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Serán el 12 y 20 de diciembre presentando canciones de su próximo lanzamiento Dinastía PH: @laragrafias La banda despide el 2025 con un doble anuncio para el rock alternativo rosarino: este viernes 12 de diciembre se presentan en Complejo Somos Música , mientras que el sábado 20 será el turno de Refi Comunidad , en su última presentación del año. En ambos shows,  JES y Los Armónicos  estará presentando en vivo su próximo lanzamiento Dinastía , una etapa clave para el grupo que llega con material fresco: canciones inéditas como “Gomenazai”, “Sincero” y “Contacto”, entre otras que amplían el universo sonoro del proyecto, que plantea una  propuesta sensible y potente en partes iguales. PH: @lu.alfonso Liderados por la voz de Julio Emanuel Sosa ,  Lautaro Escalada y Axel Aguilar  en guitarras, Brian Barichia  en batería, Martín Busto s en teclados y Flor Holowhecky  en bajo, el grupo se destaca por construir un sonido propio dentro del rock alternativo. A la formación actual se suman además Sofía Aguilar  en vientos y Victoria Flores  en coros, incorporaciones que prometen potenciar la propuesta en vivo. PH: @oaki_ph Entradas anticipadas ya disponibles. Podés escuchar JES y los armónicos acá:

DJO, Ruel, Blood Orange, Royel Otis, TV Girl y Men I Trust son los artistas confirmados El 2026 se acerca y la ciudad ya empieza a vibrar al ritmo del #LollaAR, que volverá a convertir al Hipódromo de San Isidro en el epicentro musical de la región, del 13 al 15 de marzo, con una grilla más potente que nunca encabezada por 10 headliners: Sabrina Carpenter, Tyler, The Creator, Chappell Roan, Deftones, Skrillex, Lorde, Doechii, Turnstile, Lewis Capaldi, y Paulo Londra. Y como siempre, para quienes no se conforman con solo un fin de semana, Lollapalooza Argentina presenta una nueva edición de sus sideshows: recitales en locaciones más pequeñas y formatos íntimos para vivir de cerca a algunos de los artistas más buscados del lineup. Este año, la propuesta suma nombres de lujo: DJO, Ruel, Blood Orange, Royel Otis, TV Girl y Men I Trust , en una serie de shows únicos entre el 11 y el 17 de marzo. PREVENTA LOLLA FAM: 10 DE DICIEMBRE 10AM / PREVENTA SANTANDER AMERICAN EXPRESS 10 DE DICIEMBRE 1PM / VENTA GENERAL 11 DE DICIEMBRE 1PM TICKETS ÚNICAMENTE DISPONIBLES EN ALLACCESS.COM.AR

