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El trío marplatense inaugura una nueva etapa con su quinto disco de estudio Arte de tapa por @andres_yeah sobre ilustraciones de @lu.giobellina Tomates en Verano, el trío marplatense de shoegaze y post-punk, presenta su nuevo material de estudio El Color del Mar. Editado por Casa del Puente Discos y co-producido junto al inglés Graham Sutton, el nuevo álbum propone un recorrido único por diez canciones que invitan a sumergirse en una atmósfera de guitarras al frente y líricas sensibles y directas. Tracklist: excepcional esto que está pasando desdén todo comienza en casa decí quien sos el color del mar salvaje pequeñas cosas la esclava algo común Podés escuchar El Color del Mar a partir de las 19hs acá:

Después de un silencio de 15 años que no hizo más que potenciar la química, Los Hombres Cartucheras están de vuelta. El dúo formado por Kosho (voz) y Driol (guitarras) acaba de patear el tablero con el lanzamiento de V, un disco que recupera ese pulso alternativo y experimental que los vio nacer en 2010. La historia arrancó trabajando a distancia para editar su debut Made in China y siguió con el EP Horus en 2012, antes de entrar en un receso. Pero el 2025 los volvió a juntar en una etapa de composición intensa que decantó en este nuevo material, publicado en febrero de 2026. El álbum, producido por ellos mismos y grabado en LB Records por Martín Herrero, se presenta con un single doble: Viajar y Volar. El ADN del dúo es inconfundible: con mucho del rock alternativo de los 90s como Nirvana o Sonic Youth entre sus influencias, pero sobre todo una conexión directa con nuestra escena sónica —esa herencia de los Babasónicos, Los Brujos, Juana la Loca, Suárez y Peligrosos Gorriones—. Es un sonido robusto, concebido para la experiencia en vivo y con esa búsqueda de texturas que los distingue. Lejos de quedarse en el regreso, Los Hombres Cartucheras ya están metidos de cabeza en el estudio produciendo un disco doble que planean soltar antes de que termine el año. Podés escuchar V acá:

La banda revela cómo argentiniza el sonido de sus grandes influencias y adelanta su próximo lanzamiento Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Desembarco, banda platense de BritRock con fuerte influencia del rock británico de los 90' y de bandas como Oasis, Sex Pistols, The Beatles y Stone Roses, marca su camino propio a través de una argentinización de este sonido. Con canciones propias y en castellano, el grupo consolida su diferencial. Desde su primer álbum Jóvenes por Siempre en 2019, el grupo ha trazado un recorrido respaldado por la experiencia de figuras clave como Mauricio "Topo" Espindola y Javier Herrlein en la producción. Tras haber consolidado su sonido a través de colaboraciones como la participación de Esteban “Pelado” Zunzunegui de Charlie 3 en su último single, Desembarco se encuentra ahora en una etapa de madurez creativa. Actualmente, trabajan en la producción de su próximo material discográfico, preparándose para un nuevo capítulo que promete profundizar la búsqueda de identidad que sostienen desde sus inicios. En una entrevista exclusiva, la banda revela cómo argentiniza el sonido de sus grandes influencias y adelanta su próximo lanzamiento Musyca Medio: ¿Qué buscan recuperar y "argentinizar" del britpop, siendo este su mayor influencia? Desembarco: Nos gusta mucho el formato "canción"---como se dice--- de Oasis, The Beatles, muy hitero. Distinto al de nuestro país. Nos pparecía muy interesante agarrar ese formato y darle una vuelta de rosca, "argentinizarlo" como siempre decimos. MM: ¿Para cuándo tienen estipulada la salida de su nuevo material y qué pueden adelantarnos de él? D: La idea es que salga a fin de año, antes de su salida queremos sacar agunas canciones y videoclips. Lo que podemos adelantar es que viene muy variado en cuanto al estilo de cada tema, porque todavía estamos trabajando en la tematica y el concepto general que va a englobar la estética del disco. MM: Si tuvieran que definir...¿qué mensajes dirían que aborda? D: Siempre nos gusta dejar un mensaje esperanzador en todos los discos pero es muy variado. Actualmente hay temas de amor, desamor, algunos que hablan sobre la situación actual de nuestro país. MM: ¿Qué diferencias marcarían entre sus lanzamientos anteriores y este? D: Tiene una variación de estilos más amplia, si bien la base del BritRock siempre está presente, nos gusta que los temas de nuestros discos sean lo más variados posible. MM: ¿Qué preparan para sus próximos shows? D: Nos caracterizamos por la energía que le ponemos arriba del escenario, lo que disfrutamos tocando se ve y se refleja en la atención que nos presta el público, ya sea nuevo o los que nos siguen hace años. Conectamos mucho con ellos y eso es lo mejor. Ahora se vienen shows por CABA y algunos por La Plata en esta primer parte del año. 23 de Mayo en Casa Unclan (La Plata) Viernes 19 de Junio en Carnal (CABA) MM: ¿Qué se viene para su 2026? D: Muchos shows, nos encanta tocar en vivo y el nuevo disco. Creemos que va a poder salir a la luz para fin de año y con él, planeamos alguna gira en la costa y en distintas provincias. Podés escuchar Desembarco acá:

Entre la crudeza y la intimidad, los tres proyectos se unieron para ser refugio, catarsis y descargo Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Atravesando el patio helado, pasando las mesas de ping pong y los metegoles: un refugio. Contra el frío, el ruido de la ciudad y la indiferencia de la gente. Adentro, luces tenues en colores vibrantes. Varias columnas, un escenario y personas esperando contra la valla que empiece el descargo. Ideas, sentimientos y pensamientos de diario íntimo que encontraron forma, camino, acorde y se transformaron en canción. Y después en himno. Un vómito que inició individual y a través de la música se volvió colectivo. Rosamonte tomó el escenario con la potencia que los caracteriza, a dos voces intercalaban visceralidad con dulzura. Sonando fuerte pero no más que el impacto de su disco Debajo de Mi armadura interpretado en vivo. Con Ultravioleta dedicada al padre de Damián, el cantante, la apertura fue llevada al máximo. Con una versión cargada de angustia y bronca, las lagrimas cayeron por todas las mejillas y el aire no entraba fácil a los pulmones. Aunque faltaban canciones para finalizar el set, ya estaba todo dicho. Al finalizar, la banda se unió en un abrazo que se sintió tan íntimo como si hubieran estado en una sala de ensayo teniendo un mal día. Pero esta vez, acompañados por el aliento del público. Entre banda y banda, unos pocos minutos musicalizados por Inerme que hacía bailar a todos. Sunlid entró a escena en completa oscuridad, con una cuenta atrás que iluminaba todo el lugar y arrancaba los más fuertes alaridos de la gente. Cuando llegó a cero, la calma que reina en no mires atrás se catalizó entre imágenes de nubes en urgencia. Con saltos, gente volando por los aires, gritos y aplausos. Brllaron caminar en la luna, alejarte, solo un momento y una versión sublime de Nunca Quise de Intoxicados. Odd Mami, por su parte, incluía este show dentro de sus celebraciones de cumpleaños. No faltó el recibimiento con el feliz cumpleaños cantado con cariño mientras una luz rosa la bañaba. Pasadas algunas canciones, Helenita decidió convertir su show en una atmósfera única de intimidad, solicitando que no haya prácticamente luces que le apunten y dejándose iluminar por las visuales que ella misma había armado: cisnes, flores, castillos, ipods. Su universo estético se reflejaba en su espalda mientras sonaban inocencia interrumpida, yo así y general paz de donde van los perros, su último disco. Así, se vivió una nueva noche de Sonido Konex. Esta vez, a corazón y garganta abiertos, con las guitarras distorsionadas y las baterías fuertes como compañeras. Tres proyectos únicos dejaron al descubierto su costado más crudo traducido a lo musical para una gran catarsis de vulnerabilidad distorsionada.

La cita será el 2 de abril de 2027 en Movistar Arena Fiel a su esencia y a su vínculo con el público argentino, Louis Tomlinson confirma su regreso a Buenos Aires con un show en el Movistar Arena para el 2 de abril de 2027. Una de las voces más auténticas rock/pop británico actual, llegará nuevamente al país para presentar su último disco de estudio, "How Did I Get Here?" y recorrer su discografía junto a sus fans más fieles y apasionados que ya lo acompañaron en sus visitas anteriores en el Estadio Vélez Sarsfield (2024) y el Movistar Arena (2022). Con un debut que lo llevó directo al puesto #1 en el Reino Unido, España y diversos países de Europa, este material refleja su evolución más personal y auténtica. Entradas a la venta través de Movistar Arena Desde las 10:00 hs del martes 19 de mayo en preventa para clientes Banco Patagonia VISA, que podrán acceder a los tickets con un 10% de descuento si realizan la compra con tarjeta de débito o en hasta 6 cuotas sin interés con tarjeta de crédito. La venta general para todos los medios de pago comenzará el miércoles 20 de mayo a las 10:00hs.

La banda reflexionó sobre el "pop pesado" como subgénero, el proceso detrás de este nuevo lanzamiento y lo que los inspira Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Komo Yamarte es una banda de pop rock de Buenos Aires que, tras nacer en 2019 con la premisa de romper las estructuras clásicas del género, forjó su identidad en la independencia de su laboratorio en Zona Oeste: Espacio V Casa Estudio. Ese espacio de experimentación funcionó no solo como el lugar de sus primeras maquetas, sino como el territorio donde Matías Leanza Montes, Eduardo Palange y Nicolás Paladino consolidaron su búsqueda sonora. Así, su sonido terminó de tomar forma en POP PESADO, su primer disco de estudio, una pieza de once canciones que definen un subgénero propio y visceral. El álbum, que propone un recorrido disruptivo entre himnos de liberación y reminiscencias synth-wave, marca la madurez de un proyecto que elige empezar decretando un final para demostrar que aún tiene todo por decir. La banda reflexionó sobre el "pop pesado" como subgénero, el proceso detrás de este nuevo lanzamiento y lo que los inspira. Musyca Medio: ¿Cómo surge para ustedes el "pop pesado" como subgénero? ¿Qué aspectos dirían que toma de cada género? Komo Yamarte: El concepto del "pop pesado" empezó siendo un chiste entre nosotros, pero es algo serio. O al menos eso pretendemos. Estábamos pre-produciendo las canciones de nuestro segundo disco Para no espantarte y a alguien de nosotros se le ocurrió preguntar "¿Qué género musical estamos haciendo?" Y espontáneamente Matias dijo: pop pesado. Después de esa anécdota, el título se desestimó de manera inconsciente y no fue hasta que empezamos a lanzar los primeros singles de este nuevo disco que lo reflotamos y empezamos a imponerlo más. Si tuvieramos que definirlo, no es el viejo truco de los 90s de ponerle guitarras distorsionadas a una canción pop… porque eso sería Nu Metal. Nuestro género toma la forma de la canción pop y es pesado porque tiene información muy elaborada, porque suena lo que pesa tanto en las letras como en el sonido. Siempre persigue un concepto, las armonías y los arreglos también tienen algo que sale de lo convencional. Decimos mucho que nos gusta juntar cosas que no se pueden juntar y que parezca natural, que no suene forzado. Es un pop para quien quiera meterse algo nutritivo en el inconsciente. Es como el brócoli: al principio puede parecerte raro el gusto pero una vez que lo incorporas a tu vida pasan cosas buenas. MM: ¿Cómo surge en ustedes llevar su sonido para ese lado? KY: La premisa cuando empezó el proyecto fue crear la música que queríamos escuchar y que no estaba sonando en el mainstream, una música que tenga “elementos nobles” de todas las épocas. Además todos los músicos que conformamos el proyecto veníamos de tocar distintos géneros y amamos la música con fibra, que es tocada por músicos/as que dedicaron su grueso a hacer lo que hacen. Más allá de cualquier snobismo musical, cuando hablamos de que amamos la música no necesariamente tiene que ver con música hiper elaborada o virtuosa, sino más bien con algo más sutil que es difícil de describir. Luchamos contra la encasillación en un solo género eso todo el tiempo, tenemos nuestros límites, pero hacemos el ejercicio de tratar de entender lo más posible hasta cosas que no nos enganchan a la primera. Y esto mismo es lo que pasa con nuestro sonido. El ejercicio diario es hacer un agujero en el suelo y sacar la lombriz mas linda que encontremos, para eso hay que buscar y en el medio de eso te encontras con cosas que no son copadas, por eso hay que filtrar y reelaborar hasta que sea pop pesado. MM: ¿Cuál fue su mayor inspiración a la hora de crear este disco? ¿De donde surgen las letras? ¿Y los sonidos? KY: El sonido siempre tiene muchas etapas y es a medida de cada canción, si bien después de seis años de banda ya tenes una paleta de sonidos para la textura que conforma las canciones, nosotros siempre tratamos de ponernos en la situación incómoda de no repetir un mismo pedal, sintetizador o sonido de tambor, incluso con la imagen total estamos trabajando hasta el dia de hoy y seguimos re-elaborando, quedarnos quietos no es opción. Pero si es verdad que ya nos está ocurriendo que hay elementos que son número puesto y que tienen un papel decisivo para que nuestro sonido sea como tiene que ser. Incluso te diriamos que es más una manera de arreglar la canción, que un sonido, no sería el color porque este en sí puede variar, sino el pincel y la muñeca del pintor que ya hoy por hoy se mantiene constante en varios aspectos. En cuanto a la inspiración, más que inspiración fue madurez, tuvimos cambios de formación, discusiones, shows, alegrías, ganamos, perdimos, buscamos, dejamos de buscar… todo eso creó este disco. Encontramos nuestro orden y manera de trabajar también. Las letras las escribe Matías, fue una de sus condiciones al iniciar el proyecto, porque justamente es quien las canta, quien las tiene que sentir e interpretar. Su estilo es del tipo “inconsciente”, dejando que la música, la melodía o mismo alguna letra provisoria sobre la que se ancló la melodía del demo le vaya diciendo que bajar al archivo donde escribe la letra. Las temáticas siempre son de humano a humano, no le hablamos a la masa, le hablamos a cada individuo y cada uno le aporta sentido. Al dia de hoy cuando escuchamos las canciones después de mucho tiempo y tomando distancia seguimos resignificando algunas letras, son nuevas hasta para nosotros. MM: ¿Qué influencias de otros artistas notan en este proyecto? KY: Para bien o para mal, rara vez decimos: "hagamos algo tipo tal banda o canción". Si ocurre que cuando necesitamos entender hacia dónde llevar una composición, por hay citamos un estilo preexistente. Nosotros relacionamos la música con arquetipos de bandas o modos de hacer las cosas, nosotros --salvando las distancias--. consideramos que entramos dentro de arquetipos como Queen, Muse, Soda Stereo, Los socios del desierto, Virus, Los Abuelos de La Nada. Todas bandas donde la cosa pasa por la suma de las partes y no por un solo integrante. MM: ¿Cómo se imaginan las presentaciones en vivo de estas canciones? ¿Qué preparan para llevar al disco al vivo? KY: Siempre hay una producción intensa para cada show, las bandas con las cuales compartimos tablas siempre son pensadas para que la noche sea un éxito y la gente tenga un experiencia completa en la cual va a ver dos shows, algunas veces tres y cada uno va a ser sólido. Nuestros shows tienen que tener tres cosas: buen sonido, buenas luces y pantalla idealmente, porque nuestro set corre en sincro tanto luces como video. Algunas veces eso no se da porque dependemos de las prestaciones y predisposición del venue que elijamos para tocar. Procuramos que sea así, que todo este en función de nuestro trabajo previo. Las canciones suenan muy similar al disco, somos una banda de música muy tocada, procuramos que haya la menor cantidad de pistas. De varios años para acá las bandas colegas cada vez usan más pistas casi al punto de que ya no se distingue si es playback o realidad, por eso estamos yendo hacia el lado contrario a eso. Tratamos de que lo que suena sea concreto desde nuestra ejecución, preferimos que suene flaco y despojado a que sea una pista masiva. . MM: ¿Qué se viene para el proyecto en 2026? KY: Muchos shows: El 16 de Mayo en Mataderos (Caba) tenemos un show mas bien íntimo con entrada gratuita en Lady Banana Studio que es un lugar para pocas personas y va a estar bueno porque tocamos junto a Quasar un bandon de zona oeste y ahí vamos a sentir a la gente de cerca, va a estar bueno. Por otro lado el 17 de Julio tocamos en el ciclo Resistencia Vol.8 (También gratis) en Isidro Casanova, Oeste Rock se llama el lugar, será un evento interdisciplinario por lo que va a haber variedad artística y el lugar cuenta con un sonido y escenario potentes. Por último cerramos el año en CABA, con la presentación oficial de POP PESADO en Strummer Bar Palermo. Así que se viene un año movido y ya craneando el próximo disco que se viene distinto, una vez más. Podés escuchar POP PESADO acá:

El show será el 21 de mayo en Movistar Arena La artista méxico-chilena más aclamada de la escena latina vuelve al país con su nuevo tour Femme Fatale, una propuesta poderosa, poética y vibrante que combina rock, punk, boleros y pop. Con una puesta en escena renovada, Mon Laferte recorrerá los grandes momentos de su carrera y presentará su nuevo álbum, Femme Fatale, un trabajo elegante y brutal donde el pop alternativo y el jazz se entrelazan en un universo sonoro único. Entre las colaboraciones del disco destacan Conociendo Rusia, Nathy Peluso, Tiago Iorc, Natalia Lafourcade y Silvana Estrada, prometiendo una noche inolvidable el 21 de mayo en el Movistar Arena. Entradas a la venta a través de Movistar Arena

El nuevo single inaugura un nuevo sonido para la banda Tras el lanzamiento de su disco debut Tiempos de Noche (2025), la banda rosarina Ocaso presenta una nueva canción que refleja una búsqueda diferente. Podés conocer más sobre Ocaso haciendo click acá Con un tono más crudo e intenso, la pieza explora nuevos sonidos en el primer adelanto de su segundo disco, que reflejará otro concepto y el impacto de otras influencias. Sin embargo, la idea literaria que recorrió el primer disco continuará en este nuevo capítulo: "La idea fue mutar de un pop postapocaliptico a un rock postapocaliptico", declaran. Podés escuchar Fantasmas acá:

La banda confirmó su llegada al país este 25 de mayo Ellie Rowsell у compañia llegarán por primera vez a nuestro país, poniendo fin a una espera de más de 10 años para sus fans. Estarán presentando The Clearing, su aclamado cuarto disco. Escrito en Seven Sisters, al norte de Londres, y grabado en Los Ángeles junto al productor ganador del Grammy Greg Kurstin, el disco encuentra a la banda en su punto más alto de madurez creativa. Ambicioso, emocional y seguro de sí mismo, The Clearing es un trabajo que mira al pasado sin nostalgia y al futuro sin miedo. Un álbum de pop/rock clásico con guiños a los años 70, pero profundamente anclado en el presente. Además, el repertorio promete incluir los temas mas celebrados del grupo. Entradas disponibles a través de Passline

Entre rondas y nubes de humo, la banda hizo saltar a todos lleno al compás del género que les hace latir fuerte el corazón Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofia Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Flequillos cortados de más, remeras con la lengua de los Rolling Stones, nubes de humo de los cigarrillos más baratos del mercado y latas de cerveza giraban por el CC Matienzo mientras sonaban clásicos de rock nacional fusionados entre sí. El Himno Nacional irrumpió y el público sediento coreó cada una de sus estrofas para darle la bienvenida a reybruja. Seis superestrellas de barrio entraron a escena para darle comienzo a un nuevo ritual del género que les hace latir fuerte el corazón. El rock, ese viejo amigo de los jóvenes al que siempre quieren dar por muerto, estuvo vivito y coleando desde el principio en este encuentro. Porque —citando el nombre de su disco debut y parafraseando a Calamaro— se trata de gustar y ofender. De ser un atrevido pero con valores. Ahí estaba entonces el rock haciéndose presente en un show de 21 canciones que combinó estrenos y clásicos, en un recorrido único por su discografía. Con nenanisman y chica saavedra, el movimiento empezó tímido. Para el tercer tema, libertarios, y el cuarto, el jugador, ya había grandes rondas que movían el piso y gente volando por los aires desde el fondo directo hasta el escenario; ese lugar tan sagrado para algunos donde reybruja se encuentra con su energía más genuina, divertida, libre y cruda. Y cómo no, también con su público. Un rejunte que definen como un par de locos que la agitan aunque estén en cero y un par de flacas que se empujan mientras gritan. Con ellos comparten micrófono, abrazos y pasiones. Ese agite constante es lo que —admiten— los devino banda; transformó un proyecto solista en uno colectivo que se fue construyendo en el camino a la par de su gente. Su gran amor, motor y encendedor que hace latir cada show. la novedad celebra a ese viejo amigo que a veces se toma un descanso, pero que siempre está. No somos una novedad (...) Hay cosas que van a volver y cosas que no vuelven más Por eso yo hago rock and roll Aunque sea solo para mí Aunque no sea para vos Aunque no lo viste venir La banda defiende así lo que heredaron desde chicos: estribillos imbatibles mezclados con guitarras filosas y armónicas dulces. Como hacían Andrés Calamaro y Pity Álvarez. Hoy hacen eco de esos sonidos en sus propias producciones. Ahí se cuela el rock, silbando bajito, vibrando en cada joven que creció escuchando por la radio letras que hablaban de lugares y situaciones como los que ellos transitaban. Pero para reybruja, el rock no es solo sonido. Es una estética y una forma de encarar la vida. Así aprendieron a incomodar pero manteniéndose hipnotizantes, para que no puedas parar de mirar y de mover la patita ante estos atrevidos. Esas influencias que encendieron su chispa se dejaron ver por completo en yirando en el mood, su canción más guitarrera que arrancó sonrisas y fuertes aplausos. "¡Gracias, mi amoooor!", exclamaba Enzo Lupo, el cantante, cada dos por tres. Un amor declarado a ese público que cantaba sus canciones con la garganta al descubierto y subidos a los hombros de sus amigos. "Ustedes cantan y nosotros no lo creemos. Por eso tomamos un trago, para anestesiarnos. Si no lloramos, y no está bueno llorar en público", agregó entre chistes y verdades. el atrevido, flaco (buscando plata) y pocamonta siguieron encendiendo la noche hasta que soltaron una bomba: "Nos metimos en el estudio un mes entero y salieron treinta y seis canciones que van a ser nuestro próximo disco", comentó antes de adelantar en vivo dos inéditos que formarán parte de su nuevo material de estudio. Tras preguntarle al público de qué barrio venían, siguiendo costumbres —porque si vamos a heredar, vamos a heredar bien—el grupo le pegó una patada en la cara a sus fans con una seguidilla de canciones que explotaron en gritos y saltos: loquita, piso 20, superestrellas del barrio y RNA. Para terminar, un mensaje claro: que se la banquen. Porque aunque no sean novedad, llegaron a arrasar con todo con lentes de sol y latas de cerveza Quilmes. Entre logos vandalizados, cigarrillos encendidos, guitarras filosas y la herencia de un género que abraza jóvenes desde sus mismísimos orígenes. Atrevidos. Desfachatados. Rockeros. Jugadores que no llegaron a primera, pero sí a los escenarios para seguir gustando, para seguir ofendiendo. ¿No te contaron que volvió el rock and roll?

El show será el 9 de diciembre Después de semanas se develó el misterio: los grafitis que colmaron las calles de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires con la frase "No te olvides de tu sueño" estaban relacionados a un anuncio musical importante. Ángela Torres, cuyo último lanzamiento se titula No Me Olvides, anunció que se presentará en el Movistar Arena este 9 de diciembre para continuar presentando su nuevo álbum. Con Favorita, su hit indiscutido, y después de agotar tres Teatros Gran Rex, la artista se prepara para cumplir con lo que declara es "uno de sus mayores sueños". Entradas a la venta a partir del 14 de mayo a través de Movistar Arena

Dos noches inolvidables se vivieron en Movistar Arena con el regreso de la banda al país Foto: Gentileza de prensa x @vickydragonetti_ En una noche cargada de emoción y nostalgia, Jonas Brothers brindó dos shows consecutivos en Movistar Arena como parte de su primera parada latinoamericana de la gira Greetings From Your Hometown que presenta su último álbum de estudio y celebra sus 20 años de carrera. Así, el trío integrado por Nick, Joe y Kevin Jonas hizo un recorrido por las dos décadas de carrera que los unen a sus seguidores locales más fieles, alternando su nuevo material con los grandes himnos de su discografía. Con estrenos como Love Me to Heaven y joyas del pasado como Burnin' Up o S.O.S, los hermanos propusieron un recorrido que hizo bailar a todos los presentes. Los puntos más altos de la noche estuvieron protagonizados por una conexión única con los fans: la invitación de Tini al escenario para interpretar This Is Me y su propia Cupido —con una introducción en video que la mostraba de chica cantando las canciones de la banda— y el momento acústico donde fanáticas presentaron opciones de canciones para ser interpretadas a través del juego y la interacción. Fue en estos dos momentos, donde se consolidó la relación que mantienen con las "jonáticas" y su capacidad de seguir compartiendo experiencias inolvidables para quienes fueron niñas soñando con noches como estas y pudiendo experimentarlas de adultas.