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En el marco de Plataforma Invita, la banda se apropió del escenario para una noche inolvidable llena de rock, psicodelia y amor por la música Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph El ciclo Plataforma Invita , impulsado desde el Ministerio de Cultura de Santa Fe y con sede en Plataforma Lavardén , tiene como objetivo invitar de manera gratuita a los rosarinos a descubrir nuevos sonidos y poner al teatro como un espacio tradicional a conquistar por las nuevas generaciones de nuevas maneras. El evento se realiza de manera quincenal los días jueves y cuenta con bandas rosarinas y DJs invitados. En esta oportunidad, Narciso  fue convocada junto a su público entusiasta a ocupar las butacas y proponerse una noche donde la conexión con la música no pase por el cuerpo, sino por la interpretación tanto arriba como abajo del escenario. Podés conocer más de Narciso haciendo click acá Así, la banda que se propone reinterpretar la música sesentosa entró a escena con una certeza: iban a deslumbrar al público como en cada presentación. Tras una gira de presentación de su último lanzamiento, con paradas en Buenos Aires y Santa Fe, los jóvenes se reencontraron en su ciudad natal con su fiel público, que engloba desde los primeros fans hasta amigos y familiares. En un teatro estallado, que no pudo ni cerrar sus puertas a causa de la cantidad de gente, la noche comenzó con clásicos covers de Los Gatos  y The Doors , dos de las bandas que más los inspiran a la hora de crear. Para continuar la velada, se hicieron presentes sus canciones propias, pertenecientes a su álbum homónimo, lanzado hace apenas dos meses. Y, para sorpresa de nadie, fueron ovacionadas y cantadas con energía de principio a fin. Incluso muchas personas se pararon de sus asientos para acercarse a cantar más cerca del escenario, saludarlos y acercarles regalos, entre los que destacó un ramo de narcisos. Uno de los momentos más emocionantes de la noche fue cuando un fan se subió al escenario a cantar " Baile de verano ", su primer single, demostrando así la conexión única que tiene la banda con el público. Tal como declaró el vocalista y tecladista Charly en entrevista con Musyca Medio: "La pregunta es ‘¿Cómo la gente nos banca tanto?’ Es el amor incondicional que le tenemos a la música. El poder del amor a la música." Ese amor a la música se hace presente en cada una de sus presentaciones en vivo, ofreciendo desde lo más sincero su interpretación de canciones que los marcaron y de las que compusieron en conjunto para expresar sus propios sentimientos. Abajo del escenario se aplaudía y cantaba sin parar. El amor a la música no solo estaba arriba del escenario, sino que se apoderaba de cada rincón del teatro. Llegando al final, una interpretación única dejó boquiabiertos a todos los presentes. " The End ", de The Doors , apareció para darle el cierre perfecto a la noche, de la mano de cuatro jóvenes sin miedo al show. Facu en batería, Manu en bajo y Tiago en guitarra aportaron desde sus lugares la atmósfera ideal que acompañaría a Charly a un momento especial que encerró actuación, interpretación, performance y homenaje a su banda favorita. Entre agradecimientos —que fueron desde la organización hasta Jim Morrison , pasando por el público y el lugar— se despidieron del escenario con una reverencia. Podés escuchar " Narciso " acá:

El proceso detrás de su primer disco, el rol de las redes sociales en su música y la importancia de conectar con el público Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Jaz Malignani es una artista independiente que acumula más de 460 mil likes en videos de TikTok difundiendo su música. A través de las redes sociales, logró conectar con personas de todo el país con su música sensible, auténtica y con un claro tinte LGBT. Ahora, se propone presentarse en vivo para llevar la conexión de lo virtual a lo presencial con su disco debut " ILLICIT DESIRES ", mientras trabaja en su próximo lanzamiento. Musyca Medio: ¿Cómo definirías a ILLICIT DESIRES? ¿Cuál dirías que es el concepto que encierra? Jaz Malignani: Uf, qué difícil. Siento que es un montón de cosas. Pero lo voy a definir como una historia trágica de juventud, desamor e idealización. Engloba muchos conceptos y tiene una carga simbólica muy pesada este disco, para empezar el mito de Ícaro envuelve muy bien el sentimiento que me genera a mí. Representa mucho el vicio desde un sentido más emocional de quedarse en la tristeza y no poder salir de ella. Es una idealización tan llevada al extremo que termino quemándome las alas y llevándome a la perdición. MM: ¿Lo consideras autobiográfico? Aún así, ¿crees que el objetivo del disco era retratar un poco la forma de relacionarnos con otros y con nosotros mismos que tienen las personas de nuestra generación? JM: Es 100% autobiográfico, es un reflejo de mi diario íntimo pero con música de fondo. " ILLICIT DESIRES " en particular es sobre una situación vincular que me tenia mal. Hay canciones que escribí cuando me enamoré de esta persona y otras cuando ya se había ido todo al carajo. No se si busqué intencionalmente eso, pero tal vez termina siendo un reflejo de las formas de relacionarse. MM: ¿Qué rol cumple en tu arte el hecho de formar parte de la comunidad LGBT? ¿Fue difícil asumir ese lugar a la hora de escribir o es algo que consideras natural? JM: Lo que me paso fue con una chica y en consecuencia las canciones se volvieron parte de la escena musical LGBT. Sinceramente, cuando las compuse no pensaba que se iban a mostrar a un otro entonces no me preocupaba. Pero cuando decidí que iba a ser parte de un disco y se iba a mostrar al mundo si tuve algún que otro momento de duda, pero nada tan grande para impedirme sacarlas. Me siento muy orgullosa de quien soy y de lo que siento, así que se dio de manera orgánica y natural. Mi "miedo" iba por la repercusión que podía tener mi entorno en Tandil, había gente fuera de mi círculo íntimo que no sabía que no era 100% hetero y ese choque capaz me daba un poco de cosa. Pero es mi vida mi proceso y no me avergüenza. MM: ¿Cómo es tu proceso de composición? JM: Mi proceso de composición fue variando a través de los años, principalmente cuando empecé a pensarlo como lo que quiero hacer para toda la vida. Ahora me permito jugar, trabajar en base a ejercicios disparadores, pero mi forma más real y cruda de donde salen las canciones es: me pasa algo, me siento con la guitarra en mi cuarto sola y empiezo a escribir. Siempre aparece primero la idea, quizás alguna que otra frase y a partir de ahí empieza a salir en conjunto con la armonía y melodía. MM: ¿Y cómo fue trabajar tus canciones con productores y que te den sus feedbacks? JM: Estuvo buenísimo trabajar con productores, nunca me hubiera imaginado producir mis temas era más como una forma de terapia. Pero una amiga música Luli Ruiu me animo a hacerlo. Para mi eso era un delirio, lo veía súper lejano. Pero le hice caso, me encontré con Dani Schnock mi productor que me cambio la vida completamente y descubrí con él a donde podían llegar mis canciones de la forma más sensible divertida desafiante y orgánica. MM: ¿Cómo fue pasar de escribir canciones en tu habitación a grabar un disco? JM: Fue una locura. capaz suena como un montón, pero yo realmente creo que todo este proceso me salvó la vida. Estaba en un momento muy duro emocionalmente, atravesando un pozo depresivo heavy, pero las sesiones de produ me daban un empujón enorme y me devolvían la chispita. No me las perdía por nada. Ese momento semanal de producir las canciones era mi momento preferido de la semana. Grabar un disco me dio mucha confianza y me ayudo mucho en cuanto a autoestima. Pasaron de ser canciones chiquitas susurradas en mi cuarto a ser canciones hechas y derechas con mucho trabajo detrás. MM: ¿Qué papel tuvieron tu familia y tus amigos en ese pasaje? JM: Tuvieron un rol importantísimo desde distintos frentes. Mi familia me banco emocionalmente y en parte monetariamente. Mis amigos