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El cierre de año de Broke Carrey en Niceto Club reafirmó su lugar como uno de los artistas más versátiles de la escena actual, mostrando la capacidad del cantante para fusionar géneros y conectar con sus seguidores. Crónica: N. Fernández - @anyerfotografia Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Niceto Club, ubicado en el corazón de Palermo, fue el escenario perfecto para la última parada del Río de la Plata Tour del año. Este ciclo de presentaciones no solo consolidó un año clave en la carrera de Broke Carrey , sino que también demostró su capacidad para liderar la escena musical contemporánea. Durante la hora anterior al show, en los parlantes sonaban payadas, un vestigio de la diversidad del cantante que salió al escenario. Mientras los seguidores se acomodaban, la atmósfera vibraba con anticipación. La estética del lugar, con una iluminación tenue que destacaba el escenario, y un público expectante, preparaban el terreno para una noche inolvidable. El show comenzó con una explosión de energía al ritmo de “ X las dudas ” y “ Carrito ”, dos himnos de su álbum " Buenos Aires Motel " (2023). Desde los primeros compases, Broke Carrey capturó a la audiencia, que respondió con saltos y ovaciones en un despliegue de luces sincronizadas que intensificó la experiencia. Desde los primeros acordes de su álbum debut hasta los temas más recientes del EP  “ Río de la Plata ” (2024), Broke Carrey construyó un recorrido musical que encapsula su evolución como artista y su capacidad para moverse entre estilos, que lo posiciona como un innovador dentro de la escena local. El ritmo subió con “ Noespatanto ”, un sencillo cargado de fuerza, “ Tokens ” y “ Distinto ”. Una seguidilla de canciones de “ Buenos Aires Motel ” como “ Compa ”, “ Prosegur ”, “ FullTime ” y “ 2018 ” sonaron antes de que el telón se cerrara y apareciera el primer invitado de la noche. El momento colaborativo que define a la escena urbana actual llegó con la aparición de Dillom.  Como es habitual, los integrantes de la Rip Gang se acompañan en cada show posible y esta vez Dillom salió al escenario a cantar “ Perdón ” y “ Organiko ”, haciendo que el público explotara en gritos.  Otra de las invitadas destacadas de la noche fue Julieta Venegas , quien aportó su inconfundible voz en una emotiva interpretación de “ Desconocidos ”, del EP “ BAM: La suite”  (2023). Este momento cobró aún más fuerza con la participación de Elmalamía , quien, además de desempeñarse durante todo el show como guitarrista y tecladista, se sumó para enriquecer la interpretación. Más adelante, Elmalamía y Broke Carrey compartieron el escenario para interpretar “ Usted ”, una colaboración incluida en el reciente álbum de Elmalamía, " Lo que me queda " (2024), demostrando la química creativa entre ambos artistas. Luego de “ Me odio ”, continuó “ Montonero ”, un claro favorito del público que coreó con fervor cada palabra de la canción a la perfección, gritando “ Con perdón de las damas, me cago en Milei y su hermana ”. Ya llegando a la última parte del show, el artista cantó “ Solo ”, la última canción de la noche de su álbum “ Buenos Aires Motel ”.  Se escuchaban cánticos de la gente al ritmo de “ La patria no se vende ”, cuando empezó la anteúltima canción de la noche, “ Señales de humo ”. Luego de esto, Broke Carrey utilizó el momento para agradecer a la gente por “ bancar a la cultura, en un momento tan difícil como en el que vivimos. ” Coronó la noche con “ La última ”, dejando al público expectante y dudoso de irse al apagarse las luces de Niceto, ilusionados de que el artista saliera una vez más y sin ganas de que terminara tan memorable experiencia. Así, Broke Carrey demostró que no solo domina el escenario sino que también entiende su lugar dentro de una escena que busca renovarse constantemente. Entre la conexión visceral con el público y su mensaje de apoyo a la cultura, el artista cerró el año consolidando su identidad: una mezcla de autenticidad y compromiso con la música popular.

En Vivo Producciones presenta - desde el 26 de noviembre- una exposición multiplataforma en la que a través de objetos, fotos, videos, experiencias interactivas, sonoras, inmersivas e instalaciones artísticas, los visitantes viven como protagonistas el pasado y el presente del festival más vibrante de la región a través de 25 años: El Cosquín Rock. El Espacio Cultural de Plaza de la Música, 220 Cultura Contemporánea (Costanera 1150, Córdoba) colma sus salas con un recorrido de experiencia en torno al festival, sus públicos e historias. La propuesta, curada con Sofía Nicolossi , reúne no sólo archivos y registros fotográficos y audiovisuales, sino también obras de momentos icónicos capturadas por los artistas Nora Lezano, Guido Adler, Martín Bonetto (Buenos Aires ) y Nico Papa, Anibal Mangoni y Cande Sarria (Córdoba) , Adempas de crónicas, relatos e intervenciones de los periodistas CJ Carballo, José Heinz, Germán Arrascaeta, Juliana Rodriguez, Juan Manuel Pairone, Gringo Brizio, Victor Pintos, Daniel Riera y las productors Karina Frías y Peni Franconi, además de una intervención lumínica de Luciano Colman, una sala de escucha y experiencia sonora, entre muchas otras instancias participativas y de juego. La exposición se inaugura el 26 de noviembre a las 19h con un show en vivo The Rhythm Gamblers en la icónica Casita del Blues del festival instalada en el patio de Plaza de la Música y la declaración de interés legislativo de la 25° edición del festival por parte de la Legislatura de la Provincia de Córdoba. Luego se encontrará disponible hasta marzo de 2025 de miércoles a sábados de 17 a 20h con una entrada de valor de $2.500 (disponibles online en EDÉN y en puerta).   Entrada gratuita para: Quienes hayan adquirido ya su ticket para el festival 2025 Estudiantes y docentes de la UNC Personas jubiladas y otros