En la previa a su show en Ferro y en pleno ascenso global, Trueno compartió con los rosarinos un encuentro donde cientos de jóvenes encontraron voz, identidad y refugio Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @sofiabulgarelli.ph Trueno atraviesa un momento clave en su carrera. Después de lanzar " El Último Baile " y " El Último Baile (Deluxe) " como homenaje al hip-hop y de una seguidilla de fechas agotadas en Latinoamérica y Europa, llegó a Rosario y convirtió a la ciudad en la antesala de su show en el Estadio Ferro , este 11 de diciembre. El Anfiteatro Municipal se encendió desde temprano con la presencia de KMI 420 ---que luego se sumaría al show principal--- y Brapis , uno de los mayores referentes del hip-hop rosarino. Con cada escalón del lugar colmado de adolescentes, padres y jóvenes adultos, no sorprende por qué Mateo Palacios Corazzina ya es una insignia de superación, esfuerzo y lucha por los sueños para sus fans. Su propio recorrido desde las plazas hasta los escenarios más grandes del país es la prueba viviente de eso. Esa noche, muchos sueños estaban tomando forma, en la expectativa de verlo en escena para catalizar angustias acumuladas y transformarlas en momentos inolvidables de felicidad extrema. El escenario estaba cargado de instrumentos —batería, guitarra, bajo, teclados y congas— que aguardaban a los músicos para acompañar el recorrido de más de treinta canciones. Trueno interpretó varias desde una plataforma luminosa que enaltecía su figura, como si hiciera falta remarcar aún más su fuerte presencia. Entre luces y gritos, el cantante salió al escenario con un conjunto de pantalón negro y una campera con capucha que mantuvo durante la mitad del show a pesar de la sensación térmica elevada. Así, el camino inició junto a Peligro y KMI 420 con un medley de " GRANDMASTER ", " BZRP Freestyle Sessions, Vol. 6 " y " FUCK EL POLICE " que desató la euforia en todo el lugar. "Y pa' los dinosaurio' que avalan a los milico' / Esta vuelta me la cobro por los treinta mil y pico",  cantó junto a cientos de jóvenes que no pasaban los dieciocho. Su fuerza justiciera bajó de las letras y se expandió por todo el predio, donde cada mano se levantó con el dedo medio en alto. " RAIN III " y " FEEL ME?? " fueron cantadas en soledad, casi como un momento de intimidad entre el artista y el público, que coreó cada letra como un mantra. Pero la calma duró poco y se inauguró un momento de baile con " FRESH ", " REAL GANGSTA LOVE " y " CRUZ ". "BIEN O MAL"  abrió un momento dedicado a su disco titulado de la misma manera, y continuó con "TIERRA ZANTA" , su homenaje a sus orígenes latinoamericanos. " Latinoamérica no llora, canta / Tengo la sonrisa celeste y blanca/ Si subo la mirada, la luna se levanta ", se gritaba entre baile y lágrimas de emoción. Trueno habilita en sus recitales un campo de lucha desde el arte: un grito de justicia, de libertad, de orgullo por lo propio y de derecho a ser feliz sin importar el barrio donde hayas nacido. Por eso se convierte en una trinchera para los adolescentes, un lugar donde sus batallas internas son escuchadas, sus deseos encuentran voz y el género que lo abrazó desde niño ahora abraza a miles de sus fanáticos alrededor del mundo. " PANAMÁ " junto a KMI 420 fue el pasaje hacia lo que todos estaban esperando: el bloque dedicado a " El Último Baile (Deluxe) " que contó con canciones como " 344 ", " LAURYN " y " EN LA CITY ". “TRANKY FUNKY” , “THE ROOF IS ON FIRE”  y “OHH BABY” protagonizaron una tríada perfecta que explotó en el público. Volviendo a sus orígenes y homenajeando a la ciudad donde se presentaba, el cantante tomó el escenario en soledad para armar una base con “La vida es una moneda”  de Juan Carlos Baglietto , y luego tirarle freestyle encima, como en los viejos tiempos. Los gritos se fundieron con el aire y cada palabra fue celebrada, aún más cuando nombró a Fito Páez, al Monumento Nacional a la Bandera y al propio Baglietto . Un guiño a su pasado, combinado con su presente y con su habilidad para expresarse a través de la improvisación, mientras a la vez mimaba a su público. Con un artista tan eléctrico, los momentos de calma no duran mucho, así que volvió al ataque con " NO CAP ", una versión electrónica de " Mamichula " y " CUANDO EL BAJO SUENA ", que hicieron rebotar el lugar. “Sangría”, “Atrevido”  y “VIOLENTO”  llevaron los saltos aún más arriba mientras una definición de pogo  se transmitía por las pantallas. Tres canciones cargadas de guiños a luchas sociales, que despertaban la rabia, pero también la alegría de seguir a un artista que pone su letra y su música al servicio de esas temáticas. Las luces se atenuaron y el pedido desde " una más y no jodemos más " se hizo presente como en todo recital. " DANCE CRIP " cumplió ese deseo, a puro baile. Fue en esa última canción donde se entendió por qué se define como “la cara de los jóvenes del país”. Trueno es un artista consciente de su realidad y de la de otros: planta banderas, se mantiene fiel a sí mismo, trabaja codo a codo con su padre, luchó desde niño para llegar a donde está hoy y enfrentó problemas contractuales sin perder el rumbo. Pero, sobre todo, es un joven de 23 años en una industria donde se premia hablar de autos caros y lujos, mientras él elige recordar lo que realmente importa: "Y ahora todos quieren fama, quieren lana / TR1, techo y cama, y unos beso' de la mama". " Gracias Rosario. Gracias a los guachines y guachinas, gracias a sus papás también. Esto es hip-hop, esto es familia ", dijo al despedirse y dejó en claro que uno de sus mayores orgullos es que su público esté conformado por menores de edad. Adolescentes que encuentran en el hip-hop un mensaje que los interpela, que los atraviesa y que les da energía para sostenerse en una realidad que los golpea día a día.

El reencuentro será el 1 y 2 de agosto en Movistar Arena PREVENTA SANTANDER 10 DE DICIEMBRE DE 10:00 HORAS A 16:00 HORAS VENTA GENERAL 11 DE DICIEMBRE A LAS 10:00 HORAS  ÚNICAMENTE DESDE MOVISTAR ARENA Tras el revuelo por su visita a Buenos Aires, la artista que reescribió las reglas del pop contemporáneo confirma su regreso a Argentina con dos shows imperdibles: 1 y 2 de agosto en el Movistar Arena. Presentará "LUX" , su nuevo disco, en