siempre me apoyaron, escuchaban cada estrofa y cada avance en el momento. Y mis amigos de la facultad, con quienes trabajé para el único videoclip que tengo que es el de " Elephant in the room ". Y Paloma Montagne , de quien vamos a hablar más adelante, fue una pieza ultra clave del disco. MM: ¿Cómo aparecen en tus canciones las letras en inglés? ¿Y por qué? JM: Simplemente aparecen. Me siento con la guitarra y mi cuerpo automáticamente dicta en que idioma se escribe ese día. Toda mi vida consumí música, películas y libros en inglés. Mi mamá es de EEUU y hablo inglés desde chica así que tenia el oído entrenado por ese lado. También al principio había algo sobre la exposición: al escribir en inglés no me estaba exponiendo tanto como si lo hacia en castellano. Además, me gusta mucho la forma de simbolizar algunas cuestiones que tiene. Y finalmente el hecho de que amo con todo mi ser y crecí escuchando a Taylor Swift, siento que eso tuvo su peso también. MM: ¿Y qué artistas argentinos crees que te influencian? JM: Capaz Paz Carrara y Zoe Gotusso servirían de referencia en cuanto al primer disco. Para lo nuevo que se viene tengo a Ca7riel y Paco Amoroso como norte. MM: ¿Con quién te gustaría colaborar? JM: Con Aaron Dessner , me encantaría trabajar con él. Es mi sueño Y en cuanto a alguno más posible me encantaría hacer un tema con mi productor Dani y con Delfi Mancardo que son una dupla llena de creatividad. MM: ¿Cómo apareció la identidad visual tan marcada del disco? ¿Cómo se trabajó? JM: La identidad visual fue un re proceso, para mi lo audiovisual es re importante. Pensaba este disco como algo conceptual y no era suficiente englobarlo únicamente en música. Estuve muy trabada con esto, lo cual venia retrasando la salida de las canciones al mundo. Hasta que encontré a Paloma Montagne y empezamos a laburar desde mi bloqueo y conceptos sueltos. Entendió todo desde el momento uno, fuimos trabajando los colores simbolismos, metáforas, todo desde la fotografía. También hicimos un recorrido por todas las canciones con un poema inspirado en el mito de Ícaro. Fue un proceso hermoso que me dejo una amiga de hierro. No seria lo mismo sin su aporte mágico. MM: ¿Qué fue lo mejor y qué lo peor del proceso de sacar un disco al mundo? JM: Lo mejor fue la cantidad de gente que conocí a través de la música y el sentir que mis letras generan cosas en gente que no conozco ni me conoce, pero con quienes igualmente tengo una relación muy profunda. Lo peor tal vez es sentir que hay que insistir para que escuchen, a veces todo el proceso de promoción se vuelve pesado. Y también es duro al bolsillo ser artista independiente. MM: ¿Qué aprendizajes crees que te llevaste para el próximo? JM: Aprendí mucho a no alargar tanto los procesos, porque este disco me llevo casi tres años. Para este nuevo disco quiero ser mas concreta y concisa con lo que busco. También aprendí que las canciones les van a llegar a quienes les tengan que llegar y yo simplemente soy un canal que conecta algo más grande. MM: Sabemos que usas TikTok para promocionar tu música y crear comunidad…¿cómo es intentar que tu arte llegue a más personas a través de las redes? JM: Es una dualidad constante. Tengo un amor odio con las redes en especial con TikTok. Por un lado esta buenísimo te permite llegar a un montón de gente que le copa lo que hago y estoy súper agradecida con eso. Con estas plataformas se democratizaron mucho las oportunidades de crecer y esta increíble pero también significa un mar enorme de oferta, entonces resulta payasesco y pesado tener que buscar formas creativas de difundir mi música sin sentirme una molestia. Se vuelve cansador y despersonificante de alguna forma. Por eso este año me propuse arrancar con los shows en vivo y soltar un poco la virtualidad, porque en lo presencial es donde siento realmente esa conexión que me interesa y me llama MM: ¿Soñás con vivir del arte? ¿Cuál fue la primera vez que sentiste que se había cumplido o comenzado a cumplir? JM: Me encantaría no tener que poner mi energía en nada más que en mi arte. Creo que el sueño esta desde chiquita pero empecé a tomármelo en serio, en 2022, cuando empecé a producir mis canciones. La primera vez que sentí que el sueño había comenzado a cumplirse fue cuando gente que no conozco me empezó a escribir diciendo que les encantaría verme en vivo y que mi música les atraviesa. MM: ¿En qué estás trabajando ahora? ¿Cuáles son los planes 2025 de Jaz Malignani? JM: Música nueva, siempre. No hubo momento de descanso, el álbum salió y con Dani ya estábamos produciendo cosas nuevas. Ahora estoy explorando escribir mas en castellano yendo por un lado un poco más R&B, jazzero o popero, pero sin perder lo acústico tampoco. No sé como describirlo. Ando con muchas ganas de grabar un álbum 100% acústico en vivo también. Hay muchas canciones escritas y estoy trabajando en que nada quede perdido y encajonado. Este año me propuse tocar mucho en vivo, que es algo que no venia haciendo y me daba mucho miedo, pero siento necesario para conectar y consagrarme en esa figura de artista. Podés escuchar " ILLICIT DESIRES " acá:

La banda sorprendió con un formato nocturno que combinó música en vivo, DJs y fiesta hasta la madrugada con la energía que tanto los caracteriza Crónica: Abigail Bek - @abigail.bek Fotos: Estefania Flores - @f_tefi La noche se convocaba bajo el nombre " Operación Clímax de Medianoche ":   más que un show, una verdadera fiesta clímax hasta el amanecer. Con el eclecticismo performático que caracteriza al grupo, esta experiencia también incluyó un museo con esculturas, vestuario y utilería que formaron parte de los escenarios que la banda ocupa desde hace más de quince años. Una buena actividad para recorrer mientras se iba llenando el C Art Media y anticiparse a lo que estaba por comenzar. Iniciando con un set de DJ Funkaplastic , la pista empezó a subir la temperatura hasta recibir con ansias a Militantes del Clímax cerca de la 1:30 am. Como siempre, no faltó la performance inicial de Franco Bersi —acompañado por Simón Grunblatt en violín— caracterizada por el drama, la teatralidad y la espectacularidad. En esta oportunidad con citas a Manuel Belgrano y nuestra patria, marcado por el reciente Día de la Bandera Argentina, sin omitir referencias al actual contexto político con una mirada crítica y afilada como suelen hacer los militantes, como definen su nombre y sus orígenes en el hip hop. El gran conjunto destelló en su ingreso con sus brillantes vestuarios, iniciando un show protagonizado por un repaso de clásicos de su repertorio —como  "Maradona Caniggia" y  " Cama Adentro" —, una indiscutida presencia de su disco  " Día 4" y la preponderancia del más reciente, " Nueva Sangre " ; el proyecto que significó la vuelta de la banda tras seis años lanzar con un sonido renovado marcado por el fulgor del funk mientras las líricas — siempre comprometidas socialmente — siguen ancladas en las raíces del hip hop. Además, incluyó un interludio teatral dividiendo el show en dos actos, donde la vestimenta de Bersi fue un claro guiño al Papa Francisco —primer papa argentino recientemente difunto— y un discurso que expresaba las tensiones entre religión, sus verdugos y la ciencia. El espíritu del aguante se extendió entre pista y escenario, con sus letras potentes, el fragor de los característicos bronces y sus pogos contestatarios, mientras se extendían banderas entre una comunidad danzante que amplificó sus coros como hinchada.  Sacudidos por el tremendo espectáculo que la big  banda sirvió, el público continuó bailando con el mismo aliento agitado que tanto sacudón propició. La fiesta siguió al ritmo del set del DJ Manu Ocampo hasta terminar la noche en un pleno ambiente bolichero, luces incluidas. Con mucho groove , baile y desborde, pero también el contenido, el agite y la comunidad que la misma banda supo construir, el show demostró que la resistencia también puede estar en las pistas de la mano de un grupo que, a esta altura, no es sólo una banda sino un movimiento.