El cantante presentó "Descartable" en la Ex Rural cerrando la exitosa gira que lo ubicó como una de las figuras más importantes de la escena nacional Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph En el marco de su gira que lo llevó a recorrer 28 países alrededor del mundo, Wos se presentó ante una Ex Rural llena de fans que lo esperaban ansiosos de formar parte de su último show del año. El predio, que cuenta con una capacidad de 8.000 personas, comenzaba a llenarse de chicos y chicas que se encontraban haciendo la fila desde la madrugada para estar más cerca del artista. Con sus carteles y flores, se iban ubicando a lo largo del vallado. Calentando motores y con un recibimiento cálido, la rosarina Solca apareció en el escenario con su último lanzamiento " Dirtbag " y una energía fresca y segura que hasta recordó al mismo Wos en sus inicios. La producción del show era imponente: un escenario enorme, luces de todos los tipos y tamaños, máquinas de humo, una pasarela y la llamativa pantalla sobre el escenario, que más tarde iba a proyectar el show minuto a minuto, en vivo y en directo. Las luces se tornaron blancas y los músicos ingresaron al escenario para acompañar al artista, una vez más, en una de las noches más importantes de su carrera. Con una alegría contagiosa, Natasha Iurcovich en bajo, Fran Azorai en teclados, Ivanna Rud en guitarras y Tomás Sainz en batería comenzaban a tocar "Nuevas coordenadas". Los alaridos que vienen del alma y los latidos buscando un lugar se transformaron en uno solo. En una noche que combinó la emoción desgarradora de sus canciones más emotivas con la euforia de las más combativ as, Wos le preguntaba a su público: " ¿Quieren o no, encontrar el placer? " a la vez que los invitaba a reflexionar y ahondar en sus más profundos sentimientos. El momento más esperado por el público llegaba con una de las canciones más emotivas. " Parece tan azaroso aquello que nos salva/Se vuelve tan valioso el beso de la calma/El peso de las almas y su abrazo ansioso/Enlazadas entre sí en el borde de la cama" cantaba el artista emocionado hasta las lágrimas junto a cada uno de los presentes, que estaban tan atravesados como él. Los ramos de flores que las fans venían sosteniendo hace horas comenzaban a cobrar sentido hacia la mitad de la canción, cuando comenzaron a tirárselas hacia la pasarela. Se trataba de un fan action orquestado por fanáticas de todo el país que se habían puesto de acuerdo para regalarle algún gesto que encierre el cariño y el apoyo que le tienen en el cierre de esta gira que significó mucho tanto para ellas como para él. "La idea era tirarle un ramo o una flor en una de las pausas y salió de la portada del tema, donde está sosteniendo un ramo de flores", comentó una de las fans. "Si bien en el momento del show no dijo nada, después lo vi y me comentó que el escenario estaba un poco lejos para que le lleguen todos los ramos, pero que los había visto volando y le había gustado", amplió orgullosa. De esta manera, fortalecían su conexión, recordándose mutuamente lo importantes que son en sus vidas. El show escaló, contando con muchos otros momentos de conmoción en canciones como " Contando ovejas " y " Estímulo " y momentos donde el campo se convertía en un mar incontenible con la presencia de " Púrpura " o " Cambiando la piel ". Además, fiel a sus raíces, Wos freestyleó recordando sus momentos en las batallas y sorprendiendo a los presentes con su capacidad de improvisación. Comenzando a despedir la noche, el artista se detuvo a agradecer. "Lo dije cuando empezó la gira y lo digo ahora, este disco habla un poco sobre la importancia de reencontrarse, en momentos densos, con lo que uno considere importante. Con los rituales. Este es uno para nosotros, así que muchas gracias por regalárnoslo". "Melancolía" y "La cochería" fueron las últimas dos canciones que sonaron en la noche, acompañadas por una invitación de Wos a todos los presentes :"Si vienen con algo para descargar, larguenlo acá". Todos dejamos algo en este cambalache al que entramos buscando, otra vez, melodías que saquen la sed.

En el marco de su Río de La Plata Tour, el artista se presentó en Casa Brava para conmover y hacer bailar a todos los presentes en un show que recorrió sus últimos lanzamientos. Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph El barrio de Pinchincha se preparaba para recibir a la encarnación del porteño con una cola que ocupaba aproximadamente media cuadra. Broke Carrey estaba a punto de presentarse por primera vez en Rosario con fecha propia, sin festivales ni invitaciones de por medio, y de manera gratuita. En palabras del propio cantante en entrevista con Musyca Medio , el motor detrás de este tour estaba relacionado pura y exclusivamente a la conexión del proyecto con el público, que parecía tener esto muy presente. Una vez adentro, el lugar estaba colmado de fans que esperaban la salida del artista a escena con ansias, mientras un DJ musicalizaba la noche con hits pop. Las luces se prendían y apagaban, ultimando los detalles finales. La música de repente mutó a un audio difuso, que luego se transformó en " Interludio Carrito ", con la entrada de los músicos uno a uno al escenario. Carrito , como le llaman los fans, se paró frente al pie de micrófono con sus lentes de sol, una musculosa metalera y su presencia indiscutible para abrir una noche difícil de olvidar. " X las dudas " y " Carrito ", dos hits indiscutibles de su álbum debut " Buenos Aires Motel " (2021), fueron las encargadas de hacerle entender al público que esta era una noche para saltar, cantar, descargar y disfrutar. El cantante, que tiene en sus orígenes influencias actorales, interpretaba cada canción con una performance que incluía bailes, señas, saltos y una indudable conexión con el público. El show, sin embargo, continuaba en sus comienzos. Cada vez más personas se acercaban al escenario, para formar parte activa del mismo. " Noespatanto " y " Tokens " mantuvieron la energía y funcionaron de antesala para una seguidilla que dejaría boquiabiertos a los fans. " Distinto ", la canción que abre " Río de La Plata " (2024), el EP donde expresó de manera abierta y directa su posicionamiento político. Llegando al final de la canción y sin ninguna pausa, comenzaron las primeras estrofas de " Compa ", uno de los feats favoritos del público que cuenta con la participación de Taichu . Sin embargo, al acercarse la estrofa exclusiva de la cantante, el sonido cambió rotundamente y Broke Carrey empezó a cantar: " Solo estoy abajo cuando ella quiera estar encima/nunca me relajo, vuelvo del trabajo pero no termina ", el público gritó emocionado. "Full Time" coronaba un momento de cantar sin parar, un hit detrás del otro. Un bloque dedicado a su primer