El artista argentino lanza el EP de una de las sesiones más celebradas del año, mientras se prepara para debutar el sábado 1° de agosto en el SummerStage de Central Park, una de las citas más esperadas del LAMC Milo J convirtió su paso por NPR Tiny Desk en uno de los momentos musicales más comentados del año. Hoy, esa actuación se transforma en "Live from NPR's Tiny Desk", un EP que reúne las siete canciones de aquella sesión para revivir una interpretación en la que el folklore, la murga y la emoción convivieron con una naturalidad extraordinaria. El repertorio del EP transita por los momentos clave del concierto. Desde las canciones inéditas que abrieron el set ("Recordé" y "Cuestiones") hasta los temas que definieron su último álbum, “La Vida Era Más Corta”, "Solifican12", "Bajo de la piel", "Niño" y "Luciérnagas", esta última grabada originalmente junto a Silvio Rodríguez. Un recorrido que evidencia el talento de Milo para tender puentes entre la tradición y la modernidad. La presentación tuvo unos acompañantes de lujo: Agarrate Catalina, la legendaria murga uruguaya que encontró en Milo J un cómplice natural. Juntos, construyeron un diálogo musical que trasciende fronteras y demuestra que el Río de la Plata es, ante todo, un territorio compartido por el arte y la emoción. Tal como quedó demostrado en la presentación del Tiny Desk del argentino, que cuenta con más de 15 millones de vistas en YouTube, el encuentro fue mucho más que música, pues el famoso escritorio se transformó en un altar íntimo: el banderín de Deportivo Morón, el mate y el termo, el ejemplar de Martín Fierro, el pañuelo de las Abuelas de Plaza de Mayo, una muñeca con la inscripción “Nunca Más”, la bandera argentina, una revista de Mercedes Sosa, una chapa de las Islas Malvinas, un vinilo de Horacio Guarany y el poncho que Soledad Pastorutti le regaló en el Festival de Cosquín. Cada objeto aportado al escenario contó una historia, cada detalle habló de pertenencia. Fue la forma que encontró para mostrarle al mundo de dónde viene y qué lo sostiene. LA VIDA ERA MÁS CORTA, el disco que sirve como columna vertebral emocional del set, es el testimonio de una generación que mira hacia atrás sin nostalgia y hacia adelante sin miedo. En sus canciones conviven zambas y chacareras con sintetizadores y ritmos contemporáneos, creando un universo sonoro personal, universal y profundamente hermoso. Así que este EP se convierte en una invitación a escuchar con atención, a descubrir los matices que solo una presentación en vivo puede ofrecer. La complicidad entre Milo J y Agarrate Catalina, la calidez de sus voces sin filtros, los silencios y los aplausos. Todo está ahí, capturado para siempre. Escuchá Live From NPR's Tiny Desk acá:

Este nuevo trabajo, compuesto por cinco remixes, invita a la reimaginación de las canciones de su álbum En el Ciber, el cual ha sido recientemente nominado a Mejor Álbum Pop Alternativo en los Premios Gardel 2026. La propuesta de Benito es clara: permitir que otros artistas reinterpretan su música desde sus propias perspectivas. Escuchá En el Ciber (Lado Be) acá:

El ícono global de la música latina regresa a Buenos Aires con una gira que celebra más de una década de éxitos y recorre las canciones que marcaron a toda una generación, reafirmando la historia que sigue escribiendo junto a millones de fanáticos en todo el mundo Después de conquistar escenarios de todo el mundo y convertirse en uno de los artistas latinos más escuchados de la última década, Ozuna volverá a encontrarse con el público argentino el próximo 8 de septiembre en el Movistar Arena, como parte de Una Aventura World Tour, la gira internacional con la que recorrerá Europa y Latinoamérica durante 2026. Entradas disponibles a través de Movistar Arena Inspirado en uno de sus lanzamientos más recientes, Una Aventura, el tour propone mucho más que la presentación de un nuevo repertorio: es una celebración del camino recorrido junto a millones de fanáticos alrededor del mundo y un recorrido por las canciones que convirtieron a Ozuna en una de las figuras más influyentes de la música urbana. El público argentino volverá a cantar en vivo los grandes clásicos que marcaron la carrera de Ozuna, como "Dile que tú me quieres", "Se Preparó", "Baila Baila Baila" y "Hey Mor", junto a las canciones que forman parte de su presente artístico, en un show pensado para celebrar la historia que sigue construyendo junto a sus fanáticos. Con más de una década liderando los rankings internacionales, miles de millones de reproducciones en plataformas digitales y decenas de premios que incluyen Billboard Latin Music Awards, Latin American Music Awards y múltiples nominaciones a los Latin Grammy, Ozuna continúa consolidándose como uno de los artistas latinos de mayor impacto global. Su regreso a Buenos Aires representa uno de los reencuentros más esperados del año para los fanáticos argentinos, que volverán a vivir en directo un espectáculo pensado para celebrar una historia que sigue escribiéndose al ritmo de nuevos éxitos. Con una puesta en escena renovada, una producción internacional y un repertorio que reúne todas las etapas de su carrera, Ozuna promete convertir su regreso al país en una de las grandes noches de la música latina de 2026, respondiendo a la enorme demanda de una de las comunidades de fanáticos más fieles de la región.

Foto: Martin Cru Alvarez TRÍADA— la banda conformada por Diamela Spina (percusión, voces), Aylen Reynoso (guitarra) y Julia Percowicz (voces)— comparte “Manos de Sal,” una canción sensual y angelical, su primer sencillo original, que ofrece un anticipo de lo que le espera a la banda. Sobre una percusión vibrante y la dinámica guitarra de Aylen, la banda narra tanto el consuelo como la incertidumbre del desamor. La banda, originaria de Buenos Aires, se conoció en su escuela secundaria de artes escénicas. Después de clase, grababan videos, versionando clásicos de la bossa nova como "O Pato" de João Gilberto, que alcanzó más de 2 millones de views en Instagram Reels. Finalmente, “O Pato” se convirtió en su primer lanzamiento oficial, consolidando su sonido de gran alcance y su audiencia global. Escuchá Manos de Sal acá:

El nuevo material marca la exploración de la ansiedad, la incertidumbre y una sensación de la pérdida de control VÉRTIGO es un disco que explora la ansiedad, la incertidumbre y los cambios que atraviesan la vida cotidiana. A través de sus canciones, Glassrows retrata la sensación de perder el control, enfrentar los propios miedos y encontrar la fuerza para seguir adelante. Con una combinación de rock alternativo y melodías modernas, el álbum busca conectar con quienes alguna vez se sintieron atrapados en sus pensamientos, pero decidieron seguir avanzando. Cada canción representa un capítulo dentro de ese viaje emocional, retratando la sensación de perder el control, caer en un espiral de pensamientos, enfrentarse a los propios fantasmas y descubrir que, incluso en los momentos más oscuros, siempre existe la posibilidad de reconstruirse. El vértigo funciona como una metáfora de la vida misma: ese instante de incertidumbre antes de dar un paso hacia lo desconocido, donde el miedo y la esperanza conviven al mismo tiempo. Musicalmente, el álbum combina la fuerza del rock alternativo con melodías contemporáneas, guitarras contundentes, pasajes atmosféricos y una producción moderna que potencia la carga emocional de cada composición. Glassrows encuentra el equilibrio entre la energía, la vulnerabilidad y la catarsis, construyendo un sonido capaz de transmitir tanto intensidad como sensibilidad. Los productores del álbum son Jonathan Luisi y Gabriel Sotomayor y fue grabado en Indigo Producciones. Escuchá VÉRTIGO acá:

El 21 de agosto, la banda neuquina dará un show especial en Palermo junto a un invitado sorpresa A exactamente un año de su lanzamiento, Atrás Hay Truenos celebrará el aniversario de su último disco, Coire, en La Tangente. El viernes 21 de agosto, la banda neuquina dará un show especial junto a un invitado sorpresa, que se develará la misma semana del evento. Entradas con descuento en tickets.latangente.com.ar Además de repasar en vivo las canciones de su cuarto disco de estudio, la banda recorrerá distintos momentos de su trayectoria. Editado por Casa del Puente Discos, Coire es una obra de pop rock emocional que recupera el pulso vital del rock y la canción pop desde una mirada íntima y contemporánea. Con canciones simples pero certeras, el disco se despliega como una declaración amorosa: directa, sin rodeos, con arreglos que se entrelazan como gestos pequeños pero inolvidables. El título, tomado del latín coire (“juntarse”, “fundirse”, “hacer el amor”), resume el espíritu del álbum: un movimiento hacia el otro, un deseo de encuentro en todas sus formas. Cada canción es una invitación a habitar el sentimiento sin miedo, a cantar estribillos y a dejarse llevar por una música que no teme ser vulnerable ni luminosa. Es un mapa del corazón dibujado con sonidos y melodías. Grabado entre 2022 y 2024 en Estudio Unísono por Estanislao López, Estudio CC Richards por Maximiliano Leivas, Estudio Thomas por Diego Martínez, Coire muy pronto contará también con unas bellísimas ediciones físicas, a cargo de Casa del Puente Discos.

Será el 13 de agosto en La Tangente "Crónica de un Duelo" es el primer álbum de estudio de Flor Lovaglio. Contiene nueve canciones que recorren el atravesar de una pérdida, escritas en clave de neo soul y R&B en español. Entradas a la venta disponibles Co-compuesto junto a Joaquín Alonso y producido por Patricio Lema e Iván Stagliano, con mezcla y mastering de Lucas Romano, el disco se construyó como una bitácora íntima: cada canción es una etapa del duelo, no necesariamente lineal, donde conviven la rabia, la negación, la fiesta, la paz y la calma final. Tres adelantos anticiparon el lanzamiento: "Qué Esperás?", "Decime" y "La Paz". El cierre del álbum, "Tranquila", incluye una colaboración con Yago y los primeros sonidos de su hija, Lola Alonso, que se sumaron a la grabación. Es un disco que se anima a la vulnerabilidad sin caer en el pudor, con arreglos vocales cuidados, grooves cálidos y una identidad sonora que toma del neo soul anglosajón pero se afirma en el español rioplatense.

Luego del sold out de su presentación en Niceto, la artista vuelve a presentarse Buenos Aires el 25 de septiembre con un nuevo espectáculo en Deseo para seguir presentando Reset Luego de agotar las entradas para su primer show en Niceto Club el pasado mes de mayo, MissLupe anuncia una nueva presentación en Buenos Aires: el próximo 25 de septiembre llegará a Deseo para presentar el show más importante de su trayectoria hasta el momento. Entradas disponibles a través de Enigma Tickets A un año del lanzamiento de Reset, su primer álbum de estudio y un punto de inflexión en su carrera, la artista llevará su universo a una nueva escala con una propuesta especialmente diseñada para la fecha. Después de haber hecho bailar la pista de Deseo en numerosas ocasiones como invitada, MissLupe regresa esta vez con un show 100% propio al club que se convirtió en una casa para su proyecto. Pop, house, performance y cultura de baile confluyen en una experiencia donde música, narrativa y puesta visual forman parte de un mismo lenguaje. Para esta presentación, MissLupe prepara un diseño musical y visual especialmente concebido para Deseo, profundizando la identidad de Reset y llevando por primera vez a ese escenario su universo completo.

Será el 12 de agosto con entrada gratuita y show de Los Besos El 12 de agosto a las 20h, Complejo C será el escenario de una celebración única que anticipará la quinta edición del Festival Mutante. La Gala Mutante reunirá a la comunidad en una noche especial con entrada gratuita y un show de Los Besos, una de las bandas más representativas de la escena independiente argentina. Entradas disponibles SIN CARGO a través de Passline Como antesala del Festival Mutante 2026, la Gala Mutante abrirá oficialmente los festejos por los cinco años de un encuentro que se consolidó como uno de los espacios más importantes para descubrir, impulsar y celebrar la música independiente nacional. En alianza con el Complejo C y Futurock, el evento tendrá lugar el miércoles 12 y contará con un concierto especial de Los Besos, proyecto liderado por la cantante, compositora y escritora Paula Trama, quienes ya formaron parte de la primera edición del festival. Con una obra que combina sensibilidad pop, folk, rock y canción latinoamericana, la banda construyó una identidad propia dentro de la escena local. Además, El Príncipe Idiota será el encargado de musicalizar la velada con un DJ set. La Gala Mutante será además el punto de partida de la edición aniversario del Festival, que este año celebrará cinco años de historia con una programación especialmente pensada para recorrer el camino construido desde su nacimiento.

Bautizado por muchos como la salvación rock y por unos cuantos otros como la peor maldición sobre sus propios creadores: Is This It es sin duda un disco que sigue dando de qué hablar por la manera en la que predispuso, y hasta condicionó, la carrera de The Strokes Por Matías Palmieri - @matiipalmierii A finales de los noventa y principios del nuevo milenio, el garage rock era desplazado por el Nü-metal, con referentes como Korn o Deftones al mando. Sus riffs rítmicos y sincopados de guitarras eléctricas distorsionadas junto a letras introspectivas se proponían encarnar las preocupaciones comunes de su generación. Sin embargo, el género rápidamente comenzó a sentirse repetitivo, dando lugar al surgimiento del post-punk revival que, en la escena musical estadounidense, fue encabezado por The Strokes. En este contexto nació el primer proyecto de la banda titulado The Modern Age. Se trató de un EP producido por Gordon Raphael y grabado bajo el sello Rough Trade. Estaba compuesto por: Last Nite, The Modern Age y Barely Legal, tres canciones que luego formarían parte de su álbum debut. El lanzamiento quebró la monotonía musical del momento y generó altas expectativas en sus oyentes con su frescura revitalizante. Liderado por un joven e inexperto Julian Casablancas que cautivó al público con su voz cruda poco intervenida, el grupo se conformaba de las guitarras de Nick Valensi y Albert Hammond Jr. fusionadas con el bajo de Nikolai Fraiture y la batería de Fabrizio Moretti, que terminó de volver perfecta aquella ecuación. Portada de New Musical Express (NME) datada el 9 de julio del 2001. A pesar de tratarse de una edición limitada, el entusiasmo mediático fue absoluto. Tuvo un impacto sin precedentes del que fue especialmente responsable la revista New Musical Express (NME) al asegurar que contaban con el sonido y la actitud necesarias para “salvar al rock”. Como resultado, RCA Records, una de las marcas discográficas más importantes de Sony Music Entertainment, les abrió sus puertas. Comenzaron así a trabajar en el disco junto a Gil Norton, productor de algunos de los últimos proyectos de Pixies y Foo Fighters. Pero no todo fue color de rosas: los resultados generaron disconformidad en los integrantes por su excesiva prolijidad que, en cierta manera, pulía la autenticidad que los caracterizaba. Las voces sin arreglos, las cuerdas saturadas, las personas yendo y viniendo del estudio de grabación, formaban parte de la esencia que deseaban transmitir. Finalmente decidieron desechar aquellos temas para reencontrarse con la mano mágica de Gordon Raphael, quien los habría entendido desde el primer momento, y que por supuesto, estuvo a la altura de las circunstancias. Con el pasar de las semanas la expectativa de la prensa no hacía más que acrecentarse. Incluso antes del estreno de su primer disco, The Strokes ya cargaba con el peso de ser la promesa del rock neoyorkino y hasta mundial. Sus intentos de desbaratar las comparaciones y redirigir la atención de ellos a su música fueron permanentes, pero lamentablemente vanos, manifestándose en sus dichos, canciones y shows. En la icónica entrevista que les hizo Nardwuar en Canadá, Julian Casablancas aseguró encontrar injusta la manera en la que habían sido retratados frente al ojo público, llegando a declarar: “Si oyera hablar de una banda así, probablemente no me gustaría; creería que son unos imbéciles. No sé, simplemente pienso que la forma de escuchar música es escucharla primero y averiguar sobre la banda después”. Podés ver esta entrevista con subtítulos en español haciendo click acá En aquel mismo encuentro, y con una sutileza impecable, el cantante manifestó múltiples veces su desencanto con aquellos periodistas que los interrogaban sin siquiera haberse detenido a escuchar el álbum: “Creo que la música es lo suficientemente buena como para que, al escucharla, transmita mucho; y entonces, todas las preguntas que surjan después serán interesantes”. Al cierre de dicha entrevista anuncia fuerte y claro: “A la gente no debería importarle The Strokes hasta que escuche nuestra música y decida por sí misma”. Is This It se lanzó oficialmente el 30 de julio del 2001 en Australia. Sin embargo, en el resto de los países tuvo lugar de forma progresiva, ya que se buscaba que el estreno coincidiera con los destinos de la gira que estaban realizando. En el caso de Latinoamérica no tuvo una fecha independiente sino que su distribución, al alinearse de manera general con la de Estados Unidos, terminó de darse por completo recién en el mes de octubre. Cuenta con once canciones que se proponen abordar la brusca transición que atraviesa un joven al convertirse en adulto, acechado por un clima de incertidumbre absoluta e inevitable. Éstas radican entre la sensación de invencibilidad y la de eterna monotonía, exponiendo la determinación de la juventud en cambiar el mundo o, en su defecto, acabar con él. Así, su temática universal lo vuelve atemporal. Inicia con Is This It que desde su introducción sorprende al oyente con una composición retrofuturista, fusionando sonidos mecánicos relacionados con la modernidad e incluyendo una calidad de audio alterada que recuerda a la radio. Los instrumentos emergen uno a uno a modo de presentación, siendo el último el bajo, que en su ausencia daría la impresión de una película sin su protagonista. Mediante el cuestionamiento de si esto es todo, de si realmente la adultez y el futuro son una construcción decepcionante, se encarga de reflejar la apatía de una generación frustrada por no ver cumplido todo aquello que le habrían prometido. Ante tal decepción, ningún placer es suficiente, temática que se aborda de lleno en The Modern Age. Con un estilo aún más volcado al rocanrol, en el que destacan particularmente los solos de guitarra y la imponente voz de Casablancas, plantea las consecuencias de pasar de la diversión al aburrimiento en un abrir y cerrar de ojos. Es este uno de los motivos por los que los jóvenes terminan recurriendo a suplementos externos, muchas veces dañinos, tal como se expone en el tercer tema del álbum titulado Soma, cuyo nombre está inspirado en la droga alucinógena y euforizante de Un mundo feliz, novela distópica de Aldous Huxley. Su rol dentro de ella es mantener a las personas sumidas en una felicidad artificial a base de ignorancia para ser controladas por el Estado. De esta manera, se promueve la evasión de la realidad y se castiga al pensamiento crítico. Si bien existen interpretaciones varias sobre el verdadero significado detrás de Barely Legal, la más acertada, considerando su letra y su contexto dentro del disco, es que habla del insaciable deseo de independencia, pero a la vez de libertad, al cumplir la mayoría de edad. En la pieza, se entremezclan la ambición de querer llevarse al mundo por delante y la desilusión de no poder hacerlo. Su estructura de estrofas repetitivas acompañadas de un puente memorable realza aquel mensaje: el anhelo por vivir el presente tratando de no descuidar al futuro, sin lograr tener éxito en ninguna de las dos. La profunda melancolía de Someday termina de hallarse en el alma de cada joven artista atrapado en la rutina de un trabajo tradicional. Forzado a crecer demasiado rápido, su protagonista opta por afianzarse a las esperanzas de que todo mejorará pronto. Su estilo pegadizo, y hasta bailable, escolta una intenso mensaje: See, alone we stand, together we fall apart / Yeah, I think I'll be alright Traducción: “Mira, solos nos mantenemos en pie; juntos, nos desmoronamos / Sí, creo que estaré bien.” Por otro lado, Alone, Together es una crítica a la epidemia de soledad presente en las grandes ciudades, que llevan a ceder contra los principios propios: He knows it's justified to kill to survive / He then, in dollars, makes more dead than alive Traducción: "Él sabe que está justificado matar para sobrevivir / Luego, genera más dinero muerto que vivo". Last Nite, séptima canción del disco, ha sabido marcar un antes y un después en la historia de la banda al consagrarse como su primer hit internacional. A través de un estribillo pegadizo en el que el vocalista demuestra su amplio rango vocal, exhibe sin miedo lo que es ser aislado e incomprendido en una sociedad que despoja a sus participantes del derecho a la objeción. La complejidad de poner las emociones en palabras reaparece en Hard To Explain que interpela con sus cortes abruptos y distintas capas sonoras, combinando la distorsión de las guitarras y voces con una batería por demás enérgica. Lejos de abstenerse de hablar de su contexto sociopolítico, The Strokes incluye New York City Cops en su álbum debut, una crítica directa y mordaz a la brutalidad policial neoyorkina. No obstante, en aquella época tuvo lugar el atentado a las Torres Gemelas, que dejó sumidos a los Estados Unidos en una conmoción enorme. Las autoridades, buscando reconstruir la confianza entre el pueblo y sus instituciones, decidieron intervenir en la versión americana del disco, reemplazando esta canción por When It Started, que si bien aborda temáticas similares al cuestionar a aquellos a los que no los interpela su realidad, su carácter metafórico acompañado de una melodía alegre le permitieron permanecer: Won't decide / but he won't debate Traducción: "No va a decidir / pero no va a debatir". Versión oficial Sin embargo, no fue ésta la única modificación a la que se lo sometió: la portada original, que consistía en la foto de una mujer desnuda con un guante de cuero tomada por Colin Lane, fue considerada demasiado sugerente y explícita para el momento que América estaba atravesando. En consecuencia, dentro de dicho continente tuvo que ser sustituida por una imagen abstracta y colorida que los miembros han descrito como un diagrama científico del Big Bang. Asimismo, se encuentran contundentes similitudes con la portada de The Nature Of Things de Bruce Bevcar. Versión americana En Trying Your Luck, Julian despliega una dulzura vocal y lírica sin precedentes dentro de la pieza. Después de tanto reprimirlo, logra por fin exponerse vulnerable frente a un otro. El ciclo culmina con Take It or Leave It, en el que se reconoce fuerte y claro como el principal responsable de su destino. Ya nadie tomará las decisiones por él, por lo que es momento de afianzar las riendas de su propia vida y aprender a lidiar con la presión de ser quien tiene el control. En definitiva, Is This It plantea una pregunta que se responde solo al finalizar el disco: si realmente esto es todo, depende de cada uno tomarlo o dejarlo. El disco debut de The Strokes sigue destilando actualidad a pesar de estar cumpliendo ya veinticinco años de su lanzamiento. En cada una de sus canciones se encuentran las vivencias de no uno, sino miles de jóvenes apesadumbrados que deben enfrentar a diario la soledad, creyéndose merecedores de aquel presunto castigo. Las presiones mediáticas incluso antes de nacer, combinadas con su contexto político poco favorable, podrían haber representado un obstáculo invencible para cualquier banda, pero no para The Strokes, que hizo de la resiliencia y la constante renovación un emblema de su música. En ella exploran sus propios límites para sobrepasarlos una y otra vez pese a las crueles críticas que acostumbran recibir. Foto tomada en diciembre del 2005 en Arenan Fryshuset, Estocolmo. Se aprecian de izquierda a derecha: Alex Turner (Arctic Monkeys), Alex Kapranos (Franz Ferdinand) y Julian Casablancas Demostración de su audacia para reinventarse de manera persistente es su nuevo trabajo Reality Awaits estrenado el pasado veinticuatro de julio. En la polémica entrevista de Nardwuar a la banda, el periodista le pregunta al líder en tono de broma si le preocupaba que Lou Reed, tras asistir a uno de sus shows, les robara algunas ideas. Sin embargo el cantante, con una madurez increíble para un muchacho de veintitantos, replicó: “No, creo que esa es la manera en la que el arte debería progresar”. Así, la banda se volvió el modelo a seguir de varias de las agrupaciones más icónicas del último siglo, entre ellas Franz Ferdinand, The Killers y Arctic Monkeys. Se han establecido como la inspiración de muchos jóvenes que crecieron junto a sus canciones, como los miles de argentinos que los esperan este año en noviembre para el Primavera Sound 2026. Is this It es una demostración directa de que nadie se encuentra solo en el mundo, y de que nunca está de más ambicionar ni preguntarse si de verdad esto es todo. Porque quizás no lo sea. Escuchá Is This It acá:

Con un repertorio totalmente renovado y nuevas versiones de sus canciones más conocidas, la celebración con su público será el Sábado 15 de agosto Emmanuel Horvilleur siempre se reinventa en cada etapa de su carrera. Sus lanzamientos y sus presentaciones en vivo siempre han sido muestra de ello. "Mi año Gótico" posee una estética cuidada y un sonido que combina elegancia, frescura y riesgo. Tiene colaboraciones de lujo como Ale Sergi, Javiera Mena, Fito Páez y Julián Kartun. Desde el lanzamiento de su último álbum, el octavo en su carrera, Horvilleur ha continuado dejando su marca en la escena musical argentina. Su legado incluye memorables presentaciones como su show sold out en el legendario estadio Obras, así como giras por todo el país y participaciones destacadas en diversos festivales de renombre. Entradas disponibles a través de Passline

En una noche con olor a historia, el artista llevó de viaje a su público por sus joyas ocultas homenajeando sus inicios Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Pateando el tablero una vez más, YSY A sorprendió a principios de julio con el anuncio de un ciclo de shows especial. Bajo el nombre de “A la gorra”, el artista propuso que sea el público quien le ponga precio y setlist a estos encuentros íntimos en el C Art Media. Así, junto a la entrada, los fans tenían la posibilidad de votar las canciones que deseaban escuchar, dándole a cada noche su unicidad. Para la ocasión, YSY se apropió del predio instalando un escenario en medio del campo, un pasillo y pantallas que imitaban la estética y la cercanía del Subte de la ciudad para llevar a su comunidad a volar, una estación a la vez como en sus comienzos donde improvisaba pasando la gorra en el transporte público. Rodeado de su público, que lo recibió eufórico, el jefe del trap argentino empezó sonriente la segunda noche de las ocho que conmemorarán las mejores joyas ocultas que lo consolidaron como tal. El ysysmo empezó haciendo retumbar el piso con Tamo Loco, Hidro y Todo de oro, con un set que llevó a todos directamente a la mansión de Antezana 247. La temperatura subía a cada minuto a la par de una sensación particular: era una noche histórica y única. Ante eso, cada persona parecía ubicarse en una misma postura. La de dejarlo todo en cada salto al igual que su ídolo. En un costado más romántico, desempolvó algunos de sus “poemas”: El amanecer, Vamo a darle, Cuánto vale hacer el amor? y el icónico y amado Pastel con Nutella, que fue cantado por todas las parejas presentes. Mordiendo el bozal, Trap on the rocks, Casi un G y Trap de verdad llevaron el movimiento en el campo al siguiente nivel, si es que eso era posible, en la marea de apasionados que protagonizaba una verdadera celebración del trap musicalizada por el máximo referente del género en el país. Esto es para todo' los que lo pidieron / Sonido nacional para el mundo entero / Trap de verdad, receta argentina “¿Quién iba a pensar que un niño de 13 años podía cambiar tanto la historia?”, rezaban las remeras disponibles en el puesto de merch que ahora eran agitadas ante los himnos fundacionales de un movimiento que fue más allá de las rimas y las bases. A esta noche se sumó El Doctor como invitado especial para En el Infierno No Los Vi, su canción en conjunto con una producción de Club Hats, quien también subió a escena. Después de un prolongado "olé olé olé" y de gritos desaforados de "TE AMO" respondidos recíprocamente, entre regalos y besos tirados en ambos sentidos, Alejo Acosta se abrió para agradecerle el amor a Buenos Aires. Quiso agradecerle por hacer que todo valga la pena. Las tardes pasando la gorra en vagones, las noches sin dormir en el estudio y cada jornada en la que creyó que sus sueños eran demasiado grandes ahora lo miraban desde lejos. Y era gracias a su gente. "Gracias por hacerme parte de sus días, por contarme que con canciones mías pueden motivarse para ir a trabajar, estudiar o entrenar” dijo antes de tocar Vuelta a la luna. El tramo final del viaje llegaba con A por todo, Full Ice y #YSYA2020 VOL.5 - Silbando cerraban una ceremonia que había hecho volar por los aires a miles de personas durante casi dos horas, literal y espiritualmente. Después de un falso final con un pequeño saludo y un apagón general de luces, Dormir es para giles cerró con una premisa importantísima para la juventud que conforma la mayor parte de su público: lo más importante no es solo estar despierto, sino también hacer que valga.