" Estos dieciséis shows, después de quince años sin tocar juntos, fueron para nosotros una enorme fuente de emociones ", expresó Andrés Ciro Martínez sincerándose ante su público Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Cortesía DF Entertainment No te sorprenda volverme a ver El último ritual piojoso antes del regreso a los escenarios —inaugurado en el Estadio Único de La Plata en diciembre de 2024— se describe como una noche fría cargada de tristeza. El 30 de mayo del 2009, Los Piojos se despedían de los escenarios tras veintidós años de actividad, en un Estadio Monumental que lloraba ante la partida de su banda favorita. El 22 de junio de 2025 se presentaba como un nuevo cierre de etapa para la banda. Luego de 16 recitales alrededor del país que permitieron a nuevas y viejas generaciones viajar en el tiempo por los discos que marcaron su adolescencia, revivir lazos que se creían perdidos y compartir una pasión única e inagotable: la de la música que le canta a la realidad de su propio país. Entre abrazos de hasta cuatro generaciones juntas, grupos de amigos y parejas de todas las edades, Los Piojos volvieron a despedirse. Pero esta vez en un ambiente de felicidad total, agradecimientos y una certeza: " no volverán a pasar quince años ni nada parecido ", como aseguró Andrés Ciro Martínez en más de una oportunidad. Lo que sí se mantuvo fue el frío, el viento, la tormenta amenazante y ese sentimiento de estar viviendo un momento único e irrepetible en la historia de la banda. En 2025, ese sentimiento se transmitió de generación en generación, como los discos, las dedicatorias de canciones y las pasiones heredadas de hermanos, padres o tíos a adolescentes y niños. Alimentando un ciclo que parece no tener fin y ser parte esencial de la vida de cada argentino conforme pasan los años. Es ahí donde las generaciones menores empiezan a vivir en carne viva eso que tanto han escuchado contar y visto a través de fotos y videos. El mito y el sueño se convierten en lo mismo y se hacen realidad. El recital en la noche más fría, pero con el sentimiento más vivo que nunca, fue efectivamente la despedida de la banda en River…la de 2025. Una noche similar a la del 2009 en lo climático, aunque marcada por la alegría y el reencuentro como protagonistas. Fantasmas peleándole al viento El cielo nublado, surcado por aviones que se perdían entre nubes tormentosas, daba la bienvenida a cada fanático en su rincón del estadio. La noche avanzaba sin tregua, y el viento cortante hacía temblar incluso a los más abrigados. Banderas de todos los tamaños flameaban, atravesando el campo entre camperas gruesas y pilotos de lluvia. Pasadas las 21, las luces, que hasta ese momento iluminaban todo el estadio, se apagaron. El piojo infinito iluminado de azul flotaba como un símbolo de lo que estaba por venir. " Arco " seguido de " María y José " fueron los elegidos para darle comienzo a una noche inolvidable para todos los presentes que saltaban y cantaban a pesar del frío viento y una lluvia finita que mojaba más de lo que parecía. Para " Hoy es hoy ", Ciro cubrió su cara por completo con una bandera argentina mientras entonaba un relato crudo que también funcionaba como un llamado a la acción para el pueblo. " Canción de cuna " calmó el pogo pero encendió las almas. Fue dedicada " a los viejos piojosos " que compartían esa noche con sus hijos, y algunos hasta con sus nietos. Una gran conmoción recorrió el predio: padres que abrazaban a sus hijos, o los subían a los hombros entre lágrimas. “ Merecido ”, “ San Jauretche ” y “ Luz de Marfil ” protagonizaron un momento de emoción total, con “ Verde paisaje del infierno ” —su quinto disco— como protagonista, y “ Fantasma ”, directamente desde “ Máquina de sangre ”. “ Pistolas ”, una de las tantas canciones que significaron un viaje en el tiempo, fue interpretada por tres invitados especiales: Caetano Buira , Alejandro Ciro Martínez y Danilo Fernández . Los hijos de Dani , Ciro y Piti , respectivamente, se hicieron presentes, generando un momento que ponía en evidencia el traspaso del legado piojoso de una generación a la siguiente, tanto arriba como abajo del escenario. “Reggae rojo y negro” representó el momento de Piti Fernández con el público. Para calentar motores en una noche fresca que no daba tregua, la canción contó con Antonio —otro de sus hijos e integrante de La Franela — y Rodrigo Pérez, integrante de Ciro y Los Persas , como invitados especiales. Hoy, amanecer, hoy es renacer Las luces se apagaron por completo y un video que repasaba momentos desde sus inicios hasta el último recital que brindaron en 2009 estremeció a los presentes mientras el tecladista   Juan Cucchiarelli interpretaba en soledad la melodía de " Ruleta ". Así, se dio inicio a uno de los momentos más emotivos de la noche: el homenaje a   Gustavo “Tavo” Kupinski con su hermano Mateo sobre el escenario en voces y guitarra para " Sudestada ", canción de su autoría en la que cada integrante tomó el micrófono para cantar un fragmento. " Vals inicial " fue la transición perfecta que contó con la participación de un ensamble de cuerdas dirigido por Juan “Pollo” Raffo , que acentuó su dramatismo absoluto. “ Desde lejos no se ve ” y “ Ay ay ay ”, dos pilares indiscutibles de los rituales piojosos, aparecieron para revivir el pogo y encender cada rincón del estadio, junto a sus pequeñas costumbres que unieron a los presentes en un momento único. “ Ando ganas ” planteó una pausa breve, ya que las canciones que siguieron no dieron tregua. “ Taxi Boy ”, “ Tan solo ” y “ Los mocosos ” exigieron al público llevar sus energías al límite. Ellos, entregados, saltaban y cantaban como si así pudieran retener a la banda y evitar que la despedida llegara a su fin. Aunque nada me ata de tu amor estoy preso " Escribí unas cositas lindas mientras venía para acá en la combi ", dijo Ciro , sincerándose y dando inicio a uno de los momentos de mayor emoción de la noche. En sus palabras, agradeció tanto al público como a sus compañeros —los viejos y los nuevos—, destacando sus virtudes y su compromiso. " Estos dieciséis shows, después de quince años sin tocar juntos, fueron para nosotros una enorme fuente de emociones. Primero, por ver la locura desatada en todos ustedes, viniendo con sus familias y amigos. Verlos en los alrededores de los estadios de cada ciudad y en redes sociales, con sus remeras, banderas y demás. Para nosotros fue volver a juntarnos con compañeros después de mucho tiempo. Nos reencontramos desde otro lugar, después de no trabajar juntos por muchos años. (…) Con Piti siento una conexión como nunca antes ", expresó. Piti , visiblemente emocionado, se acercó a abrazarlo. " No sabía de esto, eh ", aclaró el guitarrista al público. Acompañado por los aplausos y el aliento de todo el predio, el discurso llegaba a su fin con agradecimientos también para el equipo detrás de escena, y con una distinción clara entre aquella despedida del 2009 y lo vivido esa misma noche. " A diferencia de aquel 30 de mayo —aunque también hacía mucho frío—, el sentimiento era de tristeza, de bronca. Hoy es un sentimiento de alegría. Y como les dijimos: no van a pasar ni parecido a quince años para que volvamos a tocar. ” sentenció antes de introducir la siguiente canción. " La última vez que esta banda presentó un tema nuevo en vivo fue en 2007" , recordó antes de tocar " Paciencia ", la nueva canción que habían presentado el 21 de junio en el mismo estadio y que fue grabada en esta nueva etapa. Fue disfrutada por todo el público como una señal de esperanza. Cuando y como sea que vuelva, hay Los Piojos para rato. Otro momento que erizó pieles fue “ Maradó ”. A 39 años de, en palabras de la banda, “ el gol más grande de todos los tiempos ”, Diego Armando Maradona fue homenajeado no solo con la canción en su honor, sino también con la proyección de su majestuoso gol contra Inglaterra. En un estadio repleto, el público se unió en un grito de victoria al verlo triunfar, más de treinta años después. En una noche que parecía llegar a su final, por fin llegaron muchos de los temas más esperados: “ Ruleta ”, “ Como Alí ”, “ Morella ” y “ Bicho de ciudad ”. Cada uno con su energía característica, desatando grandes rondas de pogo y lágrimas. “ Muévelo ”, por su parte, funcionó como un momento de unión y celebración. Durante la canción, personas del público fueron elegidas para subir al escenario, y cada integrante fue presentado y aplaudido. Voy a llevarte en mí " Pacífico " llegó como un comienzo de despedida agridulce. La canción, perteneciente a " Civilización ", el séptimo y último disco de estudio de la banda, fue coreada con emoción mientras se proyectaban en las pantallas tatuajes de todas las ilustraciones de piojos que representaron cada etapa, incluido el piojo infinito. " Último tema de la noche ", anunciaba Ciro iniciando su clásico juego de "sí" y "no" junto al público, que contó con  una interpretación de  Juana Azurduy y culminó con " El Farolito ", seguido de " Genius ". Dos canciones que marcan la energía piojosa y parecían señalar el final. Aunque se sabe que los falsos finales existen, la catarata de joyas e hits y el reloj que indicaba las 00, hacía pensar que solo quedaba pendiente la despedida con la lectura de las banderas. En completa oscuridad y ante la sensación inminente del final, se escuchó desde el escenario: “ Betembó, betembó ”. Así comenzaba “ Babilonía ”, un clásico indiscutido y favorito de todos, coreado en cada silencio que se produjo a lo largo del ritual y de, prácticamente, todos los anteriores. Una figurita difícil que todos deseaban escuchar. El Monumental se inundó entonces con un calor nunca antes sentido esa noche; el campo estalló en pogos, y las plateas enloquecieron entre saltos y vítores. “ Cruel ” fue la última canción completa de la noche. Se esperaba “ Finale ”, el tema con el que acostumbran cerrar los shows. Sin embargo, “ Buenos días Palomar ”, una joya guardada, fue la elegida para cerrar esta despedida. La última canción de su último disco de estudio marcó el fin de una noche histórica, mientras Ciro y Piti leían las más de cincuenta banderas repartidas por todo el estadio, flameando con el fuerte viento o colgadas en las bandejas de las plateas. " Llegar, buscar, jugar, abrir/amar, caer, dejar, sufrir/volver, probar, pagar, seguir ", dice su letra, relatando el camino vivido tanto por los fanáticos como por los integrantes de la banda durante quince años sin reunirse. Tras saludar con una reverencia, la banda se despedía finalmente del icónico escenario, por tiempo indefinido. En completa soledad, Ciro interpretaba por última vez el Himno Nacional Argentino acompañado de su armónica, mientras en las pantallas se proyectaba una bandera argentina formada por la iconografía referente a la banda.