disco, con temas como " Prosegur ", " Memento " y " Te kiero " desató la nostalgia y reafirmó el vínculo con sus fans, celebrando el disco que impulsó su carrera como solista. La emoción colmó el aire para el comienzo de " 2018 ", una canción completamente introspectiva y esperanzadora que retrata la realidad del artista antes de su éxito. Bañado en luz azul tenue, el artista relata sus inicios y sus pensamientos autodestructivos. La luz cambió a naranja para " Mentiras piadosas ", uno de los interludios de " Por Cesárea " (2024), el último lanzamiento de Dillom en el que colaboró tanto en la composición como en la interpretación de este emotivo tema. "Perdón", uno de sus feats con Dillom se hizo presente para contrastar cantando: " Todo lo que me dolió hoy me da risa ". Las luces enloquecieron, apagándose y prendiéndose para darle protagonismo a Elmalamia , el productor y colaborador del proyecto. Junto al cantante compartieron un especial momento que lo centró en el escenario para deslumbrar con su voz en dos de sus feats: " Usted " y " Desconocidos ", que contaron con un gran apoyo del público, que cantaba eufóricamente. Para equilibrar la energía y anticipar lo que se venía, la banda se tomó un descanso y Broke Carrey quedó solo en escena para darle vida a una hermosa interpretación de " Este cuore " de Daniel Melingo . Seguida apareció " Me odio ", la colaboración del artista junto a Melingo. En una conmoción que se contagió por todo el lugar, una luz blanca alumbró al cantante que comenzó a cantar con los ojos cerrados: " Voy a sacarle cada diente a tu sonrisa/como un descamisado voy a ahorcarte con mi camisa ". " Montonero ", la canción de su último lanzamiento que te sacude, haciendo a quien la escucha más que consciente de la realidad sociopolítica de nuestro país, con frases contundentes y que no dan lugar a la duda de su posicionamiento con frases como: "Si eso es libertad prefiero ser prisionero" y " Me cago en Milei y su hermana/Me cago en su escritorio y su oficina, en nombre de mi vieja y la bandera argentina ". " Solo " es la última canción que el artista interpreta en soledad. La banda vuelve al escenario para las últimas dos canciones y dos de las más esperadas: "Señales de humo" y "La última". "Señales de humo" es, probablemente, la canción más querida de su último lanzamiento, porque condensa la bronca que caracteriza todo el EP con frases contundentes en un tono suave y desesperanzado. " La última " es la canción perfecta para cerrar un recital y el público presente parecía tenerlo claro. Al comenzar sus primeros acordes, una ronda que ocupó todo el bar se abrió para disfrutar el momento " Como si fuera la última vez " cantando la canción más divertida de su discografía.

Telescopios e Ill Quentin se unieron en Casa Brava para brindar un show marcado por la energía de sus poderosos proyectos. Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph En el marco de la gira de presentación de "IV" (2024), el último lanzamiento de la banda cordobesa que fue gestado, según ellos mismos "entre música y caos", Ill Quentin subió al escenario para darle comienzo a una noche que encendió al público. Las luces de Casa Brava se apagaron y solo una tenue luz roja alumbraba el escenario. El track introductorio de su último álbum "q*"(2023), definido como "la relación del individuo con el cambio", comienza a sonar mientras los músicos que acompañarían al artista ingresaban al escenario. El público gritaba, expectante, desde el vallado simbólico del lugar con mesas que separaban al escenario de lo asistentes. " Escucho a mis amigos en cada acorde/puedo escuchar incluso a los que ya no están " se escucha en un tono dulce y abatido. Ill Quentin ingresa al escenario con las primeras líneas de " Pensando en mí " y el público comienza a cantar al unísono. Cada vez más gente se acerca al escenario para " Números rojos " y " Quizás algo en mí está mal ", completando un trío de canciones del álbum que le significó una apuesta sonora y lírica diferente a sus trabajos previos. " 4 grados en enero " y " Me gusta que me odies " funcionaron como un viaje en el tiempo para los fans y una demostración para el resto del público de su abanico sonoro y lírico. Así, comenzó un momento del cual se desprendieron movimientos por todo el lugar para darle paso a " Danza de la lluvia ", " Control de daños" y "Cambio", las tres canciones más movidas de "q*" que le dieron al show su mejor momento, acompañadas por luces blancas y azules que bailaban al compás junto a la gente. El track introductorio de su EP "El Círculo" (2022) se hace presente, llegando al final del show como antesala de " 100% ", el último single lanzado por el artista a través de Soundcloud. Para cerrar su show aparecieron " Sembrando el terror ", que contó con su presencia sobre las mesas que funcionaban de vallado, permitiendo un acercamiento al público y " No te puedo culpar " que cerró la noche con un público muy emocionado y un Ill Quentin muy agradecido: " Muchas gracias Rosario, nos vemos la próxima, que va a ser muy pronto ", dijo retirándose. Tras la despedida de Ill Quentin, el público de las primeras filas comenzó a renovarse. En solo 15 minutos, los fans de Telescopios ocuparon sus lugares mientras la banda ajustaba sus instrumentos. Uno a uno, subieron al escenario para abrir su show al igual que el álbum con " Problemas " seguido de " Superarlo ". Para continuar la presentación de "IV", aparecieron " La mitad ", " Nada nuevo " y " No necesito " con una energía inigualable que se expandía por todo el lugar, que cada vez estaba más atrapado por las canciones. " Ganas ", " Lo que tengo " y " La mañana " se hicieron presentes en el firme compromiso de la banda por brindarle a los rosarinos una presentación completa de su álbum para darlo a conocer y que puedan disfrutar de sus versiones en vivo. A esta altura, estaban a punto de completar el tracklist entero del álbum, que cuenta con 15 canciones, demostrando por qué su último lanzamiento es, sin dudas, el disco que más los marcó. " La misma señal ", " Cuando pierdas la cabeza " y " Una parte " le dieron continuidad y funcionaron de falso final. " El fin del caos " y " Nada x algo " le dieron cierre a esta exposición de "IV" a la que solo le faltaron algunas canciones para ser interpretado en su totalidad.

La argentinidad, el origen y el impacto de "Río de La Plata" y sus ambiciones personales y profesionales. Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Manuel Peña, mejor conocido como Broke Carrey, destaca por ser imparable y, en los últimos meses, por el fuerte contenido político en sus canciones. Tras el lanzamiento de su último EP " Río de La Plata ", se embarcará en una gira que lo llevará a recorrer interior del país con su propio show y contará con parada en Rosario el próximo 22 de noviembre en Casa Brava. Musyca Medio: ¿Qué es la identidad argentina para vos? ¿Cómo es un argentino? ¿Qué lo diferencia de los demás? Broke Carrey:  Creo que cada uno siente su identidad nacional de maneras distintas, cada uno se relaciona de maneras distintas con Argentina y con la forma de amar a nuestro país. Yo encontré la mía a través de la música y de la cultura, sobre todo. Y a través de tratar de retratar algo, aunque sea un poquito de eso, en mi música. Creo que ser argentino es ser una persona que está acostumbrada a levantarse todo el tiempo, a luchar una y otra vez. A remar en dulce de leche, digamos. Nunca gozamos de una gran estabilidad a largo plazo, entonces todo el tiempo uno se tiene que reinventar y salir adelante. Creo que eso nos da una resiliencia y una fortaleza extra como personas en comparación al resto del mundo. MM: ¿Y en cuanto a lo musical? ¿Crees que hoy en día hay un sonido que se pueda denominar como puramente argentino o que es una búsqueda que hay que hacer? BC: No sé si hay un sonido que se pueda considerar como puramente argentino, tampoco es mi búsqueda. Lo argentino es muy cosmopolita y estamos hechos de un montón de culturas, entonces para mí parte de darle tu identidad como sea. No puedo decir que mi música es cien por ciento argentina, porque tengo muchas influencias de afuera. Del hip hop, del reggaetón, de lo que quieras. Entonces la búsqueda siempre pasa más por una quintaesencia, por darle esa cosa extra que lo hace sentir argentino, porteño o de donde seas. MM: ¿Cómo te llevas con la dualidad de ser argentino, amando el país pero viviendo una realidad difícil de sobrellevar por lo económico, lo social y lo político? BC: Y un poco ser argentino es convivir con esa dualidad, todos amamos nuestro país y casi nunca estamos conformes con él. Es como muy del argentino, siempre estás saliendo adelante, tenemos cuatro años más o menos bien dentro de todo, y después de vuelta lo mismo. Ser argentino es vivir con esa dualidad de ser una persona que quiere a su país, a su patria, que ni en pedo viviría en otro lugar y al mismo tiempo sabes todo lo que está mal y que estamos en el mismo círculo una y otra vez, es convivir con ese amor-odio. Pero para mí es algo inherente en nuestro país. Lamentablemente, ¿no? Porque sería increíble que no sea así y que podamos gozar de una tranquilidad duradera alguna vez, pero bueno, hay que seguir teniendo esperanza. MM: ¿Crees que ya encontraste como suena Buenos Aires definitivamente o crees que podes seguir ahondando en eso? ¿Es tu plan? BC: No creo que pueda encontrar como suena Buenos Aires, definitivamente. La verdad no sé como suena, suena como Buenos Aires. Creo que mi proyecto musical va a ser una búsqueda constante, nunca voy a llegar a ningún lugar definitivo, entonces eso es lo importante. Si llego a algún lugar definitivo voy a tener que cambiar de carrera. Yo creo que del arte, lo que me gusta, es que es una búsqueda infinita. Uno nunca llega a un lugar definitivo y dice “Listo, es esto para siempre”. Quizás es algo hoy para mi que digo: “Es esto” y mañana nada que ver. Y así funciona mi cabeza y voy avanzando a nivel artístico. Para mi nunca nada es definitivo. MM: ¿Qué significa Buenos Aires para vos? Más allá de ser tu hogar y tu “ecosistema”, por decirlo de alguna forma.  BC: Buenos Aires para mi es como una extensión de mi personalidad y yo soy una extensión de ella también, es como una cosa recíproca. Crecí moldeado por esta ciudad. Me ha pasado de conocer amigos por la música de otros países y me dijeron: “ Sos la personificación del porteño ”. Es una ciudad que me ha moldeado y no tengo miedo de decirlo: soy full porteño. Aunque eso a veces pareciera un insulto en muchas partes del país, a mi eso me súper enorgullece, con sus cosas positivas y negativas. MM: ¿Crees que te inspira? ¿De qué maneras? BC:  Me inspira recorrerla, ver los edificios y la arquitectura histórica. Me inspiran sus monumentos, sus historias. El hecho de que en cada esquina nació alguna personalidad de la cultura o de la política. Cada vez que te pones a investigar parece infinito porque cada barrio y esquina tienen sus historias, entonces eso es lo que me inspira y me motiva. MM:   ¿Y Rosario? ¿Qué te genera el Monumento a la Bandera? BC: Con Rosario tengo una historia un poco graciosa porque fui como tres veces, pero creo que entre todas no estuve más de veinticuatro horas porque siempre he ido a tocar. He podido ir al Monumento a la Bandera, de hecho, la primera vez que fuimos fue con la TBB y estuvo increíble. La segunda vez, creo que fue en 2019, fuimos con casi toda la Ripgang y había salido campeón Boca. Había gente festejando, nos bajamos de la combi con Dillom, creo que también estaban Taichu y Quentin, y fuimos a festejar al monumento a la bandera que había salido campeón boquita. Esa fue la última vez que estuve y me parece el monumento más lindo que hay en el país. Es alucinante, te lleva puesto un poco verlo, me encanta. Y me encantaría conocer un poco más Rosario a fondo, tampoco voy a estar mucho tiempo esta vez. Pero es una ciudad que, lo poco que he conocido, me parece hermosa. La gente me parece como…Siento que hay una gran similitud con el porteño en muchas  cosas pero al mismo tiempo es gente que es un poco más tranca que nosotros. MM: Sobre "Río de La Plata ", tu último EP... ¿Cómo fue el momento donde sentiste que no te iba a quedar otra que dejarte fluir sobre lo que sentías respecto a la situación país en lugar de pensar los temas en la misma línea en la que venías previamente? ¿Cuánto tiempo pasó desde que asumió Milei hasta que decidiste que tenías que utilizar tu espacio para decir algo? BC: Río de La Plata surge de una incomodidad para con mi propia música, me venía sintiendo muy atravesado por las elecciones. Ganó Milei y los meses posteriores a eso fueron muy intensos. Me venía sintiendo muy acomplejado para con mi música, sentía que no decía mucho sobre lo que yo pensaba o como veo yo las cosas. De hecho, saqué un tema que salió el año pasado solo por Instagram cuya frase principal era: “ No me conocieron todavía ”. Toda la música que había hecho hablaba de cosas como desamores, problemas o cosas que me molestaban muy personales que tenían que ver con mi carrera y la gente todavía no me conocía de como pienso yo el mundo y como me atraviesan las cosas. Sentía que si tenía que sacar música este año no había chance de que vuelva a sacar algo que no tenga que ver con esto, porque yo estaba absolutamente atravesado por lo que le pasaba al país, por lo que me pasaba a mí alrededor de eso, a mis cercanos y a mi familia. Tenía como esta espina clavada de “ Okey, tengo que decir algo en lo próximo que haga ”. MM: ¿Cuando entendiste que tenías adentro alma de militante y decidiste darle rienda suelta en tus canciones?  BC: Se fue dando. De repente hice el primer tema que fue " Distinto ", una primera aproximación a eso, pero todavía tenía algunos vestigios de lo que es mi música anterior. Y segundo hice " Montonero ", que dije: “ ¿Qué pasa si escribo esto? " y no me esperaba que iba a escribir algo así el día que me levanté. Fue algo que se me dio en el momento y se fue dando. De repente tenía sentido y me sentía conectado con lo que estaba escribiendo. Sentí que me había conectado con un lado quizás más inconsciente mío y empecé a revolver estos sentimientos de militancia, que los tuve siempre y los había dejado un poco de lado. Me había distanciado un poco de la política, de la información de lo que pasaba en el momento, tuve un momento de descreimiento durante años. Pero era algo que más de adolescente, en la secundaria, me atravesaba y realmente lo sentía como algo propio y parte de mi identidad porque en mi casa siempre se habló de política y se militó. Fue conectarme de vuelta con una parte mía que tenía como olvidada y no sé, me salió fácil. MM: ¿Cómo crees que lograste que eso que tenías en la cabeza, y que intentaste plasmar sin filtros en el papel, se convierta en un concepto? BC:  Se fue armando solo. De repente estaban los tres temas, todos basados en las mismas referencias sonoras y todo estaba conectado. No es que súper pensé un concepto para esto, yo creo que el concepto soy yo. El concepto es lo que pienso. Es como una cosa más documental, digamos. Son todos temas hechos en el mismo momento de mi vida, los hice a todos más o menos en un mes. Era como me sentía en ese momento y era como documentar ese sentimiento. MM: Entiendo que fue una urgencia de hacer algo por la cultura en un momento tan difícil como este, pero… ¿Cómo fue encarar este tema de una manera tan directa y con poco presupuesto? BC:  La idea fue escribir sin filtro y no un tema que sea metafórico o que esté detrás de muchos mensajes ocultos, sino que quise decir lo que pensaba como si se lo estuviera contando a un amigo o puteando en una marcha. Decir lo que siento sin pelos en la lengua con la menor cantidad de filtros posibles. Fue una búsqueda de decir: “Tiene que tener el mejor filtro posible pero tiene que tener sentido narrativo todo lo que escriba”. Yo soy muy quisquilloso con eso, quería que tenga un sentido literario, que tenga una correlación y que haya una progresión en el nivel de enojo. O lo que yo creo que hay en montonero, por ejemplo, que es una progresión del nivel de emocionalidad y de dolor: el personaje empieza como que no le importa nada y termina en un nivel compungido y dolido por la situación y diciendo cosas mas en serio que solo putear. Respecto a lo del presupuesto, fue acercarnos a gente con el proyecto y al toque aceptaron. Porque les interpelaba la música, lo que decía y la idea de documentar la ciudad sin tantos papelitos de colores. Creo que eso marca un poco todo el proyecto, está hecho con puro y exclusivo amor, sin ninguna segunda intención. Entonces, creo que se formó algo muy especial y terminó saliendo todo tan redondo por eso. Para mi no hay nada superior a la gente que trabaja por pasión, por amor y que está conectada con lo que hace. Creo que eso fue lo mas clave para que Río de La Plata sea lo que es.  MM: ¿Qué significó para vos que muchas personas usaran tus frases para carteles en movilizaciones? BC: Lo de los carteles en las movilizaciones fue una locura. La verdad que no era algo que me esperara y me emocionó un montón. Realmente me conmovió y siento que es como que logró su propósito lo que escribí, que le llegó a gente. Mi meta siempre es llegarle a gente, no importa que sea una o un millón, para mi con llegarle a una y moverle el piso. Que a través de algo mío le haya surgido ganas o inspiración de hacer algo o lo haya hecho pensar, ese es mi objetivo. Verlo reflejado en tantas personas que utilizaron algo que escribí yo para ir a manifestarse me parece como…Ya está, ya gané. Aparte es esto: a mi no me importa inmortalizar mi nombre sino lo que escribo, mis ideas, y no me importa si mi nombre queda en el olvido. Hay una frase de Kanye West, que es uno de mis referentes máximos, que dice como: “ Nadie sabe quien invento la silla y nadie sabe quien invento la fuente pero todos tenemos una silla y a todos nos encanta la fuente ”. El verdadero arte, traspasa. El artista quedará en el olvido, pero las obras son las que quedan entonces, ver a mi obra tener un mínimo de ese momento, me llena de orgullo y es lo que me moviliza como artista: conectar con otros de esa manera. MM: Se habla mucho del “personaje” y “la persona”, ¿Cuánto crees que queda de vos en Broke Carrey? ¿Qué te llevas de tu personaje a tu día a día? BC: Cada vez me estoy acercando más a Manuel Peña. Broke Carrey quizás fue como una pantalla que me cree en un momento, que sigo siendo yo, pero es una versión caricaturizada de mi mismo. Como exagerada, pero con mis vivencias, mi forma de pensar, desde lo mejor hasta lo peor. Pero llegó un momento en el que, sacando toda la música que saque el año pasado y con todo lo que había hecho antes también, sentí que faltaba que la gente me conozca realmente. Siento que había un montón de cosas que no estaba mostrando y que están buenas para mostrar, sobre todo para conectar conmigo y que mi arte este conectado con mi forma de vivir. Entonces, cada vez siento que me acerco más y dejo mas esta idea de Broke Carrey de lado. Mi meta como persona, más allá de lo artístico, es estar cada vez más conectado conmigo mismo, con mi esencia, mi núcleo y con por qué hago las cosas. Soy una persona muy introspectiva, me la paso leyendo y meditando. Y todo lo hago con el objetivo de acercarme a mi mismo y de conectarme conmigo más allá del ego, de la música o de mis grandes objetivos como artista. A través de esa búsqueda es que nace todo y es la de acercarme a mí. MM: ¿Qué significa para vos “comerse al mundo”? ¿Crees que es una ventaja la mayor parte del tiempo o también te juega en contra? BC: Vengo un poco en conflicto con esto de comerme al mundo, porque cuando uno tiene grandes ambiciones, a veces deja de disfrutar el presente y un poco he sufrido eso. El no festejar los pequeños logros que uno tiene todos los días por estar pensando en el súper gran objetivo que está lejísimos y no te das cuenta de todo lo bueno que te está pasando a veces.  Vengo tratando de aflojar con eso, esas ambiciones y esas ganas de comerme al mundo siguen ahí, pero vengo tratando de enfocarme en comerme el día. En comerme el mundo hoy, mañana vemos. Es lo que me trajo hasta este lugar en mi carrera, ese hambre de no rendirme. Esa ambición enorme que en un momento era medio ciega y de repente empezó a tener sentido. Hace poco escuche una frase que era medio de viejazo, pero era como: “ Estoy muy lejos de donde quiero estar, pero también estoy muy lejos de donde empecé ”.  Y estoy tratando de apreciar más eso: el recorrido enorme que hice hasta ahora, de estar más agradecido y dar lo mejor de mí todos los días. Creo que es una forma más saludable de esta idea de comerme el mundo. Y es lo que busco también en la gente con la que me rodeo, que tenga un hambre similar al mío MM: ¿Cuando crees que se gestó este sueño de vivir del arte? ¿Cuál fue la primera vez que sentiste que se había cumplido o comenzado a cumplir? BC: Desde que tengo uso de conciencia quiero ser artista, de chico quería ser actor y eso después se transformó en querer hacer música. Pero fue algo muy progresivo y muy de a poco. Siento que cuando empezamos a armar lo que se transformó en la Ripgang y empezamos a tocar, en ese momento donde ya estaba rodando la pelota, para mi ya estaba. Dejé todo, de hecho. Empezamos a tocar un show por semana y yo dejé la carrera, estaba estudiando producción musical en ese momento, y renuncié a mi trabajo. Fue dedicarme cien por ciento a que eso se cumpla y siga creciendo. MM: ¿Por qué crees que “ vivir del arte es la forma más fiel de vivir con vos mismo ”? BC:  Creo que es así sobre todo por la forma en la que yo siempre viví y sentí las cosas. El arte siempre fue mi manera de cristalizar todo lo que me pasaba, mis ideas, mi forma de ver el mundo y comunicarme con los demás. Yo soy una persona a la que, aunque he mejorado con los años, le cuesta mucho comunicarse o explayarse emocionalmente y en la música encontré un lugar donde podía hacerlo; me sentía libre y sentía que podía realmente transmitir lo que me pasaba, no solo en una letra sino en melodías y energía. Esa es mi forma de atravesar la vida y el mundo, estoy cien por ciento de acuerdo con esa afirmación. MM: ¿Qué sensaciones te genera salir de gira por primera vez de manera autónoma con tu proyecto en ciudades como Rosario y Córdoba? BC:  La verdad que estoy muy contento de salir por primera vez con mi proyecto solista y hacer shows propios porque he ido a festivales en Rosario y Córdoba, pero no es lo mismo. Está buenísimo ir por tu cuenta a un lugar y que vaya la gente que te quiere ver, te quiere conocer o que quizás no te conoce, pero le llamaste la atención por algo. Siento que hay otra cercanía. Me emociona mucho hacerlo, tenía ganas hace un montón de tiempo y quiero seguir sumándole fechas a este tour. Siento que realmente lo voy a disfrutar y lo estoy haciendo por el mero hecho del disfrute. No lo estoy haciendo ni por una razón económica ni de proyección de carrera, lo estoy haciendo porque quiero, quiero conectar con la gente y siento que es necesario en este momento. MM: Dijiste que era importante para vos “ estar con la gente ”... ¿Crees que esa importancia tiene que ver con sentir cierta compañía mutua en un momento tan difícil socioculturalmente? BC:  Siento que como trabajadores de la cultura que somos es necesario seguir moviéndonos y seguir creando espacios para que la gente vaya a disfrutar y desconectarse un rato. A conectarse con el arte, con la música, con lo que sea que le mueva los intestinos. Quizás es algo de compañía mutua, pero también es un poco eso: estamos al servicio de la gente nosotros. Yo vivo de la música porque hay gente que me escucha. Le debo todo a la gente que me sigue, que compra una entrada o que me escucha todos los días antes de entrar al trabajo. Por mas que a mi no me signifique un rédito económico, yo quiero ir igual a esos lugares en forma de agradecimiento y de seguir haciendo que las cosas sucedan. Creo que la cultura muere y la esperanza en las sociedades muere cuando se detiene todo, cuando te rendís de alguna manera. MM: ¿En qué estás trabajando ahora? ¿Cuáles son los planes 2025 de Broke Carrey? BC:  2025: segundo disco de Broke Carrey. Vamos a ver si llegamos, porque tengo muchas ideas y no sé si llego a hacerlo todo para que salga en 2025. Me encantaría, pero quiero hacer mi mejor disco hasta ahora. Quiero hacer mucha música increíble, tengo muchas ideas y mucha gente con la que quiero trabajar. Es lo que mas quiero para el año que viene. Y también seguir tocando en otros lugares del interior y el Gran Buenos Aires.

El proceso desafiante detrás de “q*”, el rol de la ropa en su vida y la importancia de trabajar con amigos. Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Ill Quentin a esa altura es un artista que va más allá de lo urbano. Y más allá de la música. El cantante y compositor integrante de la Rip Gang se presentará el próximo 16 de noviembre en Casa Brava, trayendo a Rosario su último álbum de estudio “q*”, que sorprendió a sus oyentes por su nueva búsqueda musical y lírica y que recientemente cumplió un año desde su lanzamiento. Musyca Medio: ¿De donde surgen las letras de “q*”? ¿Cómo te sentiste escribiéndolo?  Ill Quentin: Las letras nacen de un deseo de querer salir de la zona de comfort, al igual que la instrumentalidad. Si bien no me encargué de eso, mi deseo era cambiar, pegar un poco el volantazo de lo que venía haciendo así que me sentí en una incomodidad necesaria y buscada. MM: Alguna vez lo definiste como “la relación del individuo con el cambio”, ¿Cómo definirías esa relación? IQ: Para mi es la relación del individuo con el cambio por la historia que cuenta, por los puntos donde se siente al protagonista chocarse la cabeza contra la pared y la necesidad de cambio es eso: chocarte la cabeza contra la pared un par de veces hasta darte cuenta que efectivamente algo tiene que cambiar en la forma de hacer las cosas. Y cada uno elige como toma ese camino, que para todos es difícil. Ese es un poco el mensaje que quiero dar con el álbum: es un proceso por el que todos tenemos que pasar y que para todos es difícil. La historia que quería contar es como el cambio es algo que hay que atravesar y como hay gente que lo puede hacer y hay gente que no. MM: ¿Qué factores te llevan a terminar eligiendo este camino sonoro y creo que también lírico inclinado a lo melódico? IQ: Creo que lo que me termina llevando a elegir ese camino es que eso siempre me gustó y fue un poco mi deseo de querer plasmarlo un poco más También me gusta cuando se mezclan con los rapeos entonces quería entender cuales son los puntos en que se conectan y creo que eso fue un poco la búsqueda. Además de estar muy acostumbrado ya a los rapeos o el trap, que me gusta porque lo consumo todos los días de mi vida, pero necesitaba darle una vuelta más para encontrarme a mí. MM:¿Qué influencias funcionaron como punto de partida? IQ: No sé si fueron referencia a la hora de producir pero si son dos álbumes con los que venía bastante en repetición en aquella época y creo que los dos tienen cosas que yo quería representar en el mío son: “Melodic Blue” de Baby Keem, que tiene unas cosas rítmicas rapeadas muy buenas, divertidas y llamativas para mi y “Pegasus” de Trippie Redd, que siempre me gusto mucho (Trippie Redd) por ser una persona del ámbito del trap que canta muy bien y le pone una impronta muy particular a su voz. Cuando lo escuchas te das cuenta de que sabe cantar, pero a la vez lo está haciendo sobre ritmos de trap. Ese punto intermedio me llamaba mucho la atención y me interesaba explorar. MM: Se habla mucho del “personaje” y “la persona”, ¿Cuánto crees que queda de vos en Ill Quentin? ¿Qué te llevas de tu personaje a tu día a día? IQ: Creo que Quentin y Rodrigo son lo mismo con un par de leves diferencias. Es el condimento que me ayuda a maximizar lo que soy, lo que puedo ser. Funciona como ese alter ego que puede hacer todo y que al mismo tiempo soy yo. Me empuja y me ayuda a tomar decisiones en pos de mi bienestar y de la gente que me rodea. La verdad me enseña muchas cosas en el día a día y me ayuda a encarar muchas situaciones cotidianas. MM: ¿Que aprendiste en este proceso desafiante de traer a “q*” al mundo? IQ: La paciencia. Y principalmente el saber soltar el mando creativo y permitírselo a otra persona. Hasta antes de “q*” había liderado creativamente todos los proyectos en los que había estado y acá es como que me tuve que acostumbrar mucho más a saber entender los procesos creativos de la gente con la que estoy trabajando y permitir que se desarrollen otras cosas que también son nutritivas para el proyecto. MM:   ¿Por qué crees que es tan importante trabajar con gente con la que puedas compartir un mate y una charla más allá de lo profesional?  IQ:  Le doy mucha importancia a eso porque para lo que hacemos es completamente necesario si queremos hacer cosas buenas y distintas al resto. Hay un mercado tan amplio que diferenciarse y hacer algo que valga la pena y que sea mejor que la propuesta común, es difícil. Hay otros laburos donde no es necesario conectar con la gente, que son mucho más solitarios y tienen un fin y un resultado más solitario, Con el arte no pasa eso, por eso creo que le pongo tanto énfasis y trato de aprovechar tanto la conexión. Yo quiero trabajar con la gente con la que me voy a llevar bien, con gente con la que me voy a reir; compartir un montón de horas en el estudio implica hacer que el paso del tiempo se haga más llevadero. Además, para mí es valiosísimo estar en la misma página de que todos queremos hacer lo mejor y algo distinto a lo que se está proponiendo en la media. Y es lo que importa al final del día. Creo que cualquier trabajo funciona mejor generando lazos entre los implicados, si la gente no tiene ganas de ir a poner el cuerpo, el tiempo y la energía para que el proyecto salga adelante y el fin es solo monetario, es muy complicado que de ahí salgan las mejores cosas. MM: Todo lo estético es muy importante para vos, ¿Por qué crees que se da, más allá de tu pasado como estudiante de diseño, de donde viene eso? IQ:  Si tengo que arriesgar, digo que por películas o por el diseño gráfico. Pero a mi me interesa esto desde antes de estudiar, siempre fue importante la comunicación visual para mi y siempre le puse mucha atención. MM: ¿Cómo surge tu cápsula de ropa? ¿Cuánto de las decisiones de diseño tomaste?  IQ: Surge porque cuando estaba en el proceso del álbum pensé que era un buen momento para lanzar mi propia marca y tenía muchos bocetos e ideas complejas. Quise arrancar eso a la vez que terminaba el proceso del disco y casi me vuelvo completamente desquiciado. Es muy complicada la industria textil nivel nacional, la verdad que gente que lo hace, respeta la disciplina y quiere innovar merece un respeto porque es difícil estar remando contra la corriente todos los días. Noté todo esto, que era diez veces más difícil de lo que pensaba y es ahí que los chicos de nös, que son amigos con los que siempre tuvimos la idea de colaborar, me propusieron que les muestre mis ideas. Básicamente pelaron las capas de mis diseños, las llevaron a algo realizable y les voy a estar agradecido toda mi vida por eso. Fueron los que saltaron en frente de la bala por mí en ese sentido. MM: ¿Qué significa vestirse para vos? IQ: Vestirse para mi es magico, es una extensión de uno mismo. Es dar un mensaje, mostrarse como queres que la gente te vea. Sé que es muy cliche de diseño gráfico, pero todo es un mensaje. Y la vestimenta, ni hablar. Si quisiera compararlo con algo lo llevaría a los tatuajes, que también me gustan mucho. Para mi no es aleatoria la skin que tengo, me tatuo lo que me gusta, uso lo que me gusta y me siento bien. MM:Dijiste que vivir de esto es tu sueño, ¿Cuando crees que se gestó este sueño?  IQ: Tengo recuerdo de ser chico, tener 5 o 6 años, mi mamá tenía muchos discos en casa y yo escuchaba música muy variada. Bajofondo, Robbie Williams, System Of A Down, Gorillaz. A mi la música me encantaba, la escuchaba y decía “Che esto yo lo podría hacer”. Siento que cuando uno crece con ritmo se da cuenta. No sabía que iba a hacer música la verdad, es más, medio que la decisión de empezar... Esto creo que no lo conté nunca. Antes tenía un instagram muy estético. Algunos de mis amigos eran fotógrafos y me sacaban fotos con sus cámaras reflex, yo las subía y a la gente le gustaba eso. Era la época en la que nadie tenía una cámara así y nadie estaba subiendo fotos con calidad profesional porque Instagram era una red social de subir una foto con el celular de lo que estabas comiendo al feed. Cuando empecé a generar esa imagen y a mostrar mis outfits con una buena calidad de imagen, pensé: “Che yo tengo que hacer algo para bancarlo a esto porque no quiero ser solo un instagram bonito, eventualmente todos van a tener fotos de esta calidad. Entonces, ¿Cómo mantengo esta imagen con algo que lo banque como background? ¿Qué disciplina artística puedo hacer? Voy a empezar a hacer música”. También venía consumiendo un montón de rap y rodeándome de gente que rapeaba. Esa fue la entrada, empecé a hacer música y por suerte me fue bien. MM: ¿Cuál fue la primera vez que sentiste que se había cumplido o comenzado a cumplir? IQ: Puedo hablar de dos momentos específicos: El primero fue cuando volvimos del primer tour, donde hicimos  Córdoba, Rosario y La Plata. Con ese ingreso decidí dejar el trabajo en la fumigación, que venía haciendo hace bastante y era algo que no me gustaba, no estaba en el lugar donde quería estar. Con esa plata que ni en pedo era para dejar el trabajo, pero creo que las buenas decisiones están hechas de correr riesgos como ese. Y después, un momento donde se venía la época de finales en la facultad y venía atrasadisimo porque había faltado varias semanas. Estábamos con Kuribo armando “Muerte en el agua”. Yo le decía a mi vieja que iba a la facultad, en realidad me iba al estudio y cuando era la hora en la que salía de la facultad, volvía a mi casa. En un momento me di cuenta de que estaba en cualquiera, no podía estar haciendo eso porque no me estaba siendo fiel a mi mismo. Cuando tomé la decisión de dejar la facultad fue un alivio. Salí de darme de baja y el sol brillaba más, caminé pensando “Qué lindo que es todo, la puta madre. Ahora solo es música”. MM:¿Y el deluxe de “q*” ? ¿Cuánto recortaste del original? ¿Por qué? IQ: S e recortaron algo algo como 4 o 5 temas del original, No es que hicimos temas de más, sino que quedaron afuera porque el álbum que quedó es sólido y cuenta la historia que queremos que cuente. También por falta de tiempo, estábamos muy a contrarreloj y al álbum había que sacarlo. “q +” es el director’s cut de “q*” Hoy no se si va a salir, volver a escucharlo me da ganas de sacarlo. Después las ganas se me van. Es algo que si se quisiera sacar llevaría mucho trabajo y no se si estoy para ponerle la energía a eso, estoy pensando en otras cosas en este momento. Sé que mucha gente me odia por este encare que tengo con muchas cosas, pero es la manera que tengo de vivir los procesos artísticos. MM: ¿En qué estás trabajando ahora? ¿Cuáles son los planes 2025 de Ill Quentin? IQ:  Estoy trabajando en un montón de cosas, no quiero spoilear mucho. Pero ropa y música. Trato de encontrar el equilibrio entre darle a mi público lo que más quiere, lo que más puedo y lo que más tengo ganas de hacer. No hago el arte para la gente, hago el arte para mí y tengo la suerte hermosa y el regalo del universo que a la gente le gusta. Pero al final del día, lo hago para mi Estuve ayudando a músicos, hace poco dí mis primeros pasos en la composicion que no es propia en el álbum de Hele (Odd Mami). Siempre que alguien quiera una mano y que yo sea esa mano valiosa, lo hago. Tengo ganas de sacar mucha música el año que viene. Hay algunas cosas dando vueltas y estoy creando algún posible universo para que la gente pueda consumir en el próximo tiempo así que espero poder cerrar con placer todas esas ideas y proyectos.