobre la obra. Las veces que me corrí de ahí, todo quedó mucho mejor a lo que yo hubiera hecho sola. El compartir con gente que confía y apuesta en mi proyecto es una inspiración; la obra ahora es compartida y me llena. Es gente que persigue la manzana dorada, no alguien a quien le pagás y solo le importa lo económico", declara Cascardo. Su compañera lo analiza en términos espirituales: "Creo que cada persona tiene su deidad. En el caso de ella es la música, entonces tu motor va a ser ese. En mi caso es lo visual. La data te cae desde ese lado". Pero la cantante agrega: “Me encanta escribir letras igual, soy muy nerd y leí mucho toda la vida. Si hablamos de dioses, quizás Zeus será la música y algún boludito más abajo como Hércules será la literatura. Me calientan las palabras, agarrar los fonemas y empezar a hacer cosas con esos escalones, crear puentes y cosas locas”. “A la vez escribís lo que sentís, lo que pensás o lo que fantaseas desde un lugar propio”, interrumpe Majul poniendo sobre la mesa una de las claves del proyecto: la autenticidad de Sol. Esa parte de un proyecto que no puede comprarse ni mejorarse, sino trabajar para expresarla de la forma más genuina posible. Soy lo que soy, no hay disfraz Desde chica tuvo claros sus sueños y en sus ventipico ya puede decir que los cumplió. “A los 12 años yo quería estar en el escenario con una guitarra y tocar en corpiño. Y eso hago, pero hace muy poco que me hago honor para cumplir eso que quería. Mi identidad musical es la honestidad. Y es el estar en un constante cambio donde me voy contradiciendo todo el tiempo. Lo auténtico es lo que siempre prevalece en mi obra”, reconoce. Esa misma chispa se plasmó en CARNE y se hizo fuego a través de una denuncia al humano como fragmento, escondido en leyes superfluas y preso de su destino. Con sus vivencias y fantasías como eje, las astucias del cuerpo, la lujuria y la asfixia de lo posmoderno aparecen como personajes devenidos en canciones, atravesados por espacios liminales y sombras de tiempos nuevos que dan vida a este juego visceral. ”Este disco tiene mucho que ver conceptualmente con lo auténtico”, declara. Es que frase tras frase y arreglo tras arreglo, todo lo que se escucha corresponde a una parte de sí misma. Sin embargo, como adelantaba, no está sola. La acompañó Lautaro Suárez (INDICO) en arreglos, producción, mix y master, excepto en NUEVA PIEL y HACELA BIEN donde Billie Gómez realizó este último trabajo. Explicando el concepto detrás, ve a la identidad propia como un padecimiento donde uno sufre hasta encontrar su propia voz, recorriendo un camino de cambios y discusiones. “Vas peleándote con las cosas que no sos para poder ser lo que sos y este disco se trata de eso, del padecimiento que es habitar tu propia carne”. Sin embargo, hay esperanza. "Dentro de ese padecimiento está la propia liberación", sostiene parafraseando a Kant. “No es un relato de pérdida, siento que abre la jugada a una guerra siniestra pero necesaria que tenemos que librar con un mundo cada vez menos humano, con poca carne”. Se traslucen las llamas, circulan en mis palmas. En horas trastornadas, creo no verme alas - FRENESÍ “Yo lo vivo así, vivo mi carne. Y cuando hablo de carne, hablo de un espacio intermedio entre el cuerpo y la pulsión, medio límbico. Para mí eso es la identidad, porque es lo que sos. Tu ADN no es ni lo que sos corporalmente ni lo que pensás. Yo siempre fui así, disfruté y padecí mucho el camino del autoconocimiento pero este disco es eso: estoy despojada de toda máscara en sus canciones”. Entre las guitarras distorsionadas, aparece una voz necesaria: la de una mujer cantándole a otra. Al mismo tiempo, se permite ser una rockera con todas las letras. Provocadora, seductora, contradictoria y con el poder —y las minas— de su lado. "El lesbianismo es mi bandera. Hay algo que me enoja y por eso hago lo que hago: me da bronca que haya gente que haga de eso una estética y no tenga un pito que ver. Si alguien tiene que hacer un video chapándose a una mina, soy yo. Hago las cosas que he soñado de niña viendo los videos de Marilina (Bertoldi)”. A Bertoldi la ubica como la primera rockera que llegó a su vida, tocando la puerta de su casa familiar en Rojas. “Yo estaba en el pueblo, una pequeña lesbiana y fue la primera vez que escuché a una mujer y sentí cercano este discurso. Me hablaba a mí.” Sin embargo, confiesa que su ídolo máximo es Prince. “Más allá de ser un gran músico, tocaba un montón de instrumentos. Me encanta esta cosa andrógina en su vestuario y en la época en la que lo hacía.” Al mismo tiempo, reconoce que hay algo de Lenny Kravitz y Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota entre sus referentes, pero agrega con su tono propio entre el chiste y lo ácido: “Igual creo que las cosas de los tipos como influencia una no las toma sino que se las ponen, no quise mamar lo que mamé. Estaba ahí.” Y a este punto de la nota, después del recorrido que se trazó, uno pensaría que lo más difícil ya pasó; encontrar el propio camino, seguir tu deseo a pesar de las presiones familiares, encontrar un equipo que acompañe. Pero no hoy en día, ni en este país. ¿Sabés lo que te hace falta? ¿Sabés por qué no lo tenés? “Lo más difícil de hacer música es lo económico. No se dimensiona el laburo de estudiar constantemente para llegar a un cierto nivel, ensayar, ir y venir con equipos carísimos en la calle, desgastarte constantemente, poner el cuerpo y después capaz por show sacás cincuenta mil pesos”, cuenta. “Ya se sabe que es una lucha constante. Estoy haciendo quinientas changas, dando clases de bajo, tocando Raffaella Carrà y Vilma Palma en eventos. Pero si es lo que tengo que hacer para después salir a tocar mis canciones afuera de Rosario, lo voy a hacer. Y si tengo que hacer videos para que mi música llegue a más gente, también”. En esta época atravesada por los trends y las pantallas, a ella le parecen parte del juego que hay que jugar. “Si vos te excusás con que hacer reels es venderse, es porque no te hacés cargo de lo que te tenés que hacer cargo, que es que no querés estar en el lugar donde estás. Todos queremos salir del under. Cada uno con sus términos, pero todos queremos que nos mire y nos escuche más gente. Yo juego con mis propias reglas. Me resisto en muchas cosas pero, en cuestiones prácticas, yo quiero que la gente escuche mis canciones porque creo que son increíbles. No sé si hay muchas más vueltas que darle.” Me gusta ser de esas malas lenguas hablando que a los chicos cool les aterra tanto - ACTITUD Sobre su futuro lejano, dice que no enloquece por ningún venue ni número particular. Sortea la frustración de un objetivo puntual con objetivos abstractos y claros: “Sueño con estar en un lugar lleno de gente –sea cual sea el tamaño— y que esa gente realmente esté ahí porque mis canciones los atravesaron de una cierta forma, que lo sientan propio. Me encantaría llegar a la gente correcta para brindar lo que a mi me han brindado cuando era chica.” “Una vez toqué en un festival en Rosario y cuando terminó me puse a desarmar mis equipos hasta que me avisaron que había gente esperándome. Adolescentes esperando para sacarse fotos conmigo y saludarme. Cuando me acerqué, une de elles me agradeció por haber dicho ‘vamos los gays’ en medio del show. Ese es el objetivo final, atravesar a la gente. De acá hasta que me muera.” Persiguiendo ese mismo objetivo, propuso encuentros presenciales previos a sus presentación oficial en vivo, para compartir y celebrar el lanzamiento. El próximo será en Local Support este 16 de septiembre a las 19hs. Podés ver CARNE full album acá:

Manu Hattom presenta 10 años, su nuevo disco en vivo registrado en el Teatro Astros durante el show con el que celebró una década de carrera solista. El lanzamiento reúne algunas de las canciones más representativas de su discografía y ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales. Después de una década de camino como solista, Manu Hattom presenta 10 años, un nuevo disco en vivo registrado durante el show que realizó en el Teatro Astros, donde repasó algunas de las canciones más significativas de su trayectoria frente a una sala colmada. El lanzamiento funciona como una fotografía de una noche especial y, al mismo tiempo, como un recorrido por una obra que comenzó con Benalmádena Despierta (2013) y continuó con Autopistas (2016), 10 formas de transportarse por el aire (2017), Temporada alta (2019) y La canción perdida (2022), además del microdisco Soledad (2016). Podés escuchar y ver 10 años acá:

La banda marplatense profundiza y expande su sonido propio a través de 12 canciones oscuras y al mismo tiempo sensibles Buenos Vampiros lanzó su cuarto disco de estudio, El último disparo: después de presentar los adelantos “No hay amor que nos salve” y el single doble "Mundo raro" y "Morir en mi tierra", la banda marplatense completa el álbum en el que profundiza en un sonido y un concepto propio. Editado por Casa del Puente Discos, compuesto entre giras y producido por Estanislao López, El último disparo es el resultado de una banda en movimiento; en sus 12 canciones, Buenos Vampiros vuelve sobre su propio lenguaje para llevarlo un poco más lejos: guitarras que se expanden, cantos que parecen mantras, llantos en forma de melodias y una búsqueda por hacer convivir distintas texturas sin perder su identidad. Hay algo gótico en el disco, pero también algo profundamente sensible. La oscuridad no aparece como una pose sino como parte de un paisaje donde siempre se filtra alguna forma de luz. En ese recorrido aparecen nuevas dimensiones para la banda: arreglos que amplían el pulso habitual, momentos donde la instrumentación se vuelve inesperada. Podés escuchar El Último Disparo acá:

El festival más grande de Latinoamérica anuncia la grilla por día de su próximo encuentro para el 6 y 7 de febrero en el Aeródromo Santa María de Punilla. En la edición 2026 más de 90 mil personas sacudieron las montañas y disfrutaron de más de 100 artistas en los diferentes escenarios. El fin de semana del año es Cosquin Rock, un fin de semana a pura música, el encuentro con amigos, la experiencia en familia, artistas consagrados, los nuevos de la escena, todo en una nueva edición del Festival. Entradas a la venta a través de cosquinrock.net Conocé la grilla por día: 6 de febrero 7 de febrero

Será el 3 de octubre para presentar su nuevo EP "Segundo lugar" junto a Full de mango Con un dejo de nostalgia y con Tiempos mejores todavía resonando en las paredes de la habitación, el nuevo EP de Mis peores enemigos llamado Segundo lugar continúa escribiendo la historia de la banda. Títulos como Dormir mal y Diciembre componen una producción vibrante que deja ver emociones por doquier, coronados por un audio profesional que viene a construir en un mundo complejo y extraño. Este nuevo trabajo tiene una idea clara: jugar entre la simpleza, la calma y la empatía. Estribillos que resuenan, sincericidios, lo cotidiano, lo que se vive y respira, las bienvenidas y las despedidas, el pasado jugando con el presente, el azar y un intento de explicación del día a día. Todo esto es lo que integra el trabajo de Mis peores enemigos. Es por eso que lo van a presentar el 3 de octubre en Niceto Humboldt, junto a Full de Mango y el DJ set de Guillermina Müller, a las 21 hs y con la producción general de la Agencia ROJO. Entradas a la venta a través de Venti