Dos meses después del recital en el CC Konex que fue grabado y lanzado bajo el nombre “Siempre escucho las mismas canciones (En vivo)”, la banda liderada por Tom Quintans abrazó a su público a sala llena Crónica: Sofía Dalponte - @sofismad Fotos: Estefania Flores - @f_tefi El puntapié inicial lo dio Máze , la banda del ambiente under influenciada en parte por Bestia Bebé  y que, aunque telonera, dio muestras de tener un público propio que cantó todas las canciones. Como un partido de la reserva que veían los hinchas que llegaban antes del partido de primera y conocían los nombres de las futuras generaciones de su equipo, alentando en cada jugada. Las expectativas para Bestia Bebé  eran claras: fútbol y agite. “ Dale que juega Boca ”, se escuchó del lado del público después de que sonara el infaltable “ It’s a Heartache ” de Bonnie Tyler  y los hinchas lo transformara en el argentino “ Jugadores/la concha de su madre/a ver si ponen huevos/que no juegan con nadie ”. La respuesta fue arrolladora: comenzaron tocando “ Omar ” y “ Antártida Argentina ” seguidos, con sus introducciones tan identitarias de su rock barrial. Fuerte y al medio. El público acompañó coreando y agradeciendo en forma de silbidos, aplausos, brazos, piernas y cabezas. Todo el cuerpo. Suena “ El verano ” y todos cantan en comunión “ mil problemas/mil errores/siempre escucho las mismas canciones ”. Al final del tema apareció en escena el personaje retratado en la tapa del disco “ Vamos a destruir ” (2023). Cubierto de negro hasta la cabeza y una máscara terrorífica. Se movía por todo el escenario, amagando con asustar y buscando complicidad con cada integrante principal: dos guitarras, un bajo y una batería. Simples, con potencia ramonera. El personaje se acercaba al público, se sacaba la capucha e iba recorriendo cada centímetro del escenario. El resultado fue la esencia misma de la banda y la que los mantiene unidos después de tanto tiempo: la diversión. Una complicidad innegable entre ellos se vió reflejada en las 24 canciones que tocaron a lo largo de la noche. Lo que pasó durante las casi dos horas siguientes fue la construcción de una comunión entre público y banda, en búsqueda de un refugio que no fue ajeno a la actualidad. Hubo cantos contra el presidente Javier Milei después de “ Patrullas del Terror ”. También se hizo presente el canto “ a pesar de las bombas/de los fusilamientos/los compañeros muertos/los desaparecidos, no nos han vencido ” como conexión directa con la letra de “ Rondador Nocturno ”, con especial hincapié en los brazos de los oyentes en “ ...y no me rendí/ no es tan fácil destruirme a mí /pero solo se va a complicar/no me abandones ”. Tampoco faltaron las remeras con inscripciones como “ Juicio y castigo ” o “ Justicia por Pablo Grillo ”, el fotógrafo que sufrió el impacto de un cartucho de gas lacrimógeno por parte de la Gendarmería cuando retrataba la marcha de los jubilados de todos los miércoles en la Plaza del Congreso. Si bien Bestia Bebé  no suele ser una banda que se posicione de forma directa en cuanto a lo político, o por lo menos no asiduamente, con su rock indie que prefiere el ritmo poguero marcado por el baterista Polaco Ocorso , sus letras y un público argentino, futbolero y con memoria, las asociaciones fueron inevitables. Tanto como la resignificación de “ El descontrol ” que ya es propia de la banda y del público. Así, la noche se maradonizó. Remeras con la cara de Diego Armando Maradona en un lado, videos suyos entrenando y gambeteando proyectados en la pantalla, la bandera que está en todos los recitales y dice “ Vamo’ la Bestia, con huevo vaya al frente ” (tapa del sencillo “Lo quiero mucho a ese muchacho (En vivo) ”) y con la cara de Maradona  al costado, el guitarrista Marki Canosa  con la camiseta del Nápoli. El descontrol, “ el malo de esa película ”, el ídolo. “ Esta es la canción más triste que escribí ”, canta Tom. El tema se hizo antes de la muerte del Diez pero tranquilamente podría haber sido compuesta después. Una mistificación que no tiene explicación, como todo lo referido a su figura. La amistad fue también homenajeada no solo en las canciones tocadas sino cuando llegó el momento de presentar a la invitada de la noche: Nina Suárez . Se unió con la electricidad de su guitarra para acompañar la acústica de Tom  en “ Música de Suspenso ”. Quizás el momento donde hubo mayoría de celulares levantados. La sensibilidad encontró su punto máximo en “ Lo Quiero Mucho a Ese Muchacho ” porque fue gritar “ Después de lo que te pasó/sé que es muy difícil seguir/No importa/¡Todo va a estar bien! ”. Es mantenerse optimista ante situaciones personales o colectivas que pueden ser adversas, aunque sea en modo irónico como cuando la banda tocó “ El Rock And Roll Pasó de Moda ”. Las canciones del tiempo de descuento llevaron al clímax final y fueron “Fiesta en el Barrio ”, “ Wagen del Pueblo ” y “ El Uruguayo ”, aclamada por el público que, sabía, no podía faltar en esta reunión donde el el pogo no pasa de moda y lo viejo funciona . “ Vamos a Destruir ” condensó toda la sensibilidad y unión que se da en cada recital de Bestia Bebé . Un tema del más acá, con las guitarras siempre presentes, melodía y letras simples que calan hondo y prenden una mecha de optimismo en el abrazo con un otro. Como en el inicio, el encuentro también se cerró con una canción que no es propia pero que describe el sentimiento entre la banda y su público: sonó “ La Vida Tómbola ” de Manu Chao  mientras se cerraba el telón. Las miradas y sonrisas del público con el plantel de Bestia Bebé  se dieron durante todo el recital, como tirando paredes. Desde los cantos de cancha que ya son costumbre como “ Vamos, Bestia vamos, ponga huevo que ganamos ”, pasando por los cantos a capella por parte del público en canciones como “ Luchador de Boedo ” hasta los alientos a cada integrante: “Vamo’ Chicho !”, que devolvía los alientos con puños apretados. “A esta banda le gusta tocar y tocar ” decía Tom en una entrevista con TN La Viola , previa a este show. Y se hizo notar. En cada intervención entre canción y canción, en comentarios sarcásticos, entendiendo que le está cantando a fans que los sienten como unos amigos más. Esa cercanía, esa autenticidad, esa creencia en lo que perdura a la que refería Chicho , el bajista, en otra entrevista, ese calor de los cuerpos saltando al unísono en un tema poguero o bailando al compás de Quintans y su guitarra criolla hacen que la pregunta “ ¿Cómo se mantiene una banda independiente a lo largo del tiempo? ” se responda sola.

