Será eñ 3 de octubre en C Art Media 🎟️ Entradas disponibles en All Access Olivia Wald se afianzó como una de las voces más singulares del nuevo pop argentino con una propuesta que convierte la vulnerabilidad en una herramienta de expresión. Su estilo combina pop alternativo, electrónica e influencias urbanas, acompañado por una escritura íntima y una clara identidad estética. De este modo, la artista dio forma a un universo propio que conecta con un público joven que busca vivir sus emociones sin rodeos. Con el lanzamiento de Otra Que Arde, Olivia inicia una fase artística más intensa, directa y desafiante, profundizando la faceta cruda y frontal que ya mostraba en Cuerpo. Para llevar esta evolución al escenario, su nuevo espectáculo contará con un montaje diseñado para reflejar el concepto del álbum, donde interpretará tanto sus estrenos como los temas que impulsaron su carrera.

Con un vestuario que se reinventaba a cada canción, bailarines e invitados especiales, el artista brindó un show donde puso el cuerpo como canal Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph En el escenario de Niceto Club hay un telón negro pesado. A veces los shows empiezan con el telón abierto, otros deciden hacerlo parte y abrirlo mientras el público grita eufórico. Marttein eligió lo segundo, porque cuando toca sucede algo más que un evento de música en vivo. Es que "el rubio" no concibe otra manera de interpretar que entregándose por completo al personaje, a la historia que recorre "la trilogía de la decadencia", como bautizó al conjunto de sus últimos lanzamientos —MARTTEIN (2024), El Marrón (2025) y Espectacular (2025)— y la cual interpretó en el mítico escenario de Palermo. Su cuerpo fue canal de sus composiciones, donde encarnó distintos personajes decadentes, mutando de sensaciones, actitudes, vestuarios y ritmos arriba del escenario y entre la gente, a la que hizo protagonista desde el minuto cero. Entre una capa violeta, un conjunto metalizado, una campera de la que colgaban mechones rubios, un disfraz de pizza y un calzoncillo, Marttein utilizó —además de su indiscutible capacidad actoral— la textura de las telas y la luz a su favor, creando atmósferas que se adaptaron a cada canción. Junto a bailarines y su banda, el artista desplegó el universo completo que construyó en los últimos años, dejando alta la vara para lo que se viene. En medio de los juegos de luz y el bullicio, contó con Lucy Patané, Camilo Desorden, El Presidente y MAG como invitados especiales, honrando las colaboraciones que enriquecen su obra por fuera de sus producciones propias. Llegando al final, uno de los momentos más destacados de la noche fue protagonizado por Argentina Is Daing, una canción nacida a partir de dichos de Donald Trump sobre nuestro país. Pero ahora estoy más tranquilo porque en el diario leí / Que ya existe la cura, la cura al problema / Que ya viene la ayuda, la ayuda extranjera / Que en el mundo hay gente, hay gente buena/ ¡Y por suerte quieren mucho a / (South America) Se coreaba mientras un Trump (máscara a cargo de @loop__e @juanafrontera_) se asomaba por el balcón tirando billetes al aire. Concluía así una noche nacional y popular donde cada decisión fue tomada en función de la performance, que no fue complemento, sino el show en sí mismo. Desde el inicio, abriendo el telón de par en par, hasta el cierre despidiéndose entre saltos, Marttein demostró cómo se habita y recorre un escenario poniendo la obra sobre todas las cosas. Aunque haya que ridiculizarse, enojarse, enamorarse, autoinmovilizarse y autodestruirse en el camino.

Martín Matroberti (voz) y Roli (manager) reflexionan sobre el presente y futuro de la banda en la escena porteña de cara a su nuevo material Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Foto: Ana Boscaro Destino Errante es una banda de rock nacida —según ellos— en ningún lugar a fines de 2025. En constante mutación, propone una obra rodeada de ilustraciones, letras poéticas y alquimia sonora. Con "no prometemos salvación, sino compañía" como lema, se plantean un objetivo claro: disfrutar y que la gente disfrute en un mundo acelerado. "Algunos no solo se toman la aventura y la valentía de desafiar las cartas ya escritas del destino, sino que también juegan con ellas; cantan quiero y retrucan aun sabiendo que está en juego su bulín. Pero, si la vida no estuviera en juego, ¿qué nos queda por vivir? Porque la pulsión es eso: pretender y decidir, por más dura que sea la caída. Bailar nunca fue pecado, menos aún para el errante, quien ya no tiene cielo. Acá empieza el camino de quienes nadie llamó pero todos, algún día, se van a topar. ¿O nunca chocaron con lo que andaban queriendo evitar?", expresan en su prólogo. Martín Mastroberti (voz) y Roli (manager) reflexionan sobre el presente y futuro de la banda en la escena porteña de cara a su nuevo material Musyca Medio: Dicen que no prometen salvación, sino compañía…¿qué mensajes creen que vienen a proponer sus canciones? Destino Errante: El medio es el mensaje, en este caso el rock y su espíritu. En toda esta situación sociopolítica, económica y hasta cultural que estamos pasando no hay futuro posible. ¿Qué le vamos a dejar a las próximas generaciones, qué mundo podemos esperar si el presente no da tregua? Nuestra frase “no prometemos salvación, sino compañía” trae a la luz de que todo se puede hundir, nuestra cultura se puede volver a freír en la sartén norteamericana, la guita no basta, no alcanza y nadie le encuentra una solución. Pero entre todo este caos estaremos unidos y habrá compañía para atravesarlo. Nosotros no podemos prometer cosas que no están a nuestro alcance. En cambio la compañía, la ranchada, el encuentro, sí. El espíritu del rock es eso. Y la frase no es más que una prueba literaria de lo que sucede en nuestros shows. Bailar, vivir y jugársela aunque tengamos las de perder. MM: ¿Cómo se llevan con la velocidad actual del mundo y cómo consideran que eso se traduce en sus canciones? DE: El mundo cada vez gira más y más veloz, lo que ayer fue mañana no será. Hoy todo cambia a una velocidad ya no humana, sino digital. Hay una canción nuestra que dice: “¿durará el asombro bajo el cielo digital?”. En esta cultura de la inmediatez hoy sos una estrella y mañana estás comiendo de un tarro que ya está vencido. El único asombro posible es el encuentro, algo que la virtualidad y las nuevas tecnologías no nos pueden dar. Nuestras canciones son un claro ejemplo de los diferentes estados de ánimo que se viven hoy en día; cada canción tiene un rostro distinto, algunas giran en torno a personajes errantes y no equivocados; y otras, a simplemente momentos que vivimos diariamente. MM: Siendo tantos integrantes, ¿cómo trabajan su "alquimia sonora"? ¿Qué elementos o géneros conviven en la sala de ensayo y se cuelan en su propio arte DE: Somos bastantes si, quizás no es normal ver tantos músicos arriba de pequeños y congestionados escenarios, pero nos gusta. En cuanto a los ensayos: nos gusta hacer las cosas tranquilos, disfrutar de la música y que todo vaya fluyendo. Entre zapadas o ideas que puede traer cada uno. La “alquimia sonora” suena caída del cielo, pero no. Es estar curado de espanto como para ser lo suficientemente permeable al otro y ese otro a uno. Así vamos construyendo el pequeño y significante universo que estamos creando. Por lo general todos escuchamos rock, de todo tipo. Algunos solemos también escuchar otros géneros, creo que la idea es estar nutrido y tomar de todos lados. Actualmente estamos con una incorporación nueva, Vitto, el señor de los vientos con un saxo filoso. Es un gran elemento para las viejas y nuevas canciones de Destino Errante. Luego todos tenemos nuestras apariciones, el brillo individual que necesita cualquier obra colectiva. MM: ¿Cómo ven la escena actual en Buenos Aires? DE: Desde lo personal, me aburre todo lo que se vuelve clásico a nivel estético y musical. Por eso digo que el artista es mucho mejor al día siguiente: creo que la canción que está por venir es más conmovedora que la que ya pasó. Hoy siento que la escena del rock está bastante invadida por una especie de molde. Por el aparato barato de la tecnología, la televisión y esa idea de “lo que hay que hacer” para “pegarla”. Y para mí ahí se empieza a perder algo. Digo, que tan artista sos si el incentivo principal pasa a ser la platita o hacerse conocido, la obra queda en segundo plano y ahí se pierde mucho. Prefiero lo que nace de la necesidad y del ocio de unos pibes y pibas, antes que lo que nace de una estrategia para vendernos lo que está de moda o lo que cae bien. Nuestro objetivo, como el de muchos colegas y conocidos que ya tienen una banda en escena, es conmover y que algo en vos suceda. Hoy salen los Rolling Stones con un disco nuevo y rumoreando una supuesta llegada a Argentina, y tenés que ver bandas que durante un año o más giran alrededor de esa estética. Hay estéticas cortesanas que buscan el “reviente” del artista, el desborde como pose, y parece que es lo que está gustando hoy en día. Yo no lo entiendo. Pero sé que cada uno genera desde donde está. Siempre hablando en cuanto a la obra, no me refiero a ningún artista en particular. Con los colegas siempre habrá buena predisposición y relación. Algo positivo que puedo rescatar es que la escena emergente está teniendo mucha participación de mujeres. Pibas que se ganan el escenario por motus propio. Jóvenes impetuosas y artistas que manejan la banda completa. La presencia de ellas está siendo un gran cambio en todo esto. Ahí es en donde digo: bueno, no todo está perdido. Además digámoslo, no es fácil luchar, cantar y plantarse en un ambiente que siempre fue machista, mucho menos en un mundo que lo avala. MM: ¿Qué es lo más complicado para una banda emergente hoy? Roli (manager): Las bandas emergentes más allá de tener una gran comunidad que generan pares tienen el complicado asunto de no caer ante la gente que pretende hacer un negocio del arte. Si bien lo económico es importante, las productoras ,por ejemplo, quieren sacar un gran provecho de eso. Entonces, en cierto modo, plantarse es esencial. Más teniendo manager mujer. Si bien ahora el abanico de diversidad es amplio, el lugar para las mujeres sigue siendo reducido y a veces hasta invisibilizado. Foto x Nahuel Rodríguez MM: Actualmente, ¿en qué están trabajando? ¿Qué se viene para la banda los próximos meses de 2026? ¿Y en 2027? DE: Dentro de lo musical ya estamos preparándonos para grabar, saldremos primero con dos temas y luego vendrá todo lo demás. En el mientras tanto seguimos componiendo nuevos temas, que quiero decir con esto; que el mundo tendrá algunas canciones más que ayer. Mientras tanto seguimos a flor de piel con los vivos, es algo que no se puede dejar. Nosotros siempre decimos que esta banda es de la gente, de las pibas y de los pibes, de nuestrxs amigxs, que vienen a transpirar la camiseta con un par de viejos/nuevos rocanroles que tenemos para ofrecer. Sin ellos, y de paso les agradezco, no estaríamos haciendo lo que hacemos. Luego a nivel obra, estamos trabajando una serie de ilustraciones de personajes del universo errante, dichas y magníficas ilustraciones están bajo la mano muy entendida de Coni (@ccyv__). También mencionar que lo que ven en las redes está todo captado por el fotógrafo Nahuel Rodríguez (@Nawito.foto). Y de ahora en más también estaremos bajo el ojo blindado de Ana Boscaro (@Anaboscaro_), fotógrafa y gran transitante de subterráneos. Recomendamos desde el lugar de la sensibilidad y el arte, seguirlos y ver a quienes están trabajando con nosotros, es de una fortuna adorable. Para 2027 tenemos preparado lanzar un disco de pocas canciones. Una especie de universo errante y marginal, donde el destino sea ir a una cafetería y no tomarse un café, querer salir a correr y desviarse a tomar unas birras, o salir a buscar respuestas y terminar con más preguntas. No toda la gente errante anda perdida, ni todo destino está trazado. Así que eso se viene, una obra que trata de estar a la altura. Los shows en vivo para el año siguiente serán más abarcativos, habrá más imágenes y una puesta en escena muy artística. La idea es que la gente no venga solo por la música sino porque la banda propone más que eso. Cada uno moldeará en su imaginación el arte junto con las herramientas y pistas que damos, no estamos para decirle a la gente que hacer, que imaginar o para donde ir. MM: ¿Qué nos pueden adelantar del show que están preparando para Liverpool el 31 de octubre? DE: Será un show a la altura de la banda, y daremos todo de nosotros para que bailen y disfruten. Liverpool Club es un gran lugar, nos han tratado muy bien las veces que fuimos y eso es de valorarse. El espíritu del rock estará saltando por ahí, tratando de involucrarse en el zapateo de cada uno y en esa pulsión que invita al placer, que poco se lo tiene en cuenta hoy en día. Estaremos tocando aproximadamente 40min, recorreremos canciones nuestras y dos covers. Pasaremos por Machimbre, Año Nuevo Chino, Rock para el Dakota, Glup, además de otros temas que ya venimos tocando. También estrenaremos una canción nueva. Quien quiere fuego, al fuego debe ir. Será un gran show. Entradas disponibles a través de AlPogo

El artista cordobés forma parte de la primera edición de los Premios a la Música Independiente con su proyecto de folk fusión, consolidando una etapa de crecimiento que comenzó a tomar forma con canciones como Será (Equivocado o no). Desde Villa Giardino, Córdoba, Tuti Ruggiero atraviesa un momento significativo dentro de su recorrido artístico: fue nominado a los Premios AqM a la Música Independiente en la categoría Mejor Proyecto Folk Fusión, reconocimiento que lo ubica entre los proyectos que buscan representar la diversidad de la escena independiente argentina. La nominación llega en una etapa de desarrollo para el artista, cuyo trabajo se mueve dentro de un universo donde el folk, el rock y la canción de autor funcionan como puntos de partida para construir una identidad propia. Su procedencia cordobesa también forma parte de esa historia: desde Villa Giardino, Ruggiero proyecta su música hacia un circuito independiente cada vez más amplio. Uno de los capítulos recientes de este recorrido fue Será (Equivocado o no), canción en la que el artista pone el foco sobre las decisiones personales, las dudas y esa zona de incertidumbre que aparece cuando intentamos determinar si el camino que elegimos es realmente el correcto. La canción propone una mirada introspectiva sobre nuestras propias elecciones. Más que ofrecer respuestas definitivas, Ruggiero utiliza la composición para plantear preguntas sobre aquello que hacemos, aquello que dejamos atrás y las consecuencias de cada decisión. El resultado es una pieza que profundiza en una de las características centrales de su propuesta: utilizar la canción como espacio de reflexión personal sin perder de vista su dimensión musical. Con esta trayectoria reciente como antecedente, la nominación a los Premios AqM representa una nueva instancia de exposición para el proyecto. Escuchá Será (Equivocado o no) acá:

Una mirada al interior del recorrido que propone la artista patagónica en su segundo disco que dialoga entre la velocidad de Buenos Aires y su amada Villa La Angostura Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Arte de tapa x @ilanbendersky En su segundo material de larga duración, Pilar Gough le canta a su tierra natal —Villa La Angostura— dejada y revisitada, a su provincia de Neuquén, a su familia —lejos pero siempre cerca—, a la ciudad de Buenos Aires, a los amores que fueron, a los sueños que se hundieron y a los que mantiene vivos dentro de la mochila. Este recorrido de ocho canciones se siente en el cuerpo como un naufragio intenso por los ritmos latinoaméricanos: candombe, cumbia y salsa se combinan con sonidos analógicos y acuáticos que se filtran entre las melodías con la ternura, la angustia, el miedo, el sentido de pertenencia y el amor a lo que realmente importa: los afectos y la tierra de uno. Con dos covers, seis canciones originales y un trabajo conjunto con Baltazar Oliver en producción, el disco logra que dedicarle una atenta escucha se sienta como atravesar una cascada: no se sale de ahí en el mismo estado. Además, se despliega en un universo audiovisual de ocho producciones que acompañan la emoción de cada composición a través de distintos paisajes urbanos. La primera canción, Ahogados, propone el primer acercamiento a la naturaleza como contraposición a la velocidad y ruido de la ciudad. Y una pregunta que queda abierta hasta el final: Qué define la cercanía de algo si las flores están brotando pero el viento decide llevar su aroma a otro lugar? En Cuando no tenga tiempo, la voz dulce de Pilar se encuentra con la de María Morgade con un pedido particular: pongan freno, miren al sol. Además, la letra es un relato que da cuenta de su admiración por la naturaleza y sus orígenes. Cuando ya no tenga tiempo, déjenme en mi tierra bajo este cielo Quién va a cantar de Rubén Rada fue pensado como una reversión y un deseo de reivindicar la figura de "el negro" y esta poderosa letra. Una forma de plantar bandera de la mano de un clásico, incluyendo también versos que le dan nueva vida. Cuando haya parado el fuego / una siesta casi eterna / pido por que florezca la memoria en el desierto Con la triste noticia del fallecimiento de Rada, la inclusión de esta canción en un disco que salió tan cerca cronológicamente de su partida se siente como lo correcto para hacer. Ya no tenemos que preguntarnos quién va a cantar ni quién va a soñar. Pilar va a seguir tocando la melodía del amor, en su honor. Para Copla de los hermanos, se suma la voz de Manu Estrach como instrumento indispensable para el sentir encapsulado en la canción. Una celebración a la unión con quienes nos rodean y a aceptar, en paz, cuando llegue el final. La fuente sagrada nos trajo y ahí volverán nuestras voces / mientras que del resto del cuerpo nacerán nuevos frutos y flores Un último gesto funciona como una puñalada a través de la voz reverberada de Gough, el relato empieza esperanzador ante una pérdida: con el recuerdo con amor me conformo. Y termina con un manifiesto que se repite como mantra: El amor arde o dura / el amor arde o muere / el amor arde o cura / el amor arde o cede Lumbre es una declaración de amor. Directa, cortita y al pie. Como una especie de interludio luminoso que dialoga con la canción anterior. Si sintieras mi corazón amándote / sabrías que lo tienes todo El acuerdo es el punto más emotivo y alegre del disco, con un sonido más cercano a la cumbia, Pilar le canta a su mamá para llegar a un pacto: que cuide de su alma como cuida de la de su propia hija. Es un himno a las madres, una oda al amor y al sacrificio que los hijos podemos reconocer recién al crecer, pero también una invitación a frenar: Servite de todo lo que sembraste / sé que pasaste guerras en silencio El naufragio llega a tierra firme con Neuquén Trabun Mapu, el himno de Neuquén, que tan presente está en la vida de los habitantes de la provincia y tan poco en el resto del país. Junto a La Valenti y Trucha, ambos neuquinos, Pilar cierra su segunda entrega discográfica con un grito de amor por su tierra. La que dejó atrás para perseguir sus sueños, pero a la que siempre lleva consigo y a la que siempre vuelve: a tocar, a escribir, a habitar y a compartir. Esa que la inspira con su naturaleza y la abraza con su tranquilidad en medio de su rutina porteña ajetreada. Una tierra de la que realmente nunca pudo ni podrá irse, porque la llevará consigo infinitamente en su sonido onírico, su suave interpretación, su fuerte presencia y su ternura. Es compromiso/ que lo diga la patria / porque humilde y mestizo / sigue siendo raíz El resultado es una obra que atraviesa directamente desde las entrañas de su creadora a quienes decidan escuchar con el alma. De sus propias dolencias a acariciar las de esos oídos mediante una voz suave, íntima y que se transforma en colectiva. Lo que no logré en la ciudad se presenta como un disco, pero es mucho más que eso, es el duelo sobre lo que no fue y de esa promesa de que una ciudad puede resolver todos los problemas. Lo que Pilar sí logra es no dejarse llevar puesta por la velocidad que atraviesa las vidas capitalinas. En sus canciones hay pausa y ese ser cantarín que vive en ella desde pequeña y mantiene intacta la esperanza de un mundo mejor. Es un material fresco cuya escucha remite a la sensación de juntar limones del legendario limonero familiar del fondo de la casa de la abuela: nuevo y refrescante, pero con raíces firmes, ancladas en una historia de la que se alimentó y mamó los elementos que la hacen ser quien es hoy. Podés escuchar Lo que no logré en la ciudad acá: Su presentación oficial en vivo será el 14 de octubre en La Tangente Entradas a la venta a través de La Tangente

Conocé más sobre la propuesta de la 4ta edición El Hospital Borda abrirá sus puertas para celebrar la llegada de la primavera con un festival artístico que se realizará el miércoles 23 de septiembre, de 9:30 a 12:30 hs, en el Parque de Entrada de la institución. La jornada contará con la participación de reconocidos artistas, quienes compartirán su música y acompañarán este encuentro con la comunidad. Entre ellos estarán: León Gieco, Maggie Cullen, David Tagger, Silvina Moreno, Vale Acevedo, Luis Gurevich, Willi Piancioli (Los Tipitos), Ramiro Abrevaya y Las Voces de Sumay. La iniciativa, impulsada por trabajadores y trabajadoras de la salud, tiene como propósito abrir el hospital a la comunidad, visibilizar el trabajo interdisciplinario e intersectorial, y poner en valor la producción cultural como una herramienta de promoción de la salud. A través de esta propuesta, el Hospital Borda reafirma su compromiso con la construcción de miradas más humanas, inclusivas y solidarias sobre las personas con sufrimiento psíquico, contribuyendo a derribar estigmas y favorecer una sociedad más abierta y respetuosa de la diversidad.

Con Mi Amigo Invencible, Barbi Recanati, Lucy Patané, Mujer Cebra, Sunlid y Nina Suárez como protagonistas, el festival celebró el presente de la música alternativa en C Art Media Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph El Festival Mutante, caracterizado por reunir a los referentes de la escena alternativa en una misma tarde, celebró su quinta edición el domingo 13 de septiembre en C Art Media. En esta edición especial, los protagonistas fueron Mi Amigo Invencible, Barbi Recanati, Lucy Patané, Mujer Cebra, Sunlid y Nina Suárez. Cada proyecto, con su propuesta única, arribó al escenario con una energía y sensibilidad arrolladoras. Abajo, la atención y el movimiento fueron creciendo a medida que las horas avanzaban, convirtiendo la jornada en un verdadero ritual colectivo. Desde su lanzamiento, y en coproducción con Complejo Art Media, Mutante construyó una identidad propia a partir de la convivencia entre distintas generaciones, géneros musicales y disciplinas artísticas. Esta nueva velada no fue la excepción: además de la música, hubo instalaciones artísticas y feria de emprendedores artísticos. Más allá de la particularidad de los proyectos convocados edición tras edición, lo que distingue a Mutante es su capacidad de generar comunidad. El público no solo asistió a un festival, sino que participó de una experiencia compartida que va más allá de lo musical. Con cinco ediciones ya realizadas, el festival se consolida como un espacio imprescindible para quienes buscan nuevas formas de encuentro entre arte y música.

La artista brindó un show performático tocando por última vez su segundo disco completo ante una comunidad de fieles y fundando una nueva religión Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Foto x @triplab - Cortesía de prensa La conceptualidad de BAR SCORPIOS, el segundo disco de Blair, se apoderó de Deseo, esta vez sin más sobre el escenario que los músicos y Julieta Ordorica, la cantante, performer y rockstar por excelencia de la escena emergente argentina. Una joven de 25 años que arrasa con cuanto escenario pisa al pararse frente a miles de personas y hacerlas cantar sobre un padre colgado del techo o una bañera llena de sangre. Bastan su presencia y su interpretación para hipnotizar a quien esté enfrente, dejando en el aire la sensación de que en sus canciones radica lo etéreo. Es que Julieta siempre tuvo un objetivo, un sueño tan grande dentro de su corazón que nunca paró de llamarla a seguir sus instintos. En este proyecto el objetivo final no es solo sonar bien, sino de crear mundos nuevos, inspirados y atravesados por el suyo y por otros, pero con la frescura necesaria para irrumpir y marcar la diferencia. Mundos donde su visión es clave y cada elemento que se incorpora sea un actor en esta gran obra de teatro que es su universo, que a esta altura trasciende lo musical. Eso es lo que también generó el gran recibimiento del público: si nada es casualidad y todo tiene un sentido de ser, hasta cada voz coreando "Olé olé olé Bla-ir Bla-ir" antes de salir a cantar forma parte de la escena. Musicalizado por el soundtrack de su serie favorita, Twin Peaks, y la gran musa de su última obra conceptual, el lugar recibió al público teñido de luces rojas y una mirada acechante desde el escenario: una proyección de los reconocibles ojos de la cantante asomándose detrás de una tela de encaje que parecían vigilar la sala. Cuando la cuadra y media de chicas y chicos terminó de ingresar, las luces se encendieron estridentes y el telón bordó se dejó ver a la perfección. Con ese fondo aterciopelado se avistó por primera vez a un ángel. De peluca rubia y con el instrumento más dulce —un omnichord—entre sus manos, Blair dio comienzo a la despedida con una interpretación de RABIA DEL CORAZÓN rodeada de su banda. Máquina del tiempo mediante, aparecieron Rothmans, Opuesto Complementario y Yo & Yo, tres joyas de Llorando en la fiesta (2022), su disco debut que funcionó como la muestra irrefutable de su talento al alcanzar a tantas almas a pesar de haber sido trabajado durante solo una semana. Si hay algo que la artista tuvo siempre claro es que este era su camino. Y las voces que coreaban esas composiciones que nacieron en la intimidad de su hogar y el estudio de Dante Saulino lo reafirmaban. A la altura de la cuarta canción, TODO LO QUE TENGO, su voz empezó a escucharse a un volumen menor y poco tenía que ver con su capacidad vocal o los equipos de Deseo. Era el impacto de aquella aparición en la gente empezando a suceder. Canciones de su puño y letra, salidas de sus cuadernos y cadáveres exquisitos, eran ahora coreadas por miles de personas con la pasión que ella persiguió al escribirlas. Con esa rabia del corazón. Pasando de recorrer el escenario iluminado a sentarse frente al teclado, una única lengua de luz blanca la iluminaba transformándola en parte del rayo. Convertida en destello, interpretó las versiones más desgarradoras y delicadas de DEJAR DE SER YO y MI SUERTE. Pero, como se sabe, la calma solo puede anteceder al huracán. Con su nueva guitarra en forma de corazón bordó colgada al cuello, revivió NOVIOS IMAGINARIOS, su single pesado lanzado entre su primer disco y el segundo. Un guiño a sus más profundos fieles que cantaron y saltaron emocionados, fue la antesala perfecta para INTENTÉ SALVAR A DIOS, que abrió las primeras rondas de la noche, recordando que el pulso del rock bombea el corazón del proyecto, formando parte de la identidad itrínsica de Blair casi a la misma altura que lo conceptual y lo lírico. En esa misma línea, PECADOS BRUTOS, el interludio relatado por Mariana Enriquez, inundó el lugar tomando todo el protagonismo y permitiendo a la cantante su cambio de vestuario de la noche: de un vestido con capas y capas de tela blanca de encaje y peluca rubia que la hacía la muñequita de porcelana inofensiva perfecta, Blair pasó a un vestido rojo que dejaba al descubierto sus medias con portaligas y su pelo real—negro con flequillo cortito y recto, justo como se retrata a las mujeres poderosas en el cine—. Entre Caníbales, el hit de Soda Stereo que interpretó para su propia Spotify Session en julio, fue la primera en instalar el cambio en el personaje. De la inocencia y la devoción al enojo y la incredulidad, el camino—que empezaba a delinearse—fue trazado por CARNE VIVA y PADRE MUERTO. Con OTRA NOCHE EN LOS 70, BAR SCORPIOS y HOMBRE ROTO la sangre, los cuchillos, los lamentos y las culpas empezaron a hacer el drama palpable en la atmósfera. Si bien desde el inicio el show no se limitó a solo tocar las canciones en vivo sino al nivel máximo de la interpretación del universo concebido, MAÑANA HABLARÁN DE MÍ protagonizó el punto más fuerte de esa manera de pensar, planear y brindar un show en vivo. Dante Saulino esgrimía su guitarra como si cada sonido que emitía fuera un rayo que demolía a Blair poco a poco, pero efectivamente. Las lágrimas recorrieron las mejillas de la cantautora que levantaba sus manos para secar su cara e intentar protegerse del dolor que parecía atravesarla y crecer dentro de ella al correr el segundero. Cayó de rodillas y, sin soportarlo, terminó derrotada en el suelo. La canción es el punto del disco donde el oyente comprende que el personaje que conocía ya no está. Se fue y solo queda de sí la melodía que dio inicio a la escucha de la obra, pero sin letra. En el show, los versos fueron coreados por todo el público mientras la cantante permanecía en su lecho acurrucada. Con esa arenga, revivió para ponerle voz a SOLA. Pero la premisa de la letra ya había sido refutada. Este alto nivel de dramatismo solo podía remontarse con la más poderosa y desafiante de sus canciones: NUNCA LO VAN A ENTENDER, que desató un fenómeno, una ronda de pogo del tamaño del campo, con toda la gente alrededor esperando para que explote. Chicas agarradas de la mano, estirando una bandera con un dibujo de la artista pintado a mano, atando los cordones de sus borcegos, agarrando sus largas y cortas polleras para ser parte de un pogo diferente. Uno donde ellas eran las protagonistas principales para cantar una canción que se volvió himno por reflejar un sentimiento que, de verdad y al igual que en el fútbol, no se puede explicar sin estar involucrado. Como ella misma escribió sobre su personaje ficticio, muchos terminarán su paso por este mundo viendo su cara por todas partes sin terminar de comprender por qué está destinada a atravesar generaciones. El impulso que catapultó su carrera en este corto lapso de tiempo lo demuestra y no es casualidad: es perseverancia, visión artística y el esfuerzo de crear una comunidad de fieles que haga ver sus shows como un rito. Con esos tres componentes no solo logró cautivar a más oyentes a lo largo de los años sino a varios de sus colegas del mundo artístico, ganándose su respeto. Algo impensado para la joven Julieta que hacía covers de Taylor Swift en su habitación; una realidad para esa parte de ella que jamás dejó de creer en su sueño ni de trabajar por él. Blair fundó, queriendo o sin querer, una nueva religión que remite menos a hombres todopoderosos y más a mujeres de polleras cuadrillé entrelazando sus dedos. Una manera de hablar en la que sí se puede encontrar magia.

Con un escenario emblemático como sede de esta peña, Carrito le puso freno a Buenos Aires para seguir dando batalla en comunidad Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Conocé más sobre Broke Carrey haciendo click acá La presentación en vivo de HIJO DEL PAÍS, el último disco de Broke Carrey, fue una pausa ante la velocidad de la ciudad, en un trajín de colectivos, subtes, trenes y personas en movimiento circulando en todos los sentidos y a todas horas El porteño por excelencia, que decidió en este disco explorar su argentinidad —con todo lo que eso implica— junto a Trouve Feraud, Luis Lamadrid, elmalamía, Cocó Orozco y Polo Martinez, le puso freno esta noche a su amada tierra para pensarla desde la angustia, pero también desde la esperanza, y con una premisa clara: Si alguna vez besaste el suelo, somos hermanos / Si alguna vez besaste el cielo, somos hermanos / Si después de lo que hiciste esas cicatrices no te parecen en vano / Si nadie escucha que pediste y te perdiste, dame la mano Como sede de esta peña, ni más ni menos que el emblemático —y repleto— Niceto Club. Sobre sus tablas, Carrito propuso una celebración y un recorrido por su último disco: el que cambió las reglas de su música y puso sobre la mesa sus inquietudes, dolencias, orgullos y alegrías con un sonido que reafirmó su identidad inspirado en el folklore argentino. Conocé más sobre el proceso detrás de HIJO DEL PAÍS haciendo click acá Con una lista de canciones tan esperadas como espontáneas, el artista comenzó con nuestro y RENACIMIENTO. Más vigente que nunca y bañado en luces rojas, empezó la noche expresando su cansancio de la calle, la noche, el ruido y el humo en el aire sobre un esperado momento que por fin había llegado. Ahora era suyo y de quienes cantaban eufóricos en el público. X LAS DUDAS apareció como un guiño a su debut BUENOS AIRES MOTEL (2023), pero adaptado al sonido del nuevo material. Con un escenario habitado por los mismos músicos y productores que formaron parte del proceso compositivo y un trío de cuerdas, el espíritu de HIJO DEL PAÍS tiñó la sala. NMQN y ZUPAY continuaron el recorrido para dar paso a la amada Señales de Humo, que además de la voz de elmalamia marcando el pulso, contó con un apagón en el momento justo. Sobre el final, las luces se apagaron repentinamente en el estribillo y la gente tomó total protagonismo: en medio de la oscuridad solo sus gritos flotaban en el aire a un nivel que pareció orquestado, pero solo se trataba de la lógica de los shows del artista: pasión, unión y letras precisas cantadas a voz viva como ley. Con un pedido previo de no grabar videos durante esta canción, formato vertical emocionó con su perspectiva melancólica de un mundo donde no todo estaba atravesado por pantallas de celulares y el deseo de que la realidad deje de pasar a través de las mismas. LEONES y paso de hombre abrieron la puerta a un momento más calmo, donde las luces azules atravesaron al cantante generando una atmósfera íntima. Con una introducción de Me Voy de Julieta Venegas, el set íntimo incluyó mi mejor intento..., DESCONOCIDOS junto a elmalamia, la emotiva 2018, monumento.. junto a Cocó en guitarras y una versión única de Disculpe del folclorista Hernán Figueroa Reyes. La bronca y la angustia se convirtieron en alegría y remeras volando por los aires para El Aplauso y MIGUELITO, interpretada con una remera con la cara de Manuel Adorni, que también era parte del merch oficial. Acompañadas por palmas, risas y gritos, las dos canciones liberaron las endorfinas de los presentes para empezar a cerrar la noche en comunidad, anclada en uno de los pilares del disco y el show: la fraternidad entre compatriotas de este suelo. PERDÓN dio continuidad a esta euforia colectiva con una aparición sorpresiva de Dillom, que fue celebrada ampliamente. Honrando sus inicios y entre luces coloridas, aparecieron CARRITO, MEMENTO, ORGANIKO, 0800 y FULL TIME en un medley nostálgico y enérgico que encendió a sus fieles. LA ÚLTIMA, divertida y contundente, invitó a celebrar el momento como si fuera la última vez. Cuando las luces parecían empezar a prenderse y el final tocaba la puerta, Las Piedras marcó los verdaderos últimos latidos combinada con nuestro, juntas, encapsularon la unión y esperanza que propone el proyecto. Voy a salir a buscar a los que lloraron conmigo / Nos vamos a emborrachar por las piedras del camino Esperamos tanto que llegue el momento / ahora es nuestro En este show, Broke Carrey no le cantó solo a su tierra, sino a su gente, a quienes les tendió su letra y música como una mano en medio de la neblina que atraviesa su amado país. Lo hizo con un puñado de canciones que solo pueden describirse como urgentes y con la genuinidad de nacer desde lo más profundo de sí; composiciones que al compartirse se transformaron en análisis, catarsis y compañía necesaria para quienes las hacen parte de su día a día. Así, el cantante para nada perdido en su horizonte puso su vida de ofrenda envuelta en la bandera argentina y bajo la certeza de lo que es: un argentino más. Un hijo del país al que la sangre le hierve por dentro para pelear por un mundo real, donde al parecer sí queda alguien para dar batalla. Y su momento es ahora.

Tati Diaz Bonilla estrena Un Tren, el sexto adelanto de su próximo disco y una nueva pieza dentro de un álbum que viene construyéndose durante los últimos dos años. El proyecto, cuyo cierre está previsto para 2027, continúa revelando distintas facetas de un artista que encontró en la canción un territorio para explorar el amor, las pérdidas, el perdón y también esa incertidumbre que aparece cuando parece no existir un destino claro. Musicalmente, la canción se mueve dentro del folk rock, con una guitarra acústica que recupera el pulso y la textura del rock de los años 70. Sobre esa base aparece el color del órgano Hammond, mientras un ritmo sostenido y firme mantiene la canción en movimiento constante. La sensación es casi cinematográfica: el tren avanza, aunque quien viaja en él no necesariamente sabe hacia dónde. Esa contradicción atraviesa también la escritura. La canción utiliza la imagen de un tren sin dirección como metáfora de una relación y de un momento vital en el que se pierde el rumbo. Hay encuentros fugaces que parecen destinados a durar poco, pero que terminan dejando una huella mucho más profunda de la esperada. Frente a esa experiencia, Un Tren encuentra en el amor y el perdón una posibilidad de seguir adelante. Podés escuchar Un Tren acá:

El músico argentino estrenará el 2 de octubre la canción que da nombre a su quinto disco de estudio. Una semana después, el 9 de octubre, llegará el álbum completo: ocho canciones donde el folk-pop, el indie y las texturas electrónicas exploran los patrones que nos hacen repetir viejos tropiezos. La canción, que da título al álbum, ocupa un lugar central dentro del proyecto y aborda esa contradicción cotidiana de reconocer determinados obstáculos y, pese a saber cuáles son sus consecuencias, volver a encontrarse con ellos. En el single, Ale Zar lleva esa idea hacia un paisaje asociado al desamor y las salidas nocturnas, apoyándose en sonidos electrónicos y una interpretación cercana que mantiene el foco en la letra. La canción funciona así como una síntesis del universo que atraviesa las ocho piezas del álbum: distintas situaciones, personajes y estados emocionales unidos por una misma pregunta sobre los comportamientos que repetimos. El lanzamiento marca la culminación de un proyecto construido durante varios años y presentado progresivamente a través de una estrategia de adelantos mensuales, piezas visuales, personajes y teasers que fueron revelando el universo conceptual del disco. Con producción de Tomi Porcelli y arreglos de cuerdas, vientos y coros de Matius, La misma piedra reúne ocho canciones que se mueven entre folk, indie pop, pop-rock, rock alternativo y electrónica, con una instrumentación que combina guitarras, piano, bajo y batería con programaciones, instrumentos virtuales y arreglos orquestales. El álbum tuvo su origen en un proceso de composición particularmente amplio. Ale Zar realizó más de treinta demos en su casa durante la etapa de preproducción y posteriormente los envió a Tomi Porcelli para comenzar el proceso de selección y producción. “Había escuchado sus producciones en las que resaltan las programaciones e instrumentos virtuales ensamblados con pianos y guitarras”, explica el músico sobre el punto de partida de la colaboración. A partir de esa selección, el proyecto fue tomando forma hasta convertirse en un álbum donde los elementos electrónicos conviven con instrumentos acústicos y arreglos de mayor escala. Entre las referencias que acompañaron el proceso aparecen Juana Molina, Kevin Johansen, Jorge Drexler, Fiona Apple y Jon Brion, nombres que ayudan a ubicar el territorio creativo en el que se mueve el disco: composición de autor, exploración sonora y producción como parte fundamental del relato. Podés escuchar Ale Zar acá:

La artista se abre sobre el proceso y las historias detrás de su disco debut en la previa a su presentación en vivo Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Cami Galz es una cantautora que, con una formación musical clásica y orquestal desde pequeña y una infancia donde habitó el rock y el folklore, compone dejando que todas esas referencias convivan espontáneamente, buscando un equilibrio entre los recursos técnicos y las estructuras cuidadas al servicio de la canción. Licoretza Lupus, su disco debut, es un álbum de canciones de autor con una fuerte raíz en el rock argentino, atravesado por el tango, el folklore y teñido por su formación clásica. La grabación y producción del disco contó con la participación de Hugo Ferreyra (técnico de grabación), Mario Marzán (intérprete y arreglista de Naranjo en Flor), Andrés Dulcet y Sebastián “Bocha” Puntillo (Fonso y Las Paritarias). Construido a partir de historias, experiencias y observaciones de su autora, cada canción es un relato independiente que, en su conjunto, genera un mosaico de su universo creativo. En entrevista exclusiva, la artista se abre sobre el proceso y las historias detrás de su disco debut en la previa a su presentación en vivo Musyca Medio: ¿Qué significa Licoretza Lupus para vos como título? Cami Galz: Licoretza Lupus es esa mezcla sin sentido de cotidianidad. Surge a partir de un popurrí de palabras, al igual que surgen las charlas de sobremesa. Este disco enmarca un punto de partida hacia donde la música quiera llevarme y su título es la búsqueda de lo cercano, lo ordinario, lo común y corriente. . MM: ¿Qué se siente haber sacado tu disco debut y que ahora cualquier persona tenga acceso a escucharlo y hacerlo propio? CG: El haber podido trascender la barrera individual de la escucha fue muy gratificante. Si bien creo que está todo hecho, que todo tiene un límite, siempre queda algo por decir y un poco es poder transmitir eso, que el que lo escucha pueda llevarse algo; una sensación, una frase, una palabra. Porque ahí es cuando el disco deja de ser mío y pasa a ser del otro, a través de sus oídos construyendo su propia interpretación. MM: ¿Cómo describirías el proceso detrás del disco? Decís “Lo empecé siendo una persona y lo terminé siendo otra”, ¿por qué creés que fue eso? CG: Fue un proceso intermitente, en el medio pasaron distintos músicos, viajes, nuevos aires que como resultado dieron esa espacialidad que supo darle madurez al disco. Con esa frase hago referencia al crecimiento producido en medio de tanto movimiento. De por sí soy una persona bastante inquieta lo que me lleva a seguir buscando hasta dar con la tecla. En este caso pude terminar de grabar todo en el verano y darme cuenta de cómo había cambiado en los últimos casi dos años que estuve grabando. MM: ¿En qué te inspiraste a la hora de componer? Tanto la letra como los arreglos musicales CG: A la hora de componer fueron distintas las musas que me inspiraron. La mayor y más querida fue San Basilio, a quien le dedico un tema con su nombre. Fue una paloma que tuve el privilegio de cruzarme y que a raíz de su partida nace su canto hecho canción. El resto son anécdotas de viajes o situaciones cotidianas, como sentarme en un bar donde van personas de más de 70 años a escuchar conversaciones del entorno. Así como también narrar la historia de un gomero de un pueblo perdido al costado de la ruta. Por lo general primero me baja la letra de una y luego la musicalizo. En cuanto a los arreglos musicales intento que narren en paralelo a lo cantado y que ambos converjan en un diálogo armonioso. MM: ¿Cómo fue trabajar junto a Mario Marzán? ¿Qué te llevo a elegir Naranjo en flor para formar parte del disco? CG: Mario Marzán fue mi maestro de piano cuando era chica. Hoy en día voy cada tanto para hacerle consultas técnicas y para que con sus mágicas manos deleite mis oídos. Fueron largas tardes de pasar unos tangos viejos de antaño, así como también alguna que otra zamba o chacarera. Entre aquel cancionero estaba Naranjo en Flor, que terminábamos haciéndolo en bis. Sentí la necesidad de que esté presente en el disco justamente por toda esa historia, en él reúno vivencias y tanto este tema como los otros son fieles al sentimiento. MM:¿Cómo te venís preparando para presentar estas canciones en vivo? ¿Qué nos podés adelantar? CG: Con mucha manija y emoción. Trabajando duro para que todo eso pueda manifestarse arriba del escenario. Lo que puedo adelantar es que el show va a ser bastante más que una presentación del disco. Vamos a llevar las canciones de Licoretza Lupus a otro lugar, con una puesta y arreglos pensados especialmente para Niceto. Habrá momentos más íntimos, otros con más rock y algunas sorpresas que prefiero guardar para esa noche. La idea es que sea una experiencia y que quienes ya conocen mi música puedan descubrir una versión distinta de las canciones. Entradas a la venta a través de Venti