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En una noche de emoción y entrega absoluta, la banda recorrió su último lanzamiento y sus clásicos indiscutidos Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph En una noche de sábado fresquita y estrellada, los grupos más diversos muestran sus tickets en la entrada del Anfiteatro Humberto de Nito , que ya está acostumbrado a ser la sede de los recitales más mágicos que tienen lugar en Rosario y cuya excepción no iba a ser esta noche. Así, familia enteras, niños con carteles, parejitas y grupos de amigos con pilusos, remeras compartidas y banderas ingresaban lentamente con la alegría que solo puede darte ser un poco consciente de lo que estás por vivir. El Plan de La Mariposa es actualmente una de las bandas nacionales que más ha logrado construir una conexión energética y espiritual con su público única a través de sus letras que abarcan mucho más que el amor y el desamor, dándole lugar a la sensibilidad, a los duelos, al amor propio y a las luchas sociales con una apuesta musical ambiciosa que incluye sonidos poco comunes para una banda de pop rock, como es el violín. Antes de dar por comenzado el ritual, con el recinto prácticamente lleno, Los Bardos deleitaron con canciones propias y algunas sorpresas que el público acompañó con enérgicos aplausos. Las luces se apagaron por completo y la banda ingresó bañada en luces amarillas junto a los primeros acordes de " Serenata de Una Ruta Larga ", iniciando así la presentación oficial de su último lanzamiento " Correntada " en Rosario. Para continuar, " La Concentración ", " Túnel de La Vida " y " Un Mal Delito Entre Confiar o Morir " elevaron la apuesta. " Mar Argentino ", " Gigante " y " Cuchillos y Escudos " protagonizaron un momento perfecto de mixtura entre los grandes clásicos y los nuevos favoritos que fueron cantados de principio a fin, brindando un recibimiento especial al nuevo material de la banda. Como introducción de uno de sus hits, Sebastián , el vocalista principal compartió una reflexión: "A veces pasa que de repente estás muy seguro de algo y en una charla vas con todos tus argumentos y después te empezás a dar cuenta de que no, no iba por ahí. Esos momentos son lindos, a veces se dan a la noche, porque las noches están buenas para encontrar la verdad". "Al otro día se puede olvidar, pero esta noche si podes y me haces el favor ¡Abrime los ojos! , finalizó introcuciendo la canción con ese nombre. Acompañando la emoción continuaron con " Savia " y " La Vida Cura" , para cerrar con " Es Por Ahí " un nuevo hit que emocionó y conectó con todos los presentes. " Entregar para sentirme vivo/La fuerza de creer, que es por ahí ", cantaban junto a 5000 personas con las que compartían mucho más que espacio físico. "S i en tus ojos puedo ver los míos/Si nos unen enormes ríos/Algo inevitable y transparente/Vulnerable a este mundo herido " continúa la letra de lo que parece instalarse como el nuevo himno de la banda a menos de un año de su salida, condensando la conexión inigualable que han logrado con su público alrededor del mundo. " Oro de Abeja ", " Gas Pimienta y a Brindar ", " Navegantes ", " Dale Angelito " y  " El Ángel del 152 " subieron la energía pasando de la emoción a los energéticos saltos de la primera a la última fila. "Cómo Decir Que No" aumentó esa energía, siendo uno de las canciones más conocidas. AL finalizar, las luces bajaron y la banda comenzaba a despedirse. " Han sido muy amables, muy generosos esta noche ", afirmó Sebastián tras presentar y agradecer a todo el equipo tanto arriba del escenario como detrás de escena. " La estoy pasando tan bien que no quiero que se termine. Ustedes, ¿cómo la están pasando? Quiero que levanten la mano los que están viendo a El Plan por primera vez ", indagó Camila , la voz femenina y la única mujer del grupo. Más de la mitad del recinto levantó sus manos fervientemente y destató una alegría que animó a la banda a terminar su show con una sonrisa tatuada. Esa ovación llegó como una confirmación de que es por ah í, tras años de trabajo arduo y una consolidación de su identidad indiscutida, hoy son protagonistas de un presente exitoso que está traducido en esos gestos de amor y entrega de la gente, más allá de los números, las reproducciones, los estadios y las giras internacionales. " Abrazame ", " Pulpo ", " Incandescente " y " Romance Con El Desapego " anunciaban el final, uno colmado de baile, gritos y sonrisas que, como acustumbran, estuvo a cargo de su significativo hit " El Riesgo ".