Conocé a los artistas que integran el lineup 2025 Fotos: Zoe Burgos - @ph.zoeb Después de dos ediciones inolvidables, el Festival Sueños Dorados vuelve al CC Konex para llenar el invierno de calor y brindar por la música. El festival que conecta la escena musical underground de Buenos Aires con distintas disciplinas artísticas y emprendedores locales será el próximo 5 de julio en el CC Konex desde las 20hs. Esta vez, la grilla estará integrada por Espil&442, Crewrod, Lopsis y Glasé . Conocé a las bandas que integran el lineup 2025: Crewrod Crewrod  trae frescura a la escena porteña a través de la mixtura de diferentes estilos como neo soul, hip hop, funk y rock progresivo. El quinteto integrado por Lucía Rodríguez (voz y guitarra), Franco Giaquinta (bajo), Andrés Rodríguez (batería), Nicolas Pons y Tomás Villarrazo (teclados) destaca por su versatilidad estilística, basada en un groove efervescente y futurístico. Su último lanzamiento fue " Espadas " (2023): un disco que narra el amor, el dolor, el horror y la venganza con todas sus rarezas. Fue presentado en el Teatro Xirgú  en septiembre de 2023, filmado y publicado en tres capítulos:  El Amor (cap. I), El Querer (cap. II) y La Venganza  (cap. III). Luego de un show sold out en Niceto Club , organizan el Festival Sueños Dorados para compartir una noche junto a algunas de sus bandas favoritas de la escena porteña. Espil & 442 La fórmula Espil & 442  recorre los matices del R&B y el jazz fusionado con el rock pesado y la distorsión. La cantante  An Espil  se une al trío 442 para interpretar las canciones de " Laura Polines " (2025), recientemente presentado en el Teatro Xirgú , y de su precuela, “ Jessica Alegria ” (2021), cuyas canciones fueron tocadas en escenarios icónicos como el Lollapallooza o el Estadio Obras . 442  está conformada por Tomás Caso (bajo), Ivan C. Bakmas (guitarra) y Fernando Moreno (batería). En 2025 sacaron su primer disco " Rústico ", de funk, blues y groove. Lopsis Lopsis  es una banda de rock de Buenos Aires que reivindica géneros clásicos con toque de  vanguardia. Su último lanzamiento fue " CINEMAX " (2024), un disco que combina géneros como el funk, el rock alternativo, el pop y el disco sin ataduras, y fluctúa entre la fiesta, la euforia y la melancolía.  El grupo está integrado por Tobias Bender (voz principal y guitarra) , Marcos Fevre (voz y bajo) , Miguel Fasce (guitarra eléctrica) , Iván Marcori (batería y coros) , Tomas Villarrazo (teclados) . Se formó en 2019 con un encuentro casual, y llegó a tocar en algunos de los escenarios más importantes de Buenos Aires, como Niceto Club y Ciudad Cultural Konex , con la misma frescura, familiaridad e intimidad que lo unió. Glasé Glasé es una nueva banda, conformada completamente por mujeres, que busca revolucionar la escena. Buscan fusionar ritmos contemporáneos como el jazz, groove, gospel, soul, latin, fusión y sonidos experimentales y únicos. Se formó en el 2024 entre músicas sesionistas de la escena local actual impulsadas por la creatividad y el deseo de componer música profunda y sensible. Sus integrantes son Mari Pole (voz y flauta traversa), Aimé Cantilo (guitarra), Candela Delorenzi (teclados), Juana Gramigna (bajo), Noelia Sarkis (percusión) y Cuki Lopez (batería). Entradas disponibles en  Entradas CCKonex

En un show que combinó cambios de vestuario, bailarines y una impactante puesta en escena, la popstar argentina presentó "NO VAYAS A ATENDER CUANDO EL DEMONIO LLAMA", su último lanzamiento Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph En el marco de la gira presentación de su sexto álbum de estudio —con cuatro Estadios Vélez Sarsfield agotados como prueba de su éxito—, Lali Espósito se presentó en Rosario con un show explosivo y de primer nivel que combinó coreografías con bailarines, banda en vivo, múltiples cambios de vestuario y una impactante puesta en escena. Podés leer nuestra reseña de este disco haciendo click acá. Desde muy temprano, la emoción se hizo sentir en la ciudad: los fanáticos comenzaron a formar fila desde la madrugada, y algunos incluso acamparon una semana antes para asegurarse un buen lugar. Para calentar los motores de la noche, la artista local Delfina Beltramone abrió el escenario con un repertorio pop que ayudó a calmar la ansiedad reinante en el Metropolitano , y fue recibida con mucho respeto y energía. Al finalizar la presentación de la artista invitada, las luces se apagaron por completo y dos grandes pantallas comenzaron a proyectar visualizers que hacían alusión al disco, marcando el comienzo de la velada. La banda y los bailarines que acompañarían a la cantante ingresaron primero al escenario. Tras una breve introducción, Lali apareció vestida completamente de negro, con un sombrero que le cubría la mitad del rostro y que se quitó apenas al entrar. Su look, entre lo rockero y lo sexy, combinaba un corpiño de encaje negro con un aplique del Escudo Nacional Argentino y pantalones calados adornados con cadenas y tachas. El inicio fue contundente: " LOKURA ", " SEXY " y " 2 son 3 " marcaron el tono de una noche que prometía dejar a todos enloquecidos y sin aliento. Con " TU NOVIA II " y "N5 ", la cantante y su equipo llevaron la intensidad un paso más allá, elevando aún más la energía del show. Antes de continuar, la artista saludó al público y les hizo una propuesta: " Hagamos un pacto de presencia esta noche, de estar en el presente y acordarnos de este momento para siempre ". La respuesta fue simple, contundente y clara: aplausos y vitoreos por todo el lugar. " Obsesión " y " Diva " bajaron un poco el ritmo del pogo, permitiendo recargar energías para " MORIR DE AMOR " y " Quiénes son? ", que desataron gritos y festejos del público. " KO ", " Baum Baum " y " Cómprame un Brishito " fueron las elegidas indiscutibles para convertir el show en una auténtica fiesta brindando un recorrido por su disco homónimo, lanzado en 2023. " Ahora ", con su característica performance erótica que cautivó todas las miradas y " 33 ", marcaron el puente perfecto entre la intensidad del show y una carga emotiva más profunda. " Boomerang " comenzó un viaje en el tiempo para el público y para Lali . Acompañada por todos los presentes, cantó emocionada. " Cómo cantan eh. Acá hay fans desde mi primer disco, muchas gracias ", dijo al finalizar. Sin duda, el público rosarino estuvo a la altura del show que se le estaba ofreciendo, cantando, saltando y bailando sin parar durante las dos horas y media que duró. Además, aprovecharon cada momento de silencio entre canción y canción para expresarse contra el presidente Javier Milei , llevando el folklore de los recitales de rock al recital de la más rockera de las popstars. El reclamo, la contestación y la bronca del pueblo históricamente reflejados en el rock, en 2025 se hacen carne también entre plumas, glitter, banderas del orgullo y abanicos. " Incondicional ", dedicado al público, llevó la emoción a flor de piel. El clima continuó con " Ego " y " NO HAY HÉROES ", en una versión que potenció su intensidad y dejó al público completamente entregado. " Estos son los momentos que le dan sentido a todo ", dijo la cantante llegando a la mitad de la noche. Para Lali , el sentido de todo es simple: no son los #1 ni las ganancias monetarias. El verdadero poder —como dijo alguna vez la figura del fútbol argentino J uan Román Riquelme — es que la gente te quiera. Tras un video que la mostraba en sus distintas épocas—repasando videoclips y trabajos anteriores—, el público entonó a coro los versos de " POPSTAR ": " Tu popstar favorita, que siempre te visita/La ves brillando en la TV/Ella sabe como hacerte bien" " MEJOR QUE VOS " e " Histeria " hicieron bailar a todos los presentes, mezclando con soltura los universos de dos de sus discos y dando paso a " 1Amor ", que contó con una introducción a capella que erizó la piel y elevó al público. " Sola " fue interpretada por una Lali que, por primera vez en la noche, quedaba —valga la redundancia— bailando sola sobre el escenario. Bañada en una potente luz blanca, se convirtió en una única sombra danzante que celebraba la independencia. Los bailarines volvieron a escena para " MOTIVEISHON ", un hit que desencadenó una explosión de baile y luces, mientras los abanicos del público se agitaban en el aire, desatando la euforia colectiva y preparando el terreno para uno de los momentos más esperados de la noche. " Soy lo que tanto busqué vivir/Cada paso que doy por ti/Soy tu espejo, tu voz/Soy lo que ves ", comenzó a cantar mientras avanzaba hacia la pasarela y las grandes pantallas proyectaban la bandera representativa de la comunidad LGBT. Desde sus comienzos en la música, no dudó en mostrar su militancia como parte de la comunidad, aprovechando cada oportunidad para levantar la voz en defensa de sus derechos. " Soy ", incluida en su primer disco, se fue convirtiendo con los años en el equivalente argentino de " Born This Way " de Lady Gaga : un himno a la libertad sexual e identitaria y a la fuerza que impulsa la lucha de dicha comunidad. Además, durante esta canción, un fan rosarino vivió un momento muy especial sobre el escenario: fue invitado a bailar —inspirado en uno de los múltiples cambios de vestuario de la cantante a lo largo de la noche— y ovacionado tras compartir una particular anécdota. " Me separé para poder estar acá con vos. No voy a dejar de ser tu fan porque a un pelotudo no le guste. Menos si es libertario ", le contó. " Disciplina " y " PLÁSTICO " irrumpieron en el setlist para exigirle al público que diera todo de sí hasta el final, manteniendo la energía al máximo y sin bajar el ritmo en ningún momento. " Esta canción que viene ahora me reafirmó que el humor nos ayuda a expresar lo que nos pasa. Tiene todo eso de mí, todo de lo que me puedo reír. Pero también tiene mucha verdad y un poco de bronca contenida que hay que sacarla a través del arte. La hice pensando en este momento donde mucha gente me iba a acompañar a cantarla. Llegó el momento, la canción más importante...¿están listos? ", expresó introduciendo " FANÁTICO ", el hit contestatario que encapsula la energía del disco. Su desarrollo contó con partes iguales de felicidad, saltos y emoción. Tras cantar su letra a todo pulmón, invadió el Metropolitano una sensación única: la esperanza de un mundo mejor se embandera hoy en una joven que ha acompañado generaciones a través de sus distintos trabajos como actriz y cantante. Una artista que supo trasladarse de las pantallas y los parlantes directamente a los corazones —y, más tarde, a las calles— para reclamar, junto a su pueblo, por lo que cree justo. " PENDEJA " y " NO ME IMPORTA " fueron el cierre perfecto de una celebración contestataria y orgullosa de lo que cada uno es, desatando la última explosión de fuerza y actitud. Así, el show culminó con toda su potencia, dejando al público lleno de emoción y con la certeza de haber formado parte de una noche que simbolizó y celebró la esperanza y la fuerza de un país que nunca se rinde.

