Tras dos presentaciones con entradas agotadas en Buenos Aires, el cantante presentó su último lanzamiento en el Centro Cultural Güemes Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @ sofiabulgarelli.ph Es domingo en Pichincha, y el poco movimiento parece indicar que el fin de semana llega a su fin. En una noche de domingo tranquila y estrellada, el Centro Cultural Güemes tiene sus luces prendidas y puertas abiertas. Está repleto de personas esperando desde temprano la salida al escenario de un cantante que viene desde Uruguay, tras dos exitosas noches en The Roxy , Buenos Aires, para coronar la presentación de su último lanzamiento: " La sombra en luz " . Emiliano Brancciari es la voz, la cara y, según sus propios compañeros, el motor de No Te Va Gustar . Un proyecto musical consolidado, con 30 años de trayectoria, que les permitió ser protagonistas de noches increíbles en los escenarios más grandes de Argentina y Uruguay. Sin embargo, EMI decidió emprender en paralelo un camino como solista desde 2022. Un camino que le permite explorar su costado romántico, enojado, sensible y vulnerable. Y que, además, se extiende de lo ya conocido en sus letras para “la banda de su vida” —como él mismo la define— para ir un poco más allá. Los músicos que lo acompañan entran en escena y las luces se encienden. Un grito único le da la bienvenida al escenario, al cual entra con una sonrisa y lentes puestos para no ver al público, por su vergüenza. Tocar en los estadios y festivales más importantes del país todavía no le ha sacado el pudor. “ De algún lado ”, “ Un rato más ” y "Fe en lo que yo creo" encienden la noche y a ese público que aplaude con fuerza después de cada canción. Como una propuesta a disfrutar el momento y permitirse reflexionar, llegaban, entre otras: “ De esos días ”, “ Insuperable ”, " Yo lloraré con vos " y “ Culpa ”, que hizo cantar y aplaudir a todos los presentes. Las luces, que pasaban por varios colores, se apagaron por completo. “ Esta la escribí para mi ahijado y forma parte del primer disco de No Te Va Gustar ”, expresó el cantante, presentando “Cosa Linda”, un clásico de la banda que se acopló a la perfección al repertorio del show. Subiendo la apuesta y repasando tanto su último lanzamiento como su primer disco " Cada segundo es una eternidad ", se apoderaban del escenario canciones como “ Rufían ”, “ Muerto este amor ”, “ Sirenas ” y “ Perfectos ”, dedicada a una pareja presente en el vallado. Llegando al final, anunció: “ No vamos a hacer todo eso de irnos y volver, son los últimos tres temas y espero que los disfruten. Empezamos con uno que hace mucho quería tocar ”, dijo, introduciendo “ Tarea Fina ”, de Patricio Rey y Los Redonditos de Ricota . A este clásico que sacudió al público le siguieron “ Sweet Dreams ”, de Eurythmics, y “ Korea ”, el hit indiscutido de su primer lanzamiento, que se cantó de la primera a la última fila.

La icónica banda argentina Los Piojos continúa su esperado regreso con dos shows con entradas agotadas en el Parque de la Ciudad, marcando el último capítulo antes de su gran despedida en el estadio River Plate. Desde que retomaron los escenarios en diciembre de 2024, la banda ha revivido su energía inconfundible en Cosquín Rock, Quilmes Rock, Rosario, Mendoza y Córdoba, logrando reunir a miles de fanáticos en una vuelta inolvidable. Ahora, con el público expectante, Los Piojos se preparan para dejar su huella en el Parque de la Ciudad antes del último ritual el próximo 14 de junio en River, el cual tendra una preventa exclusiva con banco Santander el 14 de mayo, y su venta general comenzara el 15 de mayo. Toda la información en: https://www.allaccess.com.ar/event/los-piojos

La cita será el sábado 4 de octubre en el Hipódromo de La Plata Entradas a la venta a través de Livepass Comprando con tarjetas Visa y MasterCard del Banco Provincia tenes 4 cuotas sin interés. Babasonicos no para de sorprender con sus shows en vivo por sus grandes puestas y enormes convocatorias tanto en Argentina, como Europa y Latinoamérica. Ahora, la banda, anuncia un nuevo show en La Plata, esta vez, a cielo abierto el sábado 4 de octubre en el Hipódromo.

Luego de su presentación en el Teatro Ópera La Plata, con localidades agotadas, Estelares anuncia un nuevo show en su ciudad Entradas a la venta por sistema Livepass   Comprando tus entradas Con tarjetas Visa y MasterCard del Banco Provincia tenés 4 cuotas sin interés. La Sala Ginastera del Teatro Argentino nuevamente recibirá a la bamda liderada por Manuel Moretti para desplegar toda su usina de canciones.   La cita será viernes 31 de octubre 21hs.

La consagrada artista argentina estrenó su esperado álbum “NO VAYAS A ATENDER CUANDO EL DEMONIO LLAMA” y lo presentará el 14 de junio en el Metropolitano Rosario PRE VENTA BANCO GALICIA jueves 15 de mayo Venta general viernes 16 de mayo a través de turboentrada.com LALI lanzó su sexto álbum de estudio, “NO VAYAS A ATENDER CUANDO EL DEMONIO LLAMA” , una explosión rockera con alma pop que marca un antes y un después en su carrera. El disco es visceral, provocador y sin concesiones. Cada track late con una energía intensa y una lírica que se anima a hablar de lo prohibido, lo oscuro y lo sensual. Más que un álbum, es una declaración artística, con una narrativa visual distópica y combativa que amplifica su mensaje. Este universo cobrará vida en el escenario con una gira conceptual e impactante, donde Lali se mostrará en su versión más cruda, intensa y auténtica. El show será una experiencia catártica, emocional y sensorial, que combina fuerza rockera con momentos íntimos y liberadores. Lali no dio respiro con sus anuncios desde que el año comenzó, y cada uno de sus movimientos fueron de un impacto artístico superador, así como lo serán sus próximos shows llevando bien al frente los nuevos temas de “NO VAYAS A ATENDER CUANDO EL DEMONIO LLAMA” . Un tour para estar muy cerca de su público y que siga creciendo esta comunión especial que los une, que trasciende el escenario y ya se convirtió en una revolución del pop.

La banda estrenó su documental en una función a puertas cerradas en Sala Beethoven Luego de su inolvidable debut en el Movistar Arena, donde repasaron los clásicos que marcaron una historia y presentaron en vivo las canciones de “Hecho en Jamaica” ante más de 12 mil personas y con una lista de invitados de lujo, la banda continúa celebrando este gran momento de su carrera.   Este jueves 8 de mayo, Nonpalidece vivió una noche especial con la avant premiere de su documental Hecho en Jamaica , en una función a puertas cerradas realizada en la Sala Beethoven. Durante la proyección, se compartió el recorrido por todo el proceso creativo que se vivió en los estudios de Kingston, Jamaica donde se registró el disco completo. La producción audiovisual muestra no solo el proceso de grabación, sino también la conexión entre Nonpalidece y la cultura jamaiquina, los invitados especiales y anécdotas. Además, muestra un viaje al interior de una banda criada con la música de la isla pero que a la vez fue a redescubrirse. El documental fue filmado en 4k y dirigido por Santiago Gallo Bluguermann , fotógrafo y amigo de la banda desde hace más de dos décadas.

Una reflexión sobre el lugar de los procesos creativos en la era de la inmediatez Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Hasta hace no tanto, lanzar un disco era un proceso largo, casi un ritual: anuncios, pistas, algunos adelantos, meses de grabación en estudio, giras de prensa, shows en vivo, presentaciones en festivales…y recién ahí, quizá, el cierre de una etapa que podía durar entre dos o tres años.  Pero, en los tiempos de TikTok –y de una retención del oyente que debe darse dentro de los primeros 3 segundos– los períodos parecen acortarse. Y lo que duraba años ahora exige durar apenas unos meses. El debate no es nuevo. Desde 2020, el tiempo se transformó en una goma elástica que cada uno estira a su manera pero que siempre, para todos, parece pasar muy rápido. Entonces los procesos artísticos, si es que se les permite seguir existiendo, parecen verse obligados a la aceleración. Y esto hasta se presenta, incluso, como una contradicción en sí misma. El mismo concepto de “proceso” parece en jaque. Según el diccionario, Proceso : • 1. nombre masculino. Acción de ir hacia delante. • 2. nombre masculino. Transcurso del tiempo. • 3. nombre masculino. Conjunto de las fases sucesivas de un fenómeno natural o de una operación artificial. Sí, un proceso es algo que avanza… ¿pero qué tan rápido? Sólo puede haber un verano brat Un buen ejemplo para reflexionar es el de Charli XCX . La cantante triunfó con “ brat ” (2024) , su último lanzamiento que la condujo a ganar premios, formar parte de uno de los festivales musicales más importantes del mundo y disparar su carrera. Sin embargo, muchas personas en redes sociales le exigen música nueva y “ que deje de explotar el mismo disco ”, que aún no cumple un año y cuya gira sigue en curso. Su mismo éxito desmedido y viral es lo que lleva a la “saturación” de las personas: que suene en todas las radios, maricotecas, marchas y playlists. Haber visto su nombre, su color y su formato en todos lados pide un cambio de página. En esta misma línea, ella misma es consciente de que debe reinventarse, moverse. Si no lo hace, todo el esfuerzo que le permitió estar en boca de todos y cantando sobre los mejores escenarios se ve amenazado. Por eso, apostó por su propuesta invitando a colegas como Lorde , Troye Sivan y Billie Eilish a hacer nuevas versiones de sus canciones en las ediciones deluxe de “ brat ”, que salieron algunos meses después. Elevando así su proyecto y brindándole al público lo que consideraba que quería o que podría gustarle e intentando respetar su visión artística en el camino. Además, decidió darle visibilidad a otros proyectos en el escenario de Coachella , no sin antes detenerse a reflexionar sobre este fenómeno, entre el chiste y la defensa propia. “ Tal vez es momento para otro tipo de verano, tal vez es momento para mí de dejar ir ”, sugería en las enormes pantallas. Refiriéndose a un disco que sigue de gira, pero ya debe “dejarle paso” a lo siguiente. “Despidiendo” así al “verano brat”, como se había bautizado a la época de lanzamiento y auge del mismo, pero también al concepto dual encerrado en el disco: una combinación entre la seguridad de sí misma y las inseguridades a flor de piel. Con ese mismo concepto juega, se ríe y se lamenta a la vez, a través de este mensaje y del último cambio en la portada del disco en las plataformas digitales: el cuadrado verde fluorescente ahora se muestra con sus puntas oxidadas y el nombre tachado, dando la imagen de que el tiempo pasó. En un mundo atolondrado que la arrastra y que le hace sentir todo el tiempo que su turno ya pasó, se ve en la obligación de poner ella misma un fin a su momento de éxito antes de que el resto lo haga. ¿Realmente se quiere música rápido? Pareciera que vivimos en un momento donde el proceso artístico —el explorarse, (des)encontrarse, equivocarse, darle forma a algunas canciones y conceptos, arrepentirse, borrarlas y volver a empezar— no es algo que los artistas puedan permitirse. Se les pasa la estación del año, el mes, el día, la hora exacta para el posteo perfecto en Instagram, para el challenge de TikTok, o la oportunidad de presentar el single en el festival más importante. A pesar de lo valioso que se considera que la música nueva sea diferente a todo lo escuchado antes, que la letra sea profunda y sincera, al mismo tiempo se espera que llegue más rápido que nunca. Es como si nadie pudiera escapar: desde las grandes pop stars hasta los artistas locales en crecimiento; todos, en mayor o menor medida, sienten que si no es ahora, no es nunca. Y que, segundo a segundo, están perdiendo una oportunidad. Ya sea por no sacar una nueva canción o por no subirse a una nueva tendencia que tal vez les iba a dar más views, que podrían transformarse en oyentes. Y sobre todo, son creativos. Necesitan tiempo para dejarse llevar por su proceso y hacer canciones con alma. Para que eso que lanzan no sea una copia de su última canción con ligeros cambios. Porque después esa manera de hacer música también genera rechazo y una catarata de críticas. Entonces, ¿se quiere música rápido o se quiere música original? Aprender a habitar lo que ya está Quizás esta sea una oportunidad como oyentes de pisar el freno y hacer que el tiempo pase más lento. De revisar los discos anteriores, los singles perdidos, las colaboraciones que se escucharon poco. Ahí se puede encontrar mucho de ese artista que seguro no se tiene tan fresco. También es una oportunidad de viajar al interior de uno mismo y de permitirse un proceso. Un proceso de entender qué pasó ahí con esa música y por qué se desea más. De darle lugar a las voces que se despertaron con esas letras, en lugar de querer callarlas con otras nuevas. En el espacio entre disco y disco también puede haber vida, convirtiéndose en un lugar para encontrarse con uno mismo. Y para que los artistas también lo hagan. Para que viajen hacia adentro y puedan hacer nuevas reflexiones que traduzcan sentimientos en las nuevas canciones favoritas. Para que disfruten de los resultados del esfuerzo que hicieron —mental, físico y económico— por tantos años. Para que se encuentren con su obra en la calle, cambiando la vida de miles de personas.  Para tocar en vivo, llevar la propuesta artística a los escenarios con su público. A todos los que quieran y puedan, porque los escenarios de festival no siempre son los más valiosos. ¿Quién no ha deseado voces externas que sigan poniendo en palabras lo que uno siente, cuando ya se vuelve violento habitar lo que las canciones anteriores desataron adentro? Lo que se puede hacer es aprender a habitarlas. Y sobre todo, a celebrar que tenemos a alguien que pone en palabras todo lo que sentimos. ¿No son justamente esos procesos de los que salen las mejores canciones?

Cómo parte del ciclo Noches Capitales, la banda ícono del rock latinoamericano celebrará cuatro décadas junto a sus fans Entradas ya a la venta en Livepass Después de casi 20 años, la banda vuelve a La Plata para celebrar su 40° aniversario En una noche única que tendrá lugar en el Hipódromo de La Plata el próximo 13 de Septiembre para revivir la carrera legendaria que los consagró como iconos del rock latinoamericano.

La artista fusiona folk, grunge y rock en una propuesta honesta y personal. Fotos: Zoe Burgos - @ph.zoeb El pasado miércoles 30 de abril, la artista mendocina radicada en Buenos Aires se reunió con la prensa para un show acústico y la presentación de los videoclips oficiales de su nuevo proyecto, el EP Alma Atada . En este nuevo material, que consolida su madurez musical y lírica, abre su corazón por completo para introducir al oyente en un universo de sensibilidad, inseguridades, desamor e intimidad. Con una propuesta honesta e íntima, el proyecto fusiona folk, grunge y rock en 4 canciones. Podés escuchar Alma Atada acá:

Una lectura sobre la narrativa lírica del último lanzamiento de la cantante indie. Por Candela Unzaga - @candenzg El pasado miércoles 23 de abril, Blair lanzó su segundo proyecto: Bar Scorpios . La llegada del mismo fue fervientemente esperada por sus seguidores. La artista ya había adelantado dos de las canciones que componen el trabajo final; " Todo lo que tengo ” y " Carne viva" , la cual cuenta con un invitado más que pertinente, Dillom . Mediante sus redes sociales, Blair fue progresivamente adelantando el universo que presentaría en este proyecto, jugando con sus fans, alentándolos a participar de la puesta en escena. Tal es así, que el tracklist  fue revelado a través de una búsqueda del tesoro en la ciudad de Buenos Aires en la que participaron sus fieles recolectando por los alrededores de ciertas Iglesias dispersas por distintos puntos de la ciudad y de esta manera, en conjunto, develaron la lista de temas que compondrían finalmente Bar Scorpios.  En este segundo disco, vemos una clara maduración en el proceso compositivo, tanto del lírico como sonoro de parte de la cantautora y sus colaboradores. Este proyecto, al igual que todos sus trabajos, tuvo la colaboración de Dante Saulino , productor y director músical, quien está acreditado como compositor en todas las piezas del álbum. En esta ocasión se suma al ya establecido dúo Nico Cotton , reconocido productor argentino, quien ha trabajado con artistas del calibre de María Becerra, Morat y Miranda!.  El universo de Bar Scorpios En la descripción de Blair en su perfil de Spotify, podemos leer que se le llama erudita de la literatura, y con este trabajo se figura más cerca de este título autoproclamado. En su primer álbum Llorando en la fiesta , vemos una fuerte presencia de sus influyentes, de aquellos artistas u obras que nutren su propia propuesta. En Bar Scorpios , la evocación de aquellos nutrientes no viene de la mano de la cita explícita, sino de la incorporación de recursos, temas, e incluso tonos, que permiten percibir un producto final mucho más homogéneo que su predecesor. Parte de esta incorporación prolija de las influencias son las colaboraciones que condecoran la producción: Mariana Enriquez , Dillom y Santiago Motorizado .  El trabajo propone al oyente un universo construido a partir de soportes literarios, sonoros y audiovisuales. De esta manera, cuenta la trágica historia de una jóven huérfana, alojada en un recinto cristiano criada por monjas, curas, Dios y sí misma. La artista nombró al personaje Teresa y si bien dicho nombre no fue sumado en las letras de las canciones, lo compartió en sus redes sociales, para sumar a la experiencia de escucha de sus seguidores y a la construcción narrativa. En un contexto de encierro, aislada de la sociedad y de sus pares, padece el duro proceso de convertirse en un adulto y en sí misma. Se desencuentra con la certeza que articulaba su vida, Dios, y por ende padece una crisis de fe y existencial que la lleva a no poder retener más dentro de sí todo el dolor que contuvo durante su vida. Lo relata en un tono lúgubre y oscuro, que podría remitirnos a las antiguas capillas, a los santos de antaño, a las estampitas en el ropero de la abuela. La vida de Teresa A pesar de declararse sola desde un inicio, Teresa recorre su camino con un compañero conflictivo; Dios. En la primera canción , nos presentan a la protagonista, el yo lírico, quien de lo único que sabemos en este momento es que está sola, siempre lo estuvo y está segura de que así morirá. Lo repite una y otra vez como un salmo. Una sentencia, un pedido de ayuda, una certeza.  En “ Todo lo que tengo ", el primer single lanzado de esta era, Teresa expresa cómo se siente respecto a la soledad que ya presentó en la intro. Cómo vive encerrada, cómo está condenada a abrazarse y tocarse a sí misma. Es su única fuente de amor, placer y compañía. Mas sospecha que hay algo afuera, a pesar de que quienes la cuidan le marquen un peligro. Podemos entrever su tendencia al autoflagelo. Inmediatamente establecemos un lazo con el álbum debut de Blair, Llorando en la fiesta ; la voz que en un primer trabajo nos contaba cómo bailaba con su sombra, hoy nos exclama que la dinámica le rompió los huesos. En los visuales vemos a Teresa bailando en su capilla, entretenida, pero buscando una salida. Quien, sin embargo, custodia todo es Dios, pues esta no es la casa de Teresa, es la suya.  Para el segundo tema comenzamos a ver cómo el yo lírico describe lo que en una primera escucha, debido a la segunda persona del singular, uno podría interpretar como un desencuentro amoroso. No obstante, el reproche parece ser para Dios. Teresa le reclama a este amado, Dios o no, que ya no lo va adorar como una figura sacra, porque está cansada de que su relación no sea recíproca. Aunque le ofrezca todo de sí, ya no hay más amor, y parece haber mejores fieles. La dualidad de la tensión Dios-amante hacen más que interpelar al oyente al evocar un sentimiento conocido, sino que lo sitúan en una dinámica que lo ayudará a comprender la continuación del relato. El oyente empieza a suponer que Teresa no va actuar como lo haría uno en su lugar, por su tendencia clara a la violencia, tanto consigo misma como para con otros. De esta manera, llega el planteo de sus propias dinámicas en “ Dejar de ser yo ". El desprecio por ella misma y la tortura que le implica experimentar el mundo desde la piel y el contexto que le ha tocado.  A pesar de su rabia, de su frustración, no puede evitar el duelo de crecer y desprenderse de su pasado y ella misma. El amor de su madre, de otros, de Dios, no hace otra cosa que escapársele. Imagina cómo sería ocupar el lugar de aquellos que le niegan el amor. Se cuestiona sobre las experiencias ajenas, cómo otros humanos perciben y viven la realidad. Y aunque se distancie de Dios le pide el último favor; no ser ella misma. Bien sabemos que la salida de uno mismo es única, y ese camino es el que toma Teresa.  Abandona su casa, su capilla sacra, en “ Intenté salvar a Dios ”. Inicia un fuego pero Dios no realiza ningún milagro en respuesta, el ruego que deviene en reclamo y luego en provocación no es escuchado. Deja atrás todo lo que conoce y es, para salir a buscar-se. Da cuenta de que no encuentra otra salida, tiene que matar a Dios, le revoca sus plegarias. Nos expone cómo su plan resulta tal cual lo buscado; se está despersonalizando. Ya no reza pidiendo piedad para sí misma, es un caso perdido. Se dirige a lo que suponemos es el Bar Scorpios.  El camino hacia la oscuridad A continuación escuchamos la primera voz ajena, la de Mariana Enriquez, célebre cuentista de terror argentina, quien toma la voz de Teresa para adentrarnos en un diario íntimo que escribe la joven, mientras entre recortes oímos una segunda voz distorsionada, extraña. El relato es transparente y continúa construyendo lo que el oyente ya percibe; la duda en su fe y, por ende, en la realidad. Nos cuenta de tentaciones que la provocan y cómo ellas huyen a esconderse en un bar al final de la calle. La clave en esta pieza es el tono confesional, que posiciona al oyente en el lugar de cura párroco. La evocación de los cuentos de Enriquez le permite a Blair construir con más fuerza el final que prepara desde la introducción y, a su vez, reforzar la atmósfera de horrores que se aproximan. Además, la ancla a una tradición literaria local, emparenta a Teresa con los protagonistas del terror argentino, la enriquecen.  Inmediatamente, nos encontramos con la segunda colaboración, la cual fue elegida como segundo single de Bar Scorpios. Nos introduce otro personaje, quien asumimos Teresa conoce en este bar; Jim . Los artistas en conjunto ponen en diálogo sus trabajos, Por Cesárea y Bar Scorpios, los cuales presentan jóvenes en la búsqueda de respuestas respecto al destino, a su camino de vida. Ambos nos proponen un camino de abandono del pasado y sus determinaciones y, a la vez, encuentran una misma salida; la muerte. Jim y Teresa se funden en una pelea mútua que habita los límites de lo érotico-gore. El dolor ajeno les genera placer y atentan con el otro para encontrarlo. Teresa es la ganadora de este duelo por respuestas, acaba con la fantasía y su vida.  En esta canción los personajes son muy claros, no hay espacio para la sospecha o las sutilezas, la intención es herir al otro, manipular su cuerpo y arrebatarle la vida, el control absoluto. Es la única canción en evocar al enemigo divino, el Diablo, el yo-lírico es consciente que lo invoca al nombrarlo, pero de todas maneras lo hace, finalmente traiciona a Dios. Para continuar nos trae “ Padre muerto ”, cuya letra es bastante simple, mas se mece entre dos acepciones de la palabra padre; el progenitor y el cura párroco. Cuál sea la decantación que prefiera el oyente, Teresa le desea la muerte. El tono es más lúdico que las canciones previas, dando a entender que ejercer  el dolor y liberarse del mismo, le otorga liviandad a su experiencia. La idea de un padre muerto le divierte, desear el mal e infringirlo ya no le pesa.   En el tema homónimo , se anuncia la premonición de que algo va a salir. El deseo de lastimar a otros se reitera, el odio por ella misma, por lo que es y en lo que se convirtió corona la canción. Desesperada busca instrucciones, una escuela que le enseñe cómo vivir la institución que cumplía ese rol en su vida, la Iglesia, ya fracasó. Condensa con sencillez el espíritu del álbum.  A pesar de haber logrado huir de su capilla, Teresa no encontró compañía en el exterior. Junto a Santiago Motorizado, en “ Hombre Roto ”, asegura que la vida se le va en excesos. Al no poder amigarse con ella misma, busca consuelo en los sueños ajenos, en lo que perciban de ella. Bar Scorpios la contiene, ella lo habita, pero ya no alcanza. La soledad cobra entidad, es una amiga. Nuevamente disloca la escena de la confesión, poniendo al bartender en el lugar del cura, ahora la abraza el alcohol, no Dios. La participación de Santiago Motorizado, quien no acarrea consigo un universo oscuro como los trabajos de Enriquez y Dillom, trae un paño de ternura sobre la construcción de Teresa. Te recuerda, por un momento, que es una muchacha de veintidós años, sola y ahogada en dolor.  Un desenlace trágico En “ Nunca lo van a entender ”, la protagonista queda completamente cegada por el impulso de lastimar a otros. La melancolía de la canción anterior se pierde, armando un sube y baja que ilustra lo tormentoso de su mente y de su experiencia. Ya no está intentando retener los impulsos, no quiere suprimirse más. Vaga buscando víctimas, aquello que habitaba su interior galopa hacia el mundo que la circunda. De esta manera, sentencia su final, y con el suyo el de otros. Asegura que verán su cara finalmente. En este tema en particular encontramos el primer indicio de una búsqueda de un mañana sin un yo, dejando el escenario preparado para la conclusión. “ Mañana hablarán de mí ” nos trae el final de Teresa, el final de la historia. La premonición que nos viene anunciando desde el inicio. La protagonista acaba con su propia vida, colgándose en las campanas de una Iglesia. Sostiene que tiene que hacerse cargo de los males causados, de las heridas infringidas y las vidas interrumpidas. Una culpa cristiana hasta el final de sus días. Como final, para la outro , continúa con la introducción y la titula de igual manera. Esta vez, en cambio, no hay voz, no hay letra, pero la música continúa. La ausencia de Teresa le recuerda al oyente que sí hay historia después de la muerte, el mundo no se detiene con su muerte. La huída de la vida solo implica no vivir, como no ser uno implica no ser en absoluto, y la única atada a este destino es Teresa. De esta manera concluye las trece piezas que componen Bar Scorpios , sin voz. El número de tracks elegidos no parece ser casual, ya que la artista ha compartido varias veces que su número favorito es el trece, siendo una clara inspiración para ello Taylor Swift. De quien, a pesar de no tener claras referencias, podemos ver su influencia a la hora de construir un universo y una narrativa.  El sabor amargo que deja el álbum al finalizar nos trae al mundo que a nosotros nos circunda, en el cual abunda la violencia, las historias amargas, los abandonados por Dios y por la sociedad. Del cual, como generación, nos preguntamos cómo salir y dejar de atender a sus lógicas. La soledad, el maltrato, la ausencia de contención condenan todos los días a fieles de esta realidad como Teresa a su final. El oyente, como la protagonista, se cuestiona, si Dios tendrá la respuesta o tendremos también que salir a buscarla a la calle, corriendo el riesgo de hacernos cargo de los estragos que nos cueste.  Podés escuchar Bar Scorpios acá:

La banda liderada por Patricio Santos Fontanet, arrancó el 2025 con una agenda cargada de proyectos, entre ellos, una gira por Argentina. Entradas disponibles en TurboEntrada , Mitre 737 y boletería de Metropolitano Luego de dos fechas históricas en el Estadio All Boys, la banda anunció una nueva presentación en la ciudad. Las primeras 200 entradas, que ya se encuentran a la venta, recibirán de regalo el CD «Flor de Ceibo«.

Un regreso que no se trata solo de la música, sino que refleja una vez más su capacidad para atravesar generaciones Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Nos vamos para Rosario El ritual piojoso ---como la mayoría de los recitales--- empezaba muchas horas antes del horario definido en las entradas para la cita en el Hipódromo de Rosario, que se encontraban agotadas hace semanas. Desde temprano en la mañana del sábado 26 de abril, partían colectivos de empresas privadas, combis organizadas y autos particulares rumbo a la cuna de la bandera, para vivir uno de los últimos encuentros tras el regreso y la inminente despedida de la mítica banda en diciembre de 2024. Murga que cruza la ciudad Alrededor de las 12 del mediodía, empezaban a llegar las caravanas al Monumento Nacional a la Bandera. La cuenta oficial de la banda en Instagram anunciaba: " Les dejamos unas púas por acá ", con un video del lugar tomado desde un dron. Entre mates, fernets, perritos y banderas de colores flameando, comenzaba la búsqueda. Las primeras púas aparecían en manos de niños, adolescentes y cuarentones. Los Piojos atraviesan generaciones, gracias a su capacidad y atrevimiento para retratar las vivencias argentinas, lo que les ha permitido perdurar a lo largo de los años. La expedición continuaba, con colectivos y autos que no paraban de llegar y estacionar en la zona. Amigos se encontraban, se abrazaban, se sacaban fotos. Gente desconocida compartía las pistas que la banda había compartido en redes sociales, se ayudaban y hasta se invitaban a almorzar. El ritual ya había empezado desde la ruta y esta era sólo una escena más de su inicio. La zona del Monumento se colmaba de piojosos. Y así los campings y las zonas aledañas al show. Cada sector se inundaba de banderas con nombres de ciudades, piojos y colores diferentes. Las horas pasaban y los grupos acercaban cada vez más al Parque Independencia, repleto de remeras, banderas, gorros y comidas a la venta en puestos que musicalizaban la tarde al ritmo de Los Piojos. Ya pasadas las 17, las puertas finalmente se abrieron y algunos ingresaban para tener acceso al vallado. Muchos otros seguían la fiesta afuera bailando, tomando y cantando las pocas horas que los separaban de la vuelta de la banda a la ciudad tras 16 años. Al llegar las 20, el Hipódromo ya contaba con más de la mitad de su capacidad ocupada y, aunque el viento soplaba fuerte, la temperatura no paraba de aumentar. El rosarino Chino Zurcher fue el responsable de abrir la noche con su propuesta acústica que, al igual que la banda principal, intenta ponerle palabras a la realidad local. El público aplaudía y respetaba su propuesta a la espera emocionada de la banda de El Palomar. "Vamos Los Piojos", coreaba el Hipódromo al unísono en cada silencio que se producía. Y digo: Fuera dolor " Llevátelo " fue la responsable de abrir la noche y explotó en cada corazón que la cantó a los gritos. " Y digo: Fuera de aquí/Fuera, dolor/No quiero tenerte/Llevátelo" El recital comienza oficialmente a descagar las tensiones de cada uno después de cantar esta canción. " María y José " y " Desde Lejos No Se Ve " fueron la continuación de una noche colmada de emociones. Viajes en el tiempo directo a los '90, niños que vivían las canciones con el mismo sentimiento de sus padres, adolescentes y veinteañeros que no pueden negar el impacto de esas canciones que escucharon siempre en la radio con las palabras justas para retratar una realidad que parece repetirse cada unos años. " Bicho de ciudad " y " Difícil " irrumpen en el pogo imparable para respirar y darle espacio a la nostalgia de otras maneras pero sin perder la emoción. Las banderas flameaban al ritmo de dos de la canciones más emotivas de la noche, mientras muchos se subían a los hombros de sus amigos para cantar junto a la banda. Soy el Unbekannt, nadie sabe de mí Desde su regreso en diciembre del año pasado, la banda se esfuerza en brindar un show diferente para cada ritual, cambiando órden de las canciones y dándole lugar a algunas que llevan años sin sonar en vivo y se mantienen como la ilusión de los piojosos más fieles. " Unbekannt " cumple esa función en esta noche de sábado. Aparece para sorpresa de muchos -otros la habían escuchado en la prueba de sonido un día antes- y se disfruta de principio a fin. " Luz de márfil " y " Vine hasta aquí " sumergieron al público en una mezcla de emoción, nostalgia y saltos expandidos desde el centro hacia todas las direcciones del predio. Los muchachos y las nenas a la carga otra vez Otra costumbre en este regreso se trata de compartirlo con la familia. Tanto abajo como arriba del escenario. Miles de padres llevan a sus hijos, que oscilan entre los 2 y los 35 años. La banda, por su lado, genera un momento emotivo que consta de " Verano del '92 " en compañía de sus hijos y sobrinos en la percusión, dirigidos por el baterista Dani Buira. En esta ocasión, sin embargo, prepararon un momento más especial. Brindando un momento inolvidable, Alejandro Ciro Martínez, Caetano Buira y Danilo Fernández, los hijos adolescentes de Ciro, Dani y Pity agarran el volante de la noche y la dirigen a la perfección haciendo enloquecer a todos los presentes con su versión de " Pistol as". Te vas sin zapatillas pero no te vas solo Andrés Ciro Martínez se despide del escenario, dejando una atmósfera cargada de emoción. Es el turno de Pity, que toma el espacio central para interpretar "Entrando en tu ciudad" . "Esta canción la escribí viniendo a esta hermosa ciudad, se los quería compartir", comenta antes de interpretarla. Las luces se apagan, Juan Cucchiarelli se convierte en el protagonista. Con su sólo de teclado, las primeras notas de "Ruleta"  comienzan a sonar, inmediatamente reconocibles por todos los presentes. En las pantallas, un video emotivo empieza a recorrer el camino de la banda desde sus comienzos. Los recuerdos empiezan a aflorar en los presentes. " Yo estuve ahí ", " Eso creo que es River ", " ¿Te acordás de ese día? ", se escucha en susurros. Tus colores renuevan la suerte La banda entera vuelve al escenario acompañados de una ovación general. Otro folklore de la vuelta está por comenzar, en forma de un homenaje sentido tanto arriba como abajo del escenario. " Sudestada " es de las pocas canciones con asistencia perfecta desde el primer Estadio Único. Cada vez, la canción oficia de ofrenda a Gustavo "Tavo" Kupinski ---el guitarrista de la banda que falleció en 2011--- y su hermano es invitado para interpretarla. Además, cada integrante se acerca al micrófono y recita un fragmento de la letra, entregándose por completo a recordar a su compañero de banda. " Te diría ", enganchada con " Qué decís " y " Taxi Boy " funcionan como una combinación explosiva que renueva la energía de un público que se deja atravesar por esta experiencia única e irrepetible desde el principio. Nada nos detiene, ninguna ciudad " Ay Ay Ay ", inserta una bocanada de nostalgia en el aire, como un viaje en el tiempo que teletransporta a todos a la primera vez que las manos se alzaron para aplaudir y moverlas a ambos lados en sincronía con el líder de la banda. Esta vieja costumbre piojosa, que sigue vigente aún en 2025, brinda la oportunidad a los nuevos piojosos de sentirse parte de la historia. " Cancheros " expande la energía del momento, remontando al primer disco de la banda, con su impronta rebelde que marcaba el inicio de todo. Los locos cantan su canción y aplauden "Esta es para los que ya no están, pero están", anunció Ciro, visiblemente conmovido. Fue la segunda vez que " Muy despacito " sonó en los nuevos rituales. Desde su comienzo, el desgarrador relato arrancó lágrimas a todos los presentes que acompañaban con sus voces entrecortadas y sus aplausos al cantante. Señores mayores de cuarenta se tocaban el pecho y se permitían, quizá por tercera vez en la vida, llorar a moco tendido. No te sorprenda volverme a ver " Tan solo " y " Es sólo Rock & Roll "---cover de The Rolling Stones--- equilibraban la energía y habilitan rondas en todos los sectores del campo, que no paraba de saltar y cantar con dos clásicos indiscutibles. " Genius " y " Cómo alí " redoblaban la apuesta hitera y daban la sensación de que la noche empezaba a llegar a su fin. Sin embargo, " Ruleta ", " Pacífico " y " Morella " inauguraban un momento cargado de emoción y felicidad en los rostros de grandes y chicos, que celebraban cada canción como un gol entre miradas cómplices, abrazos y saltos. "Muevelo" brillaba con su característico y simpático ritmo que se extendía para presentar a cada miembro de la banda, cada uno en un solo que hacía brillar su talento al máximo mientras el público no paraba de aplaudir. " Vamos a tocar el último tema de la noche ", anunciaba Ciro iniciando su clásico juego de "sí" y "no" junto a la gente que avanzaba hacia su punto cúlmine y finalizaba con " El Farolito ". Muchas personas empezaban a irse, creyendo en la palabra del cantante al anunciarla como última canción. " Un mundo cruel/Una noche cruel/Una ciudad dormida/y sin sueños" , comenzó a cantar provocando el regreso de muchos. El pogo explotaba, el inminente final se acercaba y había que disfrutarlo hasta el final. Las banderas flameaban cada vez más y comenzaban a acercarse hacia la valla. Nada más vaciá tu vaso antes del fin " Finale " se hacía presente, como en cada ritual, para comenzar a leer las banderas y reconocer a cada una y sus kilómetros recorridos para formar parte de la experiencia y compartirla entre amigos, familia y, por supuesto, con la banda. El escenario prácticamente no puede verse de la cantidad de trapos. " Rosario. San Nicolás. José C Paz. Sáenz Peña. Merlo. Córdoba. Lomas. " Se escucha en las voces de Pity y Ciro. Así parece despedirse la banda en su único y último ritual rosarino de este regreso tan esperado y celebrado por fanáticos de todo el país y todas las generaciones. Un regreso que no se trata solo de la música, sino que significa la vuelta de un espacio para cantarle a la injusticia, la cruda realidad, el dolor, el amor y la amistad. Con las luces apagadas y el saludo de todos los miembros realizado, el ritual llegó a su fin. Pero el cantante, fiel a sus raíces, no puede abandonar el escenario sin tocar el Himno Nacional con su armónica estremeciendo a todos los presentes. Un último gesto de gratitud y orgullo por su público y su país.