"Cada vez que tengan que elegir comprar una entrada, agradezco que sea una banda independiente", sostuvo Recanati Crónica: N. Fernández - @anyerfotografia Fotos: Augusto Rodríguez - @elpibedelsombrero El pasado viernes 28 de marzo, Lucy Patané y Barbi Recanati llevaron su música y su inigualable energía al emblemático espacio cultural El Padilla , ubicado en el corazón de Temperley. Abriendo el show y acompañada por su banda, compuesta por lo que ella misma denominó “conurbanos reales”, Lucy inauguró una noche inolvidable con “ Glitter Negro ”, la canción que abre su álbum más reciente, " Hija de ruta ". Este inicio, cargado de electrizante vitalidad, marcó el tono para el resto del show. Tras esta introducción, la cantante continuó con un setlist que exploró diversos matices de su estilo, pasando por temas como “ Lo caro ”, “ La maldad ” y “ Hoteles de fuego ”, donde el público no se contuvo y coreó cada verso. Más tarde llegaron “ Ya no quedan ” y “ Un domingo ”, ambas piezas de su disco homónimo. Estas canciones trajeron un aire de nostalgia y fuerza emocional, mientras la conexión entre la banda y el público se volvía cada vez más profunda. Antes de dar paso a la próxima artista de la noche, Lucy tomó el micrófono para compartir una reflexión que resonó en el ambiente. “ Tocábamos en los mismos sótanos podridos y hoy nos pusimos de acuerdo para venir y hacer un fechón en Temperley ”, declaró, arrancando los aplausos de la audiencia. El momento más eufórico de la noche llegó con “ Vinieron a buscar la paga ”, un tema que comparte con Marttein , y a pesar de compartir la misma intensidad que el resto del repertorio, desató un pogo en el centro de la sala. Seguidamente, canciones como “ Las dudas y las deudas ”, “ Ustedes ” y “ Clavícula ” llevaron al público a un viaje introspectivo y catártico. En un giro inesperado, sorprendió al público con una versión pura de rock de “ Llorando se fue ”, el clásico de Los Kjarkas , que hizo vibrar las paredes del Padilla y demostró su capacidad para reinventar clásicos desde su propia perspectiva musical. Luego, presentó “ Vecindario ” como una canción “ conurbánica y lesbiana ”, consolidando su identidad y la temática que atraviesa su obra. Casi al final del show, interpretó “ Bukakke ” y cerró su energético repertorio con “ En toneles ”, dejando a todos con ganas de más. Fue una noche que celebró no solo la música y el talento, sino también la camaradería de artistas que, fieles a sus raíces, comparten escenarios y pasión por la cultura del rock independiente. Así, la presentación no solo reafirmó su lugar como una de las voces más genuinas del circuito musical actual, sino que también dejó en claro que el conurbano sigue siendo un motor vital de creatividad y resistencia cultural. La atmósfera fue tomada por Barbi Recanati y su banda, esta vez Lucy Patané volvió a subir al escenario tomando el rol de bajista. Abrió su show con “ Los demás ”, dejando en claro desde el primer acorde la energía que sería el hilo conductor de este bloque. La intensidad se mantuvo con “ Que no ”, una canción que hizo que el público continuara los coros con entusiasmo. Canciones como “ Este lugar ”, “ En la frente ” y “ Lo que queda ” mostraron su versatilidad y su habilidad para combinar letras profundas con melodías contundentes. “ Caja de cristal ” marcó un momento de introspección en el que la artista reflexionó sobre los cambios a lo largo de los años: “ Lo que más cambió no son nuestras carreras o nuestra música, sino ustedes ”, expresó, haciendo un guiño cómplice a la audiencia. El romanticismo y la sensibilidad llegaron con “ Para darte ” y “ Los días que no estás ”, esta última una pieza que usualmente interpreta junto a Paula Trama, quien no pudo estar presente. La intensidad volvió a subir con “ Fin del mundo ” y “ Teoría espacial ”, una de sus canciones más conocidas, que logró unánimemente encender los ánimos. Además, sorprendió con un cover de “ Todo sigue igual ” de Viejas Locas , donde comentó con humor que su banda incluía “ integrantes rolingas ”. Cerrando el show, interpretó “ Arte arte arte ”, acompañando el tema con un discurso cargado de significado. “ La mayoría de los que vienen a nuestros shows están en la misma que nosotros ”, dijo. “ Vamos a militar para que vuelvan a haber políticas de Estado. Cada vez que tengan que elegir comprar una entrada, yo agradezco que sea una banda independiente y una banda autogestiva ”, agregó. Patané se sumó al mensaje, destacando la importancia de abrazar los espacios culturales independientes y señalando que “ organizar esta fecha fue un placer con el Padilla ”. El cierre llegó con “ Nada nadie ”, en la que nuevamente compartió una reflexión: “ Todo es un bajón y va a seguir siendo un bajón, pero es importante encontrar espacios de escape para mantener nuestra salud mental lo más óptima posible ”. Finalmente, la noche terminó con “ Frágil ”, dejando al público con un sabor agridulce y la sensación de haber sido parte de algo único. La velada en el Padilla fue más que un recital; fue una celebración de la música independiente, el arte autogestivo y la comunidad que lo respalda. Tanto Lucy Patané como Barbi Recanati demostraron cómo sus propuestas trascienden lo musical, creando un espacio donde el público se siente parte de una misma lucha y celebración. Acompañadas por bandas impecables, ambas artistas ofrecieron un espectáculo lleno de potencia, emoción y conexión genuina. Estos eventos no solo visibilizan el talento emergente y consolidado, sino que también reafirman la importancia de los espacios culturales independientes como trincheras para el arte, la expresión y el cambio.

Nuevamente con Camping como sede, el evento reafirmó el poder de la música como vehículo de conexión. Por N. Fernández - @anyerfotografia La velada presentó una combinación de música, discursos inspiradores y colaboraciones inesperadas que cautivaron al público. Con una organización particular dónde los artistas varían según la edición y la banda está fija en cada función: Guille Salort en batería, Fran Azorai en teclado, Eze Cantero en guitarra y Lautaro Passadore en percusión. Como sorpresa de la noche, Dillom se desempeñó como DJ, animando el evento con una selección de bandas como Virus , Aqua y Blur . El presentador del evento, Timpa , abrió la jornada con un discurso que subrayó la relevancia de la cultura en tiempos de cambio, destacando también su “compromiso con los jubilados”. Plastilina fue la primera banda en subir al escenario, deleitando a la audiencia con “ aire ”, una pieza de su álbum más reciente, “ Marca de nacimiento ”. El público pronto se vio envuelto en la energía de la música, bailando al ritmo de “ goma ”, interpretada por Axel Fiks , también conocido como el niño amor . La noche continuó con Odd Mami , también conocida como Hele , logró que el público cantara a coro su tema “ Ultra ”, parte del EP que lleva el mismo nombre. La energía creció cuando Fran Rizzaro se unió a ella para interpretar “ Tu recuerdo ”, un sencillo que conquistó al público.  Marttein tomó el protagonismo con su interpretación de “ Adelante ”, elevando la intensidad del evento y animando a la audiencia a sumarse al ritmo. Al finalizar su actuación, Odd Mami regresó al escenario. Ambos artistas cerraron el primer bloque  del show con una versión de “ Una lágrima sobre el teléfono ”, el clásico de Paz Martínez , que logró conmover al público y consolidó el espíritu colaborativo de la noche. La banda acompañó cada canción demostró un virtuosismo y una sincronía que elevó cada interpretación, dejando en claro que el talento colectivo puede amplificar el impacto de cada tema presentado. Dillom retomó su papel como DJ para dar inicio al corte entre bloques, poniendo a tono al público una vez más. Luego, por el escenario pasó el dúo compuesto por Bruno y Franco Serra , marcando el comienzo de una nueva etapa del evento. Este segmento estuvo compuesto por una variedad de actuaciones que mantuvieron la energía en su punto más alto. Axel Fiks emocionó con “ Su figura galán ”, mientras Plastilina impactó con “ Cuchillos que brillan ”. Una de las sorpresas de la noche fue su cover de “ Complicated ” de Avril Lavigne , includio en su último disco con el título “ Complikado ", para el cual contaron con la companía de Odd Mami . La cantante también presentó “ me quema el suelo ”, una pieza de su álbum más reciente, “ donde van los perros ”. Fran Rizzaro deslumbró al público con “ Aspen ”, una nueva canción que mostró su crecimiento artístico. Marttein siguió con “ Para armarse ”, una interpretación intensa que conectó con los presentes. Axel volvió a brillar con “ Niño amor ”, reafirmando su carisma y talento. Como broche de oro, Fran Rizzaro cerró la noche con un emotivo cover de “ La soledad ”, de Bersuit Vergarabat , que dejó al público pidiendo más y consolidó el éxito del evento. Eventos como El Gremio tienen la capacidad para reunir artistas emergentes que generan un espacio donde la creatividad y la cultura se convierten en herramientas de transformación, funcionando como un recordatorio del poder de la música como vehículo de conexión.

En una noche emotiva, la banda se encargó de abrir el ciclo de shows y proyecciones de Niños del '00 Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph La productora rosarina Niños del '00 lanzó Mundos de Cine , un ciclo mensual que fusiona dos universos únicos: el cine y la música en vivo. Cada mes, un jueves, Distrito Sie7e se convertirá en el escenario de esta experiencia sensorial que hace cambiar la noción del tiempo de los asistentes. En esta oportunidad, con una noche inaugural a sala llena y colmada de entusiasmo, los protagonistas fueron Matienelinstante y The Virgin Suicides , un clásico de Sofía Coppola . Para iniciar la noche, Mati Suleimen se sentó en el escenario en compañía de su guitarra. Como se acostumbra en los shows de su banda, la velada contó con una introducción especial. Esta vez, relacionada al mundo del cine. Más tarde, cada canción contaría con su propia introducción dictada por un diálogo icónico del cine pasando por películas como Forrest Gump o Un lugar llamado Nothing Hill hasta Buscando a Nemo o la argentina Un Novio Para Mi Mujer. El set comenzó en clave acústica con canciones como " De 0 a 100 ", " Lo Mismo " y " Desviación " interpretadas únicamente por el cantante junto a su guitarra, creando una atmósfera íntima. Con el cálido recibimiento del público como impulso, Mati invitó al resto de la banda al escenario, subiendo la energía con temas como " Ya no sé de qué hablamos ", " El rey " y " Cómo un día en el mar". De esta manera, en un dulce recorrido por " La Teoría del Todo Bien ", su disco debut, la banda comenzaba a despedirse. Los músicos se despidieron de la escena, dejando el escenario semivacío con la presencia del cantante y el tecladista. " No podré navegar nunca más ", la canción de Buzz Lightyear en Toy Story, le dio el cierre perfecto cargado de emoción al show. Poco a poco, el público se acomodó para la proyección, que tendría lugar en el mismo escenario donde minutos antes había tocado la banda. Así terminó la primera noche de Mundos de Cine : una experiencia donde la música y el cine se encontraron para crear algo único e invitar a los presentes a un mundo donde el tiempo parece pasar más lento.

" Seguimos acumulando años y ganas de hacer lo que hacemos ", expresó Ricardo Mollo ante una multitud eufórica. Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @ sofiabulgarelli.ph Con un Anfiteatro Humberto de Nito repleto de ansiosos fans esperando la salida de la Aplanadora del Rock, Pablo Pino fue el responsable de calentar los motores de la noche invitando al público a " preparar las patitas para el pogo ". Entre cánticos y saltos, el bajista Diego Arnedo es el primero en salir al escenario acompañado de una ovación total que lo llevó a agradecer incluso antes de comenzar el show. Tras él, sus compañeros Ricardo Mollo y Catriel Ciavarella ocuparon sus lugares en el escenario para dar por comenzada su trigésima noche rosarina. Canciones como " Libre El Jabalí ", " Cuadros Colgados " y " Elefantes en Europa " desataron la euforia de las casi tres mil personas presentes. Para subir la apuesta aparecieron clásicos de la talla de " Capo capón ", " Paisano de Hurlingam " y " Cabezón ". Antes de dar paso al momento acústico de la noche, " Un alegre en este infierno " fue dedicado al fotógrafo Pablo Grillo, gravemente herido por la policía en la última marcha por los jubilados en Buenos Aires. " Como dijo alguien por ahí, son armas de creación masiva, y él tenía un arma de creación masiva: solamente una cámara fotográfica. Ojalá se ponga bien pronto ", sentenció el cantante. " Como Un Cuento ", " Sisters ", " El Burrito " y una sublime versión de " La Flor Azul " encarnaron el set más tranquilo de la noche acompañados por el canto del público que aprovechaba el momento de calma. En un gesto de camaradería, invitaron a diversos artistas rosarinos a compartir escenario en algunos momentos del extenso setlist, aportando así lo propio y brindando una versión diferente y única de cada canción. De esta forma, el set de Divididos contó con la presencia de músicos locales como Marcelo Stenta, Luciano Jazmín, Carla Cosenza, Palmo Addario, María Eugenia Bouza y Federico Rubio. La energía volvió a subir con canciones como " Vida de Topos ", " Salir a comprar " o " Haciendo cosas raras " que hicieron saltar y cantar a todos los presentes desde la primera a la última fila. Acercándose al final, Ricardo Mollo agradeció una vez más, compartiendo un emotivo dato para todos los presentes: " Esta es la vez número treinta que tocamos acá ", dijo emocionado entre aplausos. " Lo más lindo es haber atravesado el tiempo, más allá de los números, y haber venido a tocar acá treinta veces es hermoso", continuó. Luego, recordó el aniversario número veinticinco de su mítico y aclamado disco " Narigón del Siglo " y agregó -desbordado de felicidad-: " Seguimos acumulando años y ganas de hacer lo que hacemos . Hay que seguir. Más allá del horror, sigan peleando por sus vidas y sus sueños". Llegando al final, " Crua Chan ", Amapola del '66 ", " Ala Delta " y " Rasputin " le generaban al público esas ganas de que se extiendiera indefinidamente. Sin embargo, " El 38 " cerró finalmente el recital, con un anfiteatro que rebotaba y un Mollo saludando uno por uno a los fans que se encontraban en el vallado.

El versátil artista se sincera sobre su último lanzamiento " q+ ", la edición deluxe de su segundo disco. Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph En noviembre del 2024, Musyca Medio entrevistó al artista y su respuesta al preguntarle sobre el deluxe fue la siguiente: “ No sé si va a salir, volver a escucharlo me da ganas de sacarlo. Después las ganas se me van. Es algo que si se quisiera sacar llevaría mucho trabajo y no sé si estoy para ponerle la energía a eso, estoy pensando en otras cosas en este momento. " Podés leer la entrevista completa con Ill Quentin para conocer más sobre él y el proceso detrás de q* haciendo click acá. Tras esa respuesta, cuatro meses después, " q+ " se encuentra disponible en todas las plataformas digitales y volvimos a consultarle sobre las canciones descartadas de su segundo LP y la decisión de finalmente permitir que salgan a la luz para darle una nueva perspectiva a la historia. Musyca Medio: ¿Cómo pasamos de " no sé si va a salir " a " q+ out now "? Ill Quentin: Lo que pasó en realidad fue que yo no lo pensaba sacar. Habían quedado esos temas que me parecía que eran muy buenos y pasé un tiempo tratando de pensar donde meterlos porque eran buenos y no los quería dejar atrás. Obvio estuve haciendo música nueva siempre, al igual que ahora, pero pensando si alguno de los temas que habían quedado como descartes de podían quedar como material nuevo. Y no la vi, no me pareció que pudieran entrar en ningún material, no me pareció que podía ser un EP por separado, no me parecía que pudieran ser singles... Me parecía que tenían sentido en la estructura de " q* " que había pensado en un principio donde, por una cosa o la otra se terminaron quedando afuera, y le terminamos dando prioridad a los temas que salieron en un principio. Era esto o no sacarlos, que sean temas que no salgan nunca. Eso también se barajó como posibilidad. MM: ¿Qué es lo que hace que tomes esta decisión? ¿La insistencia del público tuvo algo que ver? IQ: Me daba mucha lástima que no salgan, un poco por mi y un poco por el público.  Sabía que eran temas que a la gente le iban a gustar. Más allá del tiempo, que es un tiempo poco común para sacar un deluxe, la decisión fue que salga como había sido pensado en un principio y que eso sea " q+ ". MM: En el deluxe, las canciones están ubicadas en medio del tracklist y no al final, como se acostumbra, ¿Cómo se tomó esta decisión? ¿Ya estaban definidos sus lugares? IQ:  No sé si el orden estaba clarísimo como " esta canción entra entre tal y tal " pero sí, al haber estado hecho en la misma época, sí o sí formaban parte de esa historia en alguna parte. En ese sentido no se complicó, fue simplemente elegir qué parte queríamos que cuente cada canción de lo que ya estaba explicado. MM: ¿Las canciones eran así de buenas desde un principio o cambiaron mucho? IQ:  Las canciones eran así de buenas al principio y también cambiaron un montón. Creo que es lo bueno de hacer canciones: si la base ya está buena, lo que le hagas alrededor es estética y decisión. Son cosas que podrían no pasar o podes elegir para qué lado llevarlas. En general, de estructura, no cambiaron tanto las canciones y de melodía tampoco. Sí quizás, como decía, de estética. MM: ¿Sentís que esta nueva perspectiva le hacía falta a la historia? ¿Podría haberse quedado sin esta parte o iba a ser como conocer la mitad de la historia? IQ: Creo que tranquilamente podría no haber salido pero yo - que es lo que me pasó - me quedaba con el disgusto de sentir que había contado una historia un poco por la mitad. Siento que la historia se entiende mucho más ahora, al menos la que yo quería contar tiene mucho más sentido de esta manera que como había salido por primera vez. MM: ¿Vamos a tener la posibilidad de escuchar las nuevas canciones en vivo? IQ: Estamos armando algunas cosas, todavía nada que se pueda decir, pero sí. Es la idea. A la espera de los anuncios oficiales para escucharlo en vivo, podés escuchar " q+ " acá:

Sus orígenes, el balance entre las influencias y lo propio y el proceso de su disco debut en camino. Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph En el mediodía más caluroso del verano, una de las bandas rosarinas más originales y explosivas del momento se reunió con Musyca Medio . Llegaron al Monumento a la Bandera de a pares y en composé: Dos con remeras blancas, dos con remeras rayadas. Todos de morral y alpargatas. Menos el baterista, que después iba a cambiarse sus converse rojas por unas alpargatas bordó, para no desentonar. Narciso son Tiago (guitarra), Charly (voz y teclados), Manu (bajo) y Facu (batería). Así, la banda es el resultado de cuatro jóvenes menores de veinte años que se encontraron, por casualidad o destino, a través de la música de The Doors y la figura de Jim Morrison. Con una mirada fresca y a la vez heredada de sus influencias se proponen volver a traer de los sesenta no solo los sonidos sino los mensajes de amor, paz y esperanza que los jóvenes de la década se ocupaban de promover en sus canciones. Tras cambiar de rol y preguntarle a la entrevistadora qué personaje de Toy Story sería y su opinión sobre la última secuela, comenzaron entre risas y opiniones a compartir y reflexionar sobre sus orígenes, sus influencias y el proceso de su disco debut en camino. Musyca Medio: ¿Cómo surge la banda? Charly: La historia arranca de un descomunal encuentro. Estaba en el cumpleaños de mi mejor amigo y me encuentro a Facu, le muestro un librito de Jim Morrison y me dice " Yo lo conozco a este " y le digo " ¿Posta? " y me responde que sí y que toca la batería. Me mostró y la verdad que me quedé fascinado. Pero después no me dio pelota, yo lo invitaba a ensayar pero nunca se daba hasta que sí. Después conocí a Tiago en un festival de música en el que él tenía una remera de Jim Morrison y le pregunté cual era su disco favorito. Coincidimos en que era el primero. Tiago: En realidad yo te lo pregunté. Me acuerdo que como estaba la música al mango te lo pregunté como cinco veces. Charly: Después necesitábamos un bajista. Él dijo que su primo tocaba la guitarra pero podía sumarse al bajo. Ahí apareció Manu. Apareció de la manera más random, y terminó siendo una pieza elemental de la banda. Es una locura eso. MM: ¿Pero son amigos? Todos al unísono: Seee, obvio. Charly: Nos conocimos por la música y terminamos siendo como hermanos. A tal punto de que nos bañamos juntos, ponele. MM: ¿Por qué Narciso? Sé que buscaron el nombre en mitos, pero...¿por qué eligieron ese? Tiago: Creo que fuimos descubriendo con el tiempo el por qué. Charly y yo en nos la pasábamos viendo nombres que podían quedar con la banda, traduciendo nombres raros y en una le dije " Buscá en mitos ". Y él dijo Narciso. A mí al principio por ahí mucho no me convencía pero después le fuimos encontrando significado. Creo que buscamos esa belleza en la música y en lo estético. Charly: Era una sátira igual al principio... Propuse Narciso y él me dijo " ¿Por qué? " " Porque me encanta, la historia, lo que encierra y las flores que tienen un olor hermoso ", le respondí. Pasamos por nombres en latín y en griego. En un momento iba a llamarse Virtum Navix . Tiago: O Trapo Láser . Manu : Se están saltando un nombre... Surtidos Bagley Experience Charly - entre risas - : Claro. La experiencia de las surtido Bagley, porque son las mejores masitas en mi opinión. Pero después se llamó Narciso porque es como una burla del mito, el loco se ama, se ve perfecto...y nosotros somos una verga. Todos ríen al unísono frente al chiste de Charly, conscientes de que hay un poco de Narciso en cada uno de ellos. Con el tiempo, comprendieron el valor de su proyecto que tiene como prioridad la búsqueda de la belleza en lo musical y en estético. Así lo resumía Tiago, a quien le pasarían la responsabilidad a la hora de responder la siguiente pregunta. MM: ¿Qué bandas los influencian aparte de The Doors? ¿Por qué creen que escuchan esa música y no trap como la gente de su generación? Tiago: Estos me hacen responder esta pregunta porque me cargan y siempre la respondo yo. Respondé, Charly. Charly: Bueno, porque nosotros escuchamos música llena, no vacía. Entonces tenemos influencias como The Beatles, The Animals o The Music Machine. Todo de los años '60. Música llena de inspiración, de expresión. Porque en esa época, la juventud quería tener presencia en la sociedad. Y empezaron a salir estos grupos que querían traer amor y esperanza a la humanidad. Cosa que hoy se está perdiendo totalmente. Hoy es todo sexo, dinero y droga. La idea principal que se perdió fue el amor...y la libertad. Algo que hoy en día casi ni existe. MM: Pero, ¿Cómo llegan a esos artistas? Porque de la nada no sucede... Tiago: No, obvio. Por eso uno tiene que adentrarse, buscar cosas.  Somos muy curiosos y creemos que el arte es algo raro que te llegue de la nada. Uno tiene que adentrarse y buscar eso que vale la pena. No quedarse con lo primero que ves. Sino sí, vamos a estar vacíos en ese sentido. MM: ¿Y nacionales? Tiago: De parte de los cuatro, Los Gatos. Después cada uno tiene sus gustos... Facu: A mí me gustan Los Iracundos y Sandro Charly: Esos y Los Shakers, pero son de Uruguay. Creo que igual cuentan... MM: ¿Y la estética como nace? Charly: Te pregunto, ¿Superficial o de la música? MM: Ambas. Charly: La estética yo la definiría como algo propio. Porque agarramos la influencia de los 60 pero intentamos que quede conforme a la época actual. Tenemos aire acondicionado, ponele. Tan sesentas no somos. Pero intentamos siempre mantener esa imagen tradicional a full, pero abiertos a sonidos nuevos. MM: ¿Cómo balancean entre las influencias y hacer algo nuevo y propio? Charly: La mejor forma de balancearlo es escuchando de todo. Sea música antigua o nueva con influencias de lo antiguo. Porque no somos el único grupo que hace eso, hay varios que la rompen aunque sean modernos, y se nota la influencia. La mejor forma es estar en contacto con lo actual. MM: ¿Cómo se compone una canción en Narciso? Manu: Básicamente alguien lleva una canción, la muestra, damos el ok todos y, entre las cuatro cabezas, se van filtrando ideas hasta que desemboca en una melodía, un estribillo o lo que sea. Y después de eso, vamos trabajando todos juntos. MM: ¿Y quien llega en general con una canción? Manu: Facundo Cruz. Ante esta acusación con completa seguridad por parte del bajista, el baterista se defiende entre risas vergonzosas. Facu: No es tan así. Ellos lo ven así porque, cuando nos tuvimos que independizar un poco y hacer nuestros propios temas, yo tuve un incentivo en hacer dos temas, que me salieron de la nada, y la verdad, les gustaron. Quedaron muy conformes con eso y se agarraron de esa inspiración para seguir componiendo. Llegando a ideas incluso mejores que las mías, muy hermosas, que forman parte del disco. Hay más canciones de ellos que las que terminé haciendo yo. Pero, al final, las ideas las completamos entre todos. MM: ¿Cómo surge la idea del disco? Tiago: En abril de 2024, no sé por qué, nos pusimos en la cabeza que teníamos que hacer un disco. Era el paso que teníamos que dar como para llegar a un público mucho más grande. No es lo mismo ser una banda de covers que tener tus propios temas y tenerlos subidos. El alcance es mucho mayor y queríamos dar ese paso. Nos pusimos ese objetivo y ahora, un año después aproximadamente, ya estamos por lanzarlo. Y la verdad que nos pone muy contentos eso. MM: ¿En qué etapa está el disco? Charly: Se podría decir que la etapa de grabación está casi finalizada totalmente. Quedan varios detalles, retoques, la mezcla y la masterización. Pero ya tenemos especulada una fecha, elegimos los sencillos que queremos sacar dentro de muy poco. Venimos encaminados y aunque ya venimos hace rato diciendo que lo vamos a sacar, ahora de verdad falta poco. MM: ¿Cómo fue el camino de Narciso de los covers de los '60 a tener toda esa gente en el público esperando su primer disco? Charly: Al prinicpio fue un riesgo gigante porque la música que queríamos tocar no se escuchaba. Y no lo digo como un mérito, sino como un obstáculo. Fue una angustia porque deciamos " No va a venir nadie ". Por eso mismo nos pusimos las pilas con ensayar para que de última si no les gustaba, al menos haya sonado bien. Fue una sorpresa gigante que a la gente le guste la música que tocábamos. Ahí dijimos " Si a la gente le gusta lo que tocamos, que es algo que no escuchó antes y encima hacemos material propio: es una bomba ". Ahí arrancamos con la cabeza en la imaginación y a crear. Y a la gente se ve que le gustó. MM: ¿Cómo creen que llegaron a tener todo ese público sin un disco propio publicado? Tiago: Y...tocando. Facu: Tocamos temas conocidos también... Pero también hacemos bastantes temas propios que van a estar en el disco y parece que se los fueron aprendiendo porque los venimos tocando hace bastante. Y hasta nos preguntan como se llaman las canciones y donde encontrarlas. Charly: Está bien. Pero, ¿por qué se da eso? Por lo que transmitimos. La pregunta es " ¿Cómo la gente nos banca tanto? " Es el amor incondicional que le tenemos a la música. El poder del amor a la música. Facu: Totalmente, ahí está la respuesta. Los cuatro asienten, seguros de que no hay otra explicación que el amor a lo que hacen, ante la multitud que los espera en cada show, después de cantar a la perfección, incluso las canciones que aún no están disponibles en plataformas digitales. MM: ¿Qué es lo mejor de grabar un disco? Manu: Creo que hablo por los cuatro cuando digo que lo mejor es compartir momentos, la música, reírnos dentro del estudio, sentir el entusiasmo de " Vamos a hacer esto y va a quedar grabado. La gente lo va a poder escuchar ". Da entusiasmo hablar de lo que a uno le pasa también y mostrarlo. Todas esas cosas, posta, no tienen precio. MM: ¿El hecho de grabar el disco les da la sensación de estar haciendo algo grande? Manu: Yo creo que es una huella que la vamos a tener toda la vida marcada. Fue algo hermoso. Sea o no un éxito, vamos a estar contentos porque son temas nuestros y vamos a estar más que orgullosos de haberlo logrado y dejado esa huella en la música. MM: ¿Sueñan con vivir de la música? Charly: Por supuesto. Los demás asienten ante la respuesta sin titubeos del cantante. Pero el baterista se toma su tiempo para pensar la siguiente reflexión. Facu: Para mí más lindo de la música es poder compartirla, así se disfruta un montón. Si me preguntas si viviría de la música con ellos, estaría más que contento. Sería lo mejor. MM: ¿Y sus familias qué dicen? ¿Forman parte del equipo de trabajo? Tiago: Tenemos la suerte de que nuestros viejos y todas nuestras familias nos bancan mucho. Sea yendo a los shows o llevándonos de acá para allá con los equipos. Trabajan con nosotros y están involucrados en los procesos. El disco, en parte, también tiene mucha participación de ellos. Sin nuestros viejos acá, no hubiese sido posible ni ahí. MM: ¿Con quien les gustaría colaborar? Charly: Con nuestros ídolos, pero están todos muertos. Creo que a quienes invitaría hoy son personas cercanas a nosotros. Por ejemplo El Hueso, un guitarrista que admiro mucho. Tiago: Claro, colaboraríamos con conocidos nuestros que tocan muy bien. MM: ¿Qué planes tienen para 2025? Facu: Principalmente el disco. Sacarlo, ver como le va, presentarlo en Rosario. Tocar. Salir a tocar lo más que podamos. Tiago: Queremos viajar... Facu: Claro, expandir la música a niveles estratoféricos. La expresión elegida por Facu genera risas, pero ninguno se niega a esta fantasía de que su disco debut los haga sonar hasta en la estratosfera. Y un poco de razón tienen, a juzgar por sus logros en un 2024 que les permitió tocar en varias ciudades del país con un público que se encarga de hacerlos sentir queridos a cada paso. MM: ¿Podemos adelantar cuando sale el disco? Tiago: Y, mirá...más de mayo, no. No sabemos exactamente, pero nuestra idea es que no sea más de eso. A la espera de las versiones de estudio, las canciones del primer disco de Narciso pueden escucharse en vivo en: Distrito 7 (Rosario) - 14 de Marzo junto a Solsticio y Ataraxis. Territotio Cultural La Cortada (Hurlingam) - 15 de Marzo.

El papel lo colectivo en su proyecto, ser parte del under porteño y la importancia de montar un show más allá de lo musical. Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Clara Lenger se define a sí misma como mocatriz y le hace justicia a la palabra, llevando su proyecto musical más allá de letra y melodía. Dejando lentamente atrás a su álbum debut y embarcándose en la composición de su segundo LP, se prepara para formar parte del Melomaniac Fest , un festival que reúne a artistas under argentinos en uno de los escenarios más míticos de Buenos Aires el próximo 9 de marzo en Niceto Club. Musyca Medio:¿En qué está inspirado tu álbum debut "Ficción"? Clara Lenger: Está inspirado en mi vida, básicamente. Son todas vivencias personales o cosas que parten de estas las que relatan las canciones. Lo que pasó es que como me llevó cinco años hacer el disco, fui creciendo y muchas de las cosas que contaba en las canciones ya no me representaban, ya habían quedado como una anécdota graciosa y ya no me dolían tanto. Empecé a pensar mucho en este concepto de que en realidad todo lo que cuenta el arte es un poco una ficción, todo está un poco embelesado y exacerbado. Ponerme en el lugar de " Esto es una peli " me permite distanciarme de ese dolor y montar un show con lo que hago, que me parece que es el valor que tiene el arte, hacer algo grandilocuente para que los otros pueden verse identificados, porque al final todos somos iguales. MM:¿Qué influencias crees que se ven reflejadas en este proyecto? CL: Siento que hay bastante como de The Beatles a nivel instrumentación y producción de algunas cosas porque a mí me gustan mucho. Me han dicho que tiene algo de Drexler, Charly, Spinetta, Fito, Mon Laferte... Lo que pasa es que todas las canciones son tan distintas y es un disco tan ecléctico que siento que es difícil identificar una influencia. Otras artistas que me inspiran son Nathy Peluso, Chappel Roan y Sabrina Carpenter, que es una de mis artistas favoritas. Me salvó bastante la vida en varios momentos con varios de sus discos, la sigo hace mucho y ahora que está re pegada me siento muy orgullosa. Es como una amiga y me identifico mucho con ella. Me gusta un poco de todo, pero lo que sí diría es que soy bastante vainilla, me gustan cosas bastante populares. No tengo ningún gusto extraño porque me gusta lo mainstream. MM:¿Qué tan importante es la teatralidad en tu proyecto? CL: Yo creo que la teatralidad es muy importante, porque aparte de generar algo exacerbado para generar identificación en el público que es re importante y también pone en valor al público. Hoy en día muchos artistas pecan de usar sus canciones como terapia y ya está. Lo cual, es un estilo, está bien y a veces es re necesario. Pero a mí me gusta dar un show. Me gusta que la gente sienta que pagó por una cosa que está buena y que entretiene. Me parece que no hay que perder el valor del entretenimiento, de las plumas y los brillos. Tampoco es que soy Beyoncé y me pongo a dar vueltas por el aire, pero no me gusta esta onda del cantautor que se queda parado ahí. Me embola y no me siento identificada con eso. Y en un nivel más literal, la teatralidad está incorporada en mi primer disco porque es un poco su concepto y se ve también en las letras. Fue una obviedad también, porque vengo de ahí, hice mucha comedia musical y esos fueron mis primeros pasos. Creo que era inevitable, para mi es re importante y algo que tengo siempre en mente el montar un show más allá de la música. No quiero ser una cantante indie y ya. MM:¿De dónde surgen tus letras? CL: Hasta ahora, lo que me inspiró a escribir fue el dolor. En general lo que se me da más fácil es escribir desde el sufrimiento, creo que es un sentimiento más fuerte. Lo que sale de ahí siento que es mejor, o me sale mejor. Pero ahora estoy empezando a escribir cosas más felices y estoy contenta. En realidad ya había escrito cosas más felices y ahora con mi banda las estamos rescatando y tocando en vivo. Y está buenísimo. Es tan lindo no sufrir un rato. MM:¿Cómo es tu proceso de composición? CL: Mi proceso de composición siempre fue tener un sentimiento muy fuerte de algo, una bronca o angustia y agarrar la guitarra. Me sale como medio solo, letra y música. Siempre fue eso lo que hice. Ahora vamos creciendo mi carrera y yo y me empiezo a encontrar con otras formas de componer que también me re gustan. Por ejemplo producir primero, con amigos, alguna melodía o beat, algún arreglo y después componer sobre eso. Me es muy gratificante aprender cosas nuevas y evolucionar. Siento que siempre estuve muy cómoda en ese sistema de estar sola con la guitarra sufriendo y ahora me estoy empezando a encontrar con que tengo otras capacidades. MM:¿Qué rol tiene lo colectivo en tu proyecto? CL: Mi proyecto es re contra colectivo. Siempre lo fue. Antes era yo encerrada sola con lo mío, cuando salí me encontré a mis productores, a mis músicos y me crucé con equipos de producción audiovisual. Estoy re agradecida porque me cuesta bastante delegar y poder hacerlo en profesionales grosos que me enseñan muchísimo me encanta y me hace muy bien. Estoy re agradecida con quienes trabajan conmigo y de que lo hagan porque les gusta mi proyecto y por pasión, porque plata no hay. Me parece un valor re importante y aprendo un montón de esos procesos. También te quita un montón de peso, aunque mi nombre esté en la portada del disco o del flyer, es como: "bueno, si la cagamos, la cagamos entre todos " y nos cagamos de risa. MM:¿Crees que ser artista en argentina es difícil? CL: Creo que ser artista en argentina es una mierda. No hay plata y ese es el problema. Producir música es imposible y carismo, uno no lo puede pagar más de su bolsillo. A la vez tiene muchos pros, uno por ejemplo es que el mercado local, aunque haya un montón de artistas y "competencia", es más chico que en otros lados. También hay una comunidad hermosa de músicos artistas, estoy re contenta con mi circulo de amigos artistas y siento que hay un ambiente del under re copado donde hay cero mala onda. MM: Hablando de amigos artistas, ¿con quién te gustaría colaborar? CL: Me encantaría colaborar con todos mis amigos del círculo under que tengo: Blair , Lichi , Bb Asul , todo mi círculo Fiesta Click. Pero delirando, juntarnos a escabiar y hacer lo que pinte. MM: Y yendo a lo imposible, ¿con qué artistas sería? CL: I mposible, no tan imposible, Jorge Drexler. Porque a mí me inspiró mucho cuando empecé a escribir y siento que hacer eso sería como un sueño cumplido. Y sería cumplir el sueño de mi mamá también, que falleció y lo amaba, lo amábamos juntas. Siento que si hago eso seria como cerrar un ciclo de mi vida. Más imposible: Nathy Peluso. Yo digo " En algún momento esto tiene que pasar porque sino me retiro de la música ". La amo con mi vida y realmente tengo muchas ganas de colaborar con ella. Y yendo a lo imposible, imposible: Sabrina Carpenter y Paul McCartney. MM: De ahora en más, ¿qué géneros te gustaría continuar explorando? CL: Me gustaría explorar todos los géneros si tuviese la posibilidad. Realmente, quiero hacer todo. Mi disco ya es un poco muestra de eso, pero tengo ganas de profundizar en el tango, el folklore, la salsa... Y la música teatral como de Broadway es una veta que quiero profundizar también. MM: ¿Soñás con vivir del arte? ¿Crees que es posible? CL: Obviamente sueño con vivir del arte. Pero en realidad son rachas, cuando creces te das cuenta de que hay meses que re vivís del arte y hay meses que tenés que buscarte otra cosa. Yo siempre todo lo que hago, el 98% de lo que hago intento que esté relacionado con el arte. Intento no salirme de lo que me gusta y muchas veces he elegido cagarme de hambre y seguir haciendo solo lo que me gusta. Me encantaría vivir solo de mis canciones, pero eso es prácticamente imposible en este país y creo que casi nadie lo hace. MM: ¿Cómo te preparas para el Melomaniac Fest? ¿Qué pueden esperar quienes vayan a este show? CL: El festival va a estar muy lindo y estoy muy contenta. Me voy a maquillar y montar como nunca en mi vida, estoy muy contenta de estar pisando el escenario de Niceto por primera vez. De mi show pueden esperar mucho brillo, glitter y descontrol. Voy a servir mucha concha, va a estar muy bueno. Todo mi equipo lo está dando todo a otro nivel y tengo invitados increíbles. Este show lo venimos haciendo hace bastante y es hermoso, la verdad es que tuve hasta que cortarlo un poco y me costó mucho. Creo que la sensación general de la gente después de mis shows, y lo sé porque me lo dicen, es sobre todo esto de la teatralidad y la presencia escénica que tenemos con mi banda. Nos gusta mucho jugar, divertirnos y eso se nota mucho. MM: ¿En qué estás trabajando actualmente? ¿Cuáles son los planes 2025 de Clara Lenger? CL: Actualmente estamos empezando a trabajar en una canción que ya la tocamos en el show y que no salió todavía. Va a ser mi próximo lanzamiento. Es una canción que me encanta y que le escribí a una amiga. Más allá de eso, estoy empezando a escribir un segundo disco y con ese objetivo voy a estar de viaje unos meses. No prometo nada, pero lo voy a intentar.

YSY A  regresa a  Mar del Plata, donde subirá por primera vez al escenario del Estadio Polideportivo, el viernes 18 de abril. Las entradas anticipadas ya se encuentran disponibles por sistema TuEntrada. Desde los comienzos de su vertiginosa carrera, YSY A ha trabajado con consistencia e independencia para consolidarse como uno de los líderes de la nueva música popular argentina . Expandiendo los límites de un sonido en constante mutación, Alejo Nahuel Acosta Migliarini, siempre apostó más fuerte que ninguno, sorprendiendo con sus seis discos de estudio y con su productora independiente y marca de ropa, Sponsor Dios. Dichas creaciones describen a la perfección la permanente evolución (y revolución) sonora de un artista verdaderamente inconformista que nunca deja de empujar los límites de lo posible.

Despuès de dos años de su última presentación ,  No te va gustar  anunció un show en Mar del Plata  para después de la temporada: será el 19 de abril  en el estadio Polideportivo. Como parte de su gira por los 30 años que inició el año pasado, una de las paradas para No te va gustar en 2025 será Mar del Plata, donde volverán a presentarse en el Polideportivo “Islas Malvinas” , de la avenida Juan B. Justo y España, el sábado 19 de abril. “No te va gustar celebra su historia en canciones con una gira internacional gigante que no solo será un reencuentro con su público sino que promete ser un hito en su trayectoria”, destaca la presentación de la gira internacional que se inició en 2024 y que c ontinuará en 2025. Ya pasó por diversas provincias argentinas, países latinoamericanos como Perú, Chile y Paraguay y europeos como España y Alemania. Las entradas ya se encuentran a la venta en la plataforma Articket . También se venderán en puntos físicos como La Casa de las Guitarras (Belgrano 3420) y Conex (San Martín 3263) en Mar del Plata y en Necochea en ADN Store (calle 61 N° 2813) y en Tandil en Fix Up Tattoo Studio (Alsina 933).

Luego de agotar su primer Movistar Arena, la banda formada por los hermanos Andersen regresa a la Cuna de la Bandera con su nuevo disco "Correntada". Después de un 2024 movido que incluyó el lanzamiento de su nuevo álbum, una gira por el interior de Argentina, varios países de Latinoamérica y agotar su primer Movistar Arena, EL PLAN DE LA MARIPOSA regresa a Rosario a presentar su más reciente material: CORRENTADA, sexto disco de estudio de la banda de rock necochense, que tuvo en sus manos el proceso de composición y producción y contaron con la colaboración de los productores Edu Schmidt y Brian Taylor. «Es un disco que esperamos con muchas ganas y por el que trabajamos mucho. Le pusimos mucho amor y mucho esfuerzo a la tarea de componerlo, de generarlo, de crearlo», afirmó Sebastián Andersen, vocalista de El Plan. Los once temas que integran el material plantean un recorrido por diferentes emociones e historias a través de sonidos transformadores y la profundidad de sus letras como sello de la banda. El nombre elegido también refleja el proceso de creación e inspiración del grupo. «El nombre CORRENTADA viene de la naturaleza, desde las correntadas del agua y del viento, esas que son parte del contexto del lugar donde nosotros nos criamos, Necochea en la costa Argentina, al lado del mar», afirma Sebastián y agrega: «Además, habla también metafóricamente sobre esas correntadas energéticas que hacen que las emociones se paseen en el cuerpo». Sábado 29 de marzo - ANFITEATRO MUNICIPAL | Av. Diario La Capital 1750, Rosario. Entradas a la venta en: ticketsbravos.com

Se llevará a cabo el sábado 22 de febrero en Strummer Bar, CABA LauchaBass presenta Band Session en Strummer el sábado 22 de febrero, como parte del festival Punk Rock Lunch, un emocionante cierre para su álbum Buscando La Salida, lanzado en 2023. Con una saga de destacados artistas rosarinos, la sesión captura la esencia de la banda en vivo, en un formato potente y enérgico. Luego de un 2024 que lo tuvo tocando en vivo en diferentes puntos del país, LauchaBass presenta BAND SESSION, un proyecto que resume el concepto de su último disco de estudio, BUSCANDO LA SALIDA y captura la escencia de sus presentaciones en vivo. Buscando la Salida y Bandolero son las dos canciones elegidas para presentar este formato en el mundo digital. Oriundo de Villa Gobernador Galvez, Laucha supo rodearse de un quinteto de artistas destacados de Rosario que aportan a sus rimas creando una atmósfera orgánica poderosa. Este enfoque colaborativo no solo enriquece la música, sino que también conecta profundamente con su audiencia. BUSCANDO LA SALIDA es un disco de poco más de veinte minutos y seis tracks ágiles, potentes y profundos, en el cual revela contradicciones, miedos, amores y realidades de vivir en el barrio. Villa Gobernador Galvez es el escenario para sus rimas y el lugar que busca retratar. El material destaca por la fineza de las instrumentales y los sonidos innovadores. Esa experiencia se traspola, sin escalas, en BAND SESSION.