Las tres bandas se reunieron en Distrito Sie7e para celebrar un encuentro que  puso una vez más la lupa sobre el talento musical rosarino Crónica: Luciano Trono - @lucianothrone Fotos:  Isaac Alario - @alarioshots_ Este viernes 13 de junio se celebró el quinto encuentro de Niños del D7 , uno de los ciclos de la productora local Niños del '00 , donde el sonido joven volvió a dar la nota y superar expectativas en un Distrito Siete preparado para albergar a tres bandas muy distintas entre sí, cada una desplegando el dominio de su elemento. El escandaloso sexteto Princesa Tetrabrik inauguró la noche con un show incendiario. La banda comenzó con canciones lisérgicas y una psicodelia soft, mutando de forma progresiva a un sonido thrash consumado. Acompañadas de una parafernalia escénica y visual hipnotizantes, su set encontró un lugar y momento para todos los instrumentos, hasta que confluyeron en un clímax consonante que realzó la experiencia y desbordó el escenario con la catártica performance de Mery , la vocalista, cuya puesta en escena trasciende siempre los límites de lo estilístico para crear una nueva sustancia. El conjunto que se presentó a continuación, siguió la noche con un sonido equilibrado de melodías emotivas y entradas carismáticas. Oriundos de Venado Tuerto y Rosario, Los Ojos del Panda incorporaron covers a su show como " Quiero estar entre tus cosas " de Melero y " Para no verte más " de La Mosca Tsé-Tsé . Contando con el entusiasmo de fans y otros fieles que los siguen, el pogo se hizo presente en un show protagonizado por su último lanzamiento " El Fin de La Fiesta ". Los momentos más altos de su presentación se dieron con canciones como " No Me Contestes ", " Años Futuros ", y un espectacular cierre con la popular " Otra Fiesta ". La incorporación de Massimo Pasquini en el teclado y sintetizador, ha agregado nuevas capas de sonido y profundidad a sus presentaciones en vivo, testimonio de que la banda continúa creciendo y evolucionando dentro de la escena. Para cerrar la velada, llegó desde Buenos Aires el infalible power trío Mujer Cebra con un espectáculo de altísimo voltaje para el público rosarino. Con guitarras distorsionadas y ritmos marcados, recuperan un sonido fundamentalmente físico que nos retrotrae a un rock pesado y dueño del espacio. Comenzando el acto con " No te duermas ", tanto las juventudes del indie como los veteranos de la escena del rock encontraron su lugar en el pogo desde el primer minuto, disfrutando de una percusión estridente y los punteos de un bajo que jugó a ser segunda guitarra. Canciones como " XXYY " e " Invisible ", marcaron el cénit de un encuentro que reivindicó la experiencia corporal de la música en vivo. Golpeando sus instrumentos contra el suelo, el verdadero acto final llegó con un solo de batería extendido, en donde Patricio García Seminara relució sus maniobras personales hasta dejarlo todo sobre el escenario. La quinta edición de Niños del D7 puso una vez más la lupa sobre el talento musical de la ciudad, dejando en claro una vez más que Rosario sigue siendo semillero de artistas para el futuro de la música nacional.

La banda rosarina celebra su fructífero presente tras firmar con el reconocido sello discográfico Pirca Records Por Azul Martinez Flaiman En el marco de un evento exclusivo para la prensa, una de las bandas de rock rosarinas con más trayectoria, se reunió a celebrar y compartir su éxitoso presente tras haber firmado contrato con el reconocido sello discográfico Pirca Records , que aloja a bandas y artistas de renombre como Chano , Cruzando El Charco y Los Pérez García . Tras el lanzamiento de su último videoclip y reedición de " El Amor es Esto ", grabado en Casa Brava, representando su identidad rosarina y la potencia de sus presentaciones en vivo; adelantaron que se vendrá un año de movimiento, trabajo duro y mucho disfrute entre amigos. Además, reflexionaron en entrevista exclusiva sobre esta oportunidad, los desafíos que se avecinan y los escenarios con los que sueñan. Musyca Medio: ¿Cómo fue el proceso de grabación y lanzamiento del videoclip de "El Amor es Esto"? Nicolás Pombo (voz): Si bien ya tenemos experiencia con los lanzamientos, tampoco es que fue uno más. La diferencia de este es que reeditamos la canción porque estamos lanzando la banda a nivel nacional, firmamos con una compañía muy conocida a la que llegamos a través de un colega y ahora vamos a empezar a trabajar este formato. La verdad, al músico no es que lo vuelve loco hacer un videoclip pero, con esta nueva metodología, cada single que vayamos sacando va a tener su video. MM: ¿Les gustó el resultado final? NP: Creemos que rompimos un poco el hielo, estamos muy contentos con el resultado. Sabemos que podemos dar más, pero lo hicimos en tiempos reducidos. Diego Tourn (guitarra): Quedó re buena la producción, estamos muy contentos y lo más importante es el momento en el que lo estamos lanzando y lo que significa. MM: Ampliemos eso, ¿qué significa este videoclip para ustedes? DT: El videoclip no solo representa el video de la canción sino el nuevo lanzamiento de la banda. Es como un renacer para nosotros. MM: ¿Y qué nos pueden decir del recibimiento de la gente? NP: Nos seguimos enterando del gran recibimiento que tuvo y teniendo ida y vuelta con todos, porque gustó un montón. Creo que plantea nuestra escencia, lo que somos y nuestra fuerza. Nuestro slogan es "Banda de amigos" y lo sentimos representado. MM: ¿Qué aventuras y desafíos creen que se vienen en esta nueva etapa? Tacho Chamut (teclados): La verdad es exactamente eso, un desafío. Al firmar con una compañía con tanta trayectoria, donde trabajan grandes profesionales, te motiva a dar lo mejor de vos en todos los aspectos. También nos significa llevar a la banda a nivel nacional, sobre todo en lo que es la difusión, en radios, llegando a otras ciudades y saltando a otro nivel. Eso nos entusiasma mucho, lo que más queremos es llegar a más personas. MM: ¿Qué creen que va a pasar o les gustaría que pase de ahora en más? NP: Nosotros realmente creemos en la banda, en su sonido, y en que le da para crecer. Lo más lindo es esa motivación tan grande que te da empezar a producir más, a grabar más, a reversionar canciones que se vuelven a reinventar y contar con ese canal de difusión de saber que le va a llegar a cada vez más gente. Esa es una gran motivación, llevó 20 años. A lo mejor no sucede nada, tampoco es que estamos esperando hacernos masivos ni milagros imposibles. Para nosotros el éxito es seguir juntos después de tantos años, poder hacerlo es un regalo de la vida. Y aprovechar esta oportunidad, que es realmente una caricia al alma que nos digan "creo en ustedes y está bueno lo que hacen" MM: ¿Donde se ven de acá a fin de año o principios de 2026? ¿En qué festival se ven en febrero de 2026? NP: Nos vemos siguiendo, creciendo. Y...un Cosquin Rock siempre hablamos que nos gustaría. El día que vayamos a un festival así, cualquiera sea, seguro va a estar buenísimo. La próxima parada de la banda será el 14 de junio en Jaguar Haüs, Rosario. Podés ver el video y escuchar la reedición de "El Amor es Esto" acá:

Su carrera como solista, el rol de las redes sociales en la música y el proceso creativo de su primer disco en camino. Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Nico Lanz supo pisar fuerte en el under con distintos proyectos grupales, donde ya dejaba entrever sus raíces de pop-rock meloso desde muy temprano. Actualmente, presenta su primer disco como solista de forma progresiva: canción a canción. Anticipando un proyecto que verá la luz muy posiblemente en 2026, con la esperanza y la poesía como bandera. Musyca Medio: ¿Cómo fue pasar de integrar una banda a encarar un proyecto solista? Nico Lanz: La verdad fue muy traumático, como toda relación de seres humanos que se termina. Las bandas no escapan a esas emociones. Hoy creo que fue una de las mejores decisiones que tomé. De hecho hace poco lo hablaba con mi psicóloga, fue un hecho traumático para mí porque significaba romper con algo que había armado desde muy chico, a los 16 o 17, cuando arranqué y que después de tanto trayecto y recorrido llegaba a su fin. Me costó un montón. Incluso ya en el proceso de grabación de mi disco solista llamé a uno de mis ex compañeros y le propuse hacerlo juntos. Y el me dijo: " No, este es tu disco, son tus ideas. Dale para adelante que venís bien ". Eso me alivio y me hizo sentir que iba por buen camino. También el contexto me habilitó a la experiencia de ser solista porque estábamos en pandemia y no podíamos juntarnos a ensayar, eso me hizo descubrir un territorio de la composición mucho más íntimo y me pareció que era adecuado que estas canciones salgan con mi nombre. MM: ¿Cómo definirías tu proyecto solista? NL: Musicalmente hablando es un proyecto de pop-rock, pero particularmente el disco que estoy sacando actualmente es un disco que tiene una línea poética particular donde me pongo --como compositor-- en un lugar donde trabajo lo psicológico y emocional de ese personaje que va circulando por las canciones. MM: ¿Qué nos podés contar de ese personaje y de este disco en camino? NL: Es un personaje urbano, que carga con la neurosis de la ciudad y tiene muchos miedos que va desenvolviendo a lo largo del disco. El disco plantea la idea de afrontar los problemas, los traumas, las emociones contradictorias y los miedos desde una poética de la esperanza, desde esta idea de que " algo va a suceder y va a hacer que las cosas mejoren ". No sé si llega a suceder en el disco pero la esperanza es lo que lo mantiene en pie. Seguramente el título sea " Espantamiedos ", un amuleto, una especie de atrapasueños pero para espantar los miedos. Miedos existenciales como el miedo a estar solo, a crecer, a separarse; pero también terrenales, como el miedo a la oscuridad, que es una especie de trauma de la infancia que sigo llevando conmigo. También hay momentos de pensar a la música como una salida y una escapatoria para todos esos problemas. En ese sentido la musicalidad aparece en melodías poperas, amables e incluso bailables pero con letras más bajoneras y tristes por momentos. MM: ¿Cómo es tu proceso de composición? ¿De dónde surgen las letras? NL: En este caso, el proceso se dio desde el principio con la idea clara de hacer un disco de este estilo, más “conceptual” que lleve esas temáticas que comentaba a distintos niveles musicales. Básicamente el disco surge de una necesidad mía de escribir sobre estos temas, necesitaba transitarlos a partir de la escritura de canciones porque sino explotaba. MM: ¿Cómo surge la idea de sacar el disco single a single? NL: Me pareció la forma más amigable con las canciones para poder hacer un proceso de cada canción para no perder todo el territorio que hay a la vuelta de esa canción y de la historia que se cuenta ahí. Cada una es un capítulo de mi vida que estoy contando de esta manera y no quería que se entremezclan sus mensajes ni que se pierdan en el medio del disco. Tampoco quería que la demanda musical me deje sin el tiempo que creo que se merece a cada canción porque las construí pensando en muchas cosas, que por ahí están por fuera o van por otro lado y en una primera escucha no pueden captarse. Pero sí lo puedo trabajar en redes sociales para que la canción llegue mucho más completa y cercana a la idea con la que la creé. Después, como cada canción pertenece a un conjunto de canciones compuestas en la misma época, dentro del disco toman un color distinto porque son como hermanas que se van respondiendo entre sí y ya toma otra mirada. Por eso, me interesaba esta primera mirada, canción a canción donde la gente va conociendo de a poco el disco y a mí como artista. MM: ¿Qué artistas crees que influencian tu música? NL: Son muchos, pero intento simplificarlo en estos: Fito Páez es el genio de este tipo de discos como el que yo quería lograr. Me fijé mucho en su discografía. También creo que el proceso estuvo influenciado por Tan Biónica, que es una banda que me gusta mucho y apareció en un momento muy significante de mi vida. MM: ¿Y cuáles estás escuchando más en este momento? NL: Es muy variado, mi algoritmo de Spotify es un lío, pero me volqué a escuchar de nuevo el rock nacional viejo, que fue mi primera escuela. El rock nacional en los 60s, 70s, como Spinetta , Manal , Vox Dei o Pappo . Últimamente me volví a encantar con eso y ando muy en esa. MM: ¿Cuáles son tus máximos referentes argentinos? ¿Y extranjeros? NL: Nacionales podría decir Fito Páez y Cerati , que también es un autor que me gusta mucho. Y extranjeros, The Beatles , me parecen la biblia de la música. También Joni Mitchell , me encanta todo lo que hizo y hace. MM: ¿Cuál es tu colaboración soñada? NL: Terrenales me gustaría colaborar con Chano y con Fito . Y algo que no va a suceder y me gustaría es que mi voz se junte con la de Paul McCartney , quizás la inteligencia artificial me ayude. Taylor Swift t ambién es un feat que me gustaría que suceda y que no va a suceder porque son artistas emblemáticos universales. Nosotros somos latinos y estamos un poco sesgados por esa cultura. MM: Sabemos que usas las redes sociales para promocionar tu música…¿cómo es intentar que tu arte llegue a más personas a través de las redes? ¿Consideras que es algo inevitable hoy en día? NL: Yo me di cuenta tarde que eran necesarias las redes sociales. Renegué mucho al principio de llevar la música ahí y también me costó encontrar formatos para hacerlo. Una vez que los encontré, hace un año y medio aproximadamente, me empezó a gustar grabar y me empezó a ir bien. Ahí dije: "acá esta sucediendo algo que está bueno", me empecé a encontrar con gente que no me conocía y que era difícil que me conozca por mi trayectoria en el under o de ir a tocar a bares. Hoy ya estoy metido en esa idea de mostrar mi música a través de videos. Si hay un lugar donde ya no me meto que es mostrar mi vida íntima o personal, pero las cuestiones vinculadas con la música trato de traducirlas en un contenido para redes, me parece fundamental y hoy en día divertido Eso me hizo conectar con muchísima gente. MM: ¿Cómo te hace sentir cuando a un video le va bien? ¿Y cuando tiene menos vistas? NL: Cuando les va bien, me pongo contento y cuando les va mal, no pasa nada. Sigo adelante, me ha ido mal muchas veces en mi camino artístico. Creo que la carrera artística no se evalúa en esos términos porque te va mal y bien al mismo tiempo, es un camino muy sinuoso. No me pongo mal si a un video le va mal, sigo adelante y haciendo cosas, esa es la única manera de avanzar y que mi música llegue un poquito más lejos cada día. MM: ¿Cuándo crees que se gestó este sueño de vivir del arte? ¿Cuál fue la primera vez que sentiste que se había cumplido o comenzado a cumplir? NL: Mi sueño es vivir para la música y surge a los quince años. A esa edad armé una banda de covers con mis compañeros. Y ahí empecé a cantar, me puse enfrente de la banda porque no sabía tocar ningún instrumento. Después de empezar a tocar con ellos sentí que teníamos algo que nos entusiasmaba, juntarnos a tocar, ensayar y después salir a tocar en shows. Me di cuenta de que era lo que yo quería hacer para siempre, estar arriba de un escenario cantando me llenaba el alma. De ahí, pasó mucho tiempo para que traduzca eso en una posible profesión y no se me dió tan fácilmente. Tuve muchas idas y vueltas, frustraciones y desilusiones. Fui aprendiendo de los golpes y entendiendo que la vida del artista es como la de un monje: uno es o no es. No radica en si te va bien o mal. Y yo soy un artista, soy un músico porque decido vivir mi vida de esa manera. De eso me di cuenta en los últimos cuatro años, después de mucho transitar en la música, con distintos proyectos, habitando el under. Transitando el camino del artista, como dice Julia Cameron: paso a paso. MM: ¿En qué estás trabajando actualmente? ¿Cuáles son los planes 2025 de Nico Lanz? NL: Estoy preparando la salida de las canciones del disco, en proceso de producción y lanzamiento. Actualmente tengo dos lanzadas y ahora se viene la tercera que se llama " Mi mundo a tus pies ", que son parte del disco que voy a lanzar seguramente el año que viene. Este año me estoy dedicando a crecer como creador de contenido musical en redes, a vincularme con gente que admiro y a disfrutar de vivir para la música. Un proyecto concreto que tengo es la grabación de una canción con Estudio Urbano, un programa del Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires en el que se selecciona a algunos artistas de 500 proyectos aproximadamente para promover la actividad musical. Fui seleccionado para grabar una canción en septiembre y posiblemente después de eso surjan algunas cuestiones más, mientras voy consolidando y encontrando mi voz para desembocar en las extrañas redes sociales. A la espera de " Mi mundo a tus pies ", podés escuchar "Barrilete" y "Milan Kundera" acá:

La mítica banda se presentará el 17 de octubre en el Estadio de Huracán Entradas a la venta a partir del 24/6 (venta general) a través de AllAccess En medio de la etapa europea del tour “ Because What You Want & What You Get Are Two Completely Different Things ”, llegó la noticia más esperada para los amantes del rock. El regreso de los Guns N’ Roses ya es un hecho: la mítica banda se presentará el 17 de octubre en el Estadio de Huracán en el marco del segmento latinoamericano de esta gira histórica. Con Axl Rose acompañado por los históricos músicos de los Guns — Slash en guitarra y Duff McKagan en bajo— será un show bien completo para revivir lo mejor de la discografía con la que marcaron el rock para siempre.

Una mirada al interior de un quinto álbum sin concesiones, donde cada letra y cada sonido están ahí para incomodar y resistir Por N. Fernández - @anyerfotografia Un disco político que es respuesta y grito El nuevo disco de Marilina Bertoldi , " PARA QUIEN TRABAJAS Vol. 1 "  —su quinto álbum y el primero bajo el sello Sony — es una obra que no da vueltas: ella misma lo escribió, lo produjo y tocó muchos de los instrumentos. Desmarcándose del sonido más denso y saturado de sus trabajos anteriores para explorar un registro más experimental, donde los climas ocupan un lugar central, juega con capas de sintetizadores, distorsión controlada y estructuras menos convencionales, sin abandonar la contundencia ni la urgencia que caracterizan su estilo. El resultado es una obra que se escucha con el cuerpo: cruda, tensa, eléctrica. El álbum está lleno de guiños y referencias al rock nacional; tomando frases, sonoridades y actitudes de esa tradición, pero revisitándolas desde un presente incómodo. Donde antes hubo mística masculina, ahora hay una lesbiana furiosa y lúcida, que se para frente a esa herencia y la resignifica. Si durante décadas los referentes del rock argentino fueron varones, y mayoritariamente heterosexuales, hoy Marilina se convierte ella misma en referente. No solo para las mujeres del rock, sino para toda una generación que crece sabiendo que el escenario ya no es solo de ellos. Ella no sólo canta rock: lo actualiza, lo incomoda, lo empuja. Desde el vamos, el título ya incomoda. "PARA QUIEN TRABAJAS "  no se plantea como una duda: es una afirmación camuflada. Una frase que parece susurrarte en la nuca mientras laburas para alguien más y no te diste cuenta. Es un señalamiento, un tirón de orejas, una sentencia. En una entrevista con Futurock , la cantante fue al hueso: “ Las cosas que deberían decir, no las están diciendo” , dijo, refiriéndose a los varones músicos que, ante el desastre social y político, eligen callar. Ella no: este nuevo lanzamiento es respuesta y es grito. Está atravesado por el presente del país, por un neoliberalismo cada vez más violento, y se planta como un disco político que no pierde ni la sensibilidad ni el filo. Urgente, lésbico, y sin filtro Marilina ya venía marcando historia: en 2019 se convirtió en la primera lesbiana en ganar el Premio Gardel de Oro al Mejor Álbum del Año . “ La única otra persona que no es hombre que ganó este premio fue Mercedes Sosa, hace 19 años. Hoy lo ganó una lesbiana ”, dijo, y lo hizo con la frente bien en alto. Este proyecto retoma esa línea y la lleva más lejos: es un disco sin concesiones, donde se nota que cada letra y cada sonido están ahí para incomodar y resistir. Y ojo, que mientras se tomaba su tiempo para gestar este álbum, no estuvo desaparecida: siguió tocando en festivales, donde aprovechó la oportunidad de posicionarse frente al discurso de odio del presidente Javier Milei , a través de sus visuales. En un contexto donde ser artista y decir lo que pensás puede costarte caro, eligió seguir hablando . Entre la rabia y la ternura En " PARA QUIEN TRABAJAS ", la primera canción, hay amor. Pero vigilado, perseguido, politizado. Esa sensación de que amar molesta, incomoda, hay que esconderlo.  “V ienen por vos, quieren alejarme de vos ” “NO QUIEREN MÁS MI ROCANROL”  tira una bomba con “ El trap murió ”. Una declaración de principios contra la industria, las modas, y una defensa del rock como forma de resistencia. “ AUTOESTIMA ”, el primer corte de difusión, es crítica social en versión de rock pegajoso: “ Esto no es lluvia, esto es Argentina ”, dice, con ese tono que mezcla bronca, ironía y lucidez. Referenciando a Sumo con “ mejor no hablar de ciertas cosas ”. “ SIGLOS ” y “ BAJAN DE DÍA DE NOCHE ESPERAN ” sostienen la tensión emocional del disco y una mirada ácida sobre la rutina y el encierro cotidiano. En “SIGLOS” la letra " estoy descontrolada, pienso en algo mejor, cada cosa un filtro, me preocupo por dos, tengo mucho, mucho, mucho, mucho temor " expone con crudeza una mente saturada. Hay ansiedad, hiperconciencia, la sensación de que todo, hasta lo más mínimo, exige atención y energía. Así, captura el colapso emocional de vivir en alerta constante, en un país donde pensar en " algo mejor " parece un lujo.  Siguiendo esta línea, “ BAJAN DE DÍA DE NOCHE ESPERAN ", la frase " siempre lo mismo, que no es lo que espero " condensa una frustración persistente: la repetición de una realidad decepcionante. “ EL GORDO ” es de lo más político del álbum. Apunta contra los medios y su papel en la manipulación y el borrado de lo incómodo, con más referencias de rock nacional, en este caso Charly Garcia y Spinetta .  El videoclip, dirigido por Malena Pichot , refuerza la idea de que el odio es un show televisado, rentable y bien producido. En “ POR SIEMPRE ES UN LUGAR ” dice: “Pensaba que el amor no era un lugar para mí ”. Habla desde el desamor, pero también desde la exclusión. En un país donde el amor parece no tener espacio, lo convierte en refugio y trinchera. “ DE CAZA ” trae un respiro, una especie de momento íntimo y sensorial dentro del disco. Con su “s iento to’ mejo r”, se permite una pausa, una conexión con el deseo, el cuerpo y lo que vibra bien, incluso en medio del caos. Es una canción que se mueve entre el placer y la liberación, con una cadencia más suave pero igual de potente. “ AMANECEN OCASOS ” suena como una promesa personal: “ Esto no va a pasarme, nunca más ”. Es ruptura, decisión, y un cierre emocional que se planta con firmeza. Habla de poner límites, de no repetir dolores. Es la antesala perfecta para lo que sigue, como si dejara claro que la vulnerabilidad también puede ser una forma de resistencia. “ MONSTRUOS ” cierra el disco con una daga. En esta canción, dedicada al triple lesbicidio ocurrido en Barracas en mayo de 2023, canta: “S e me va la vida intentando detener monstruos ” Y no, no es una metáfora. Los monstruos existen: son el sistema, el machismo, el odio que mata. El futuro está en juego El álbum abre y cierra con las voces de sus sobrinos, una decisión que no es casual: entre tanto dolor y denuncia, Bertoldi enmarca el disco con la idea de un futuro. Como si dijera que, a pesar de todo, hay algo por cuidar El futuro, ese que parece tan lejano y frágil, tiene nombre, tiene voz, y está en juego. " PARA QUIEN TRABAJAS vol. 1 " no busca gustarte: busca despertarte. Es un disco que incomoda, que interpela, que pone el cuerpo. Marilina habla desde su lugar de lesbiana, de artista y de argentina que no piensa quedarse callada.  En un presente donde tomar posición es también exponerse, ella elige hacerlo con música que pega fuerte, letras que raspan y una voz que no pide permiso. ¿Habrá un volumen 2? No lo sabemos todavía. Pero con este primero ya dejó claro algo: no está preguntando. Está señalando. Y te está hablando a vos. Podés escuchar "PARA QUIEN TRABAJAS vol. 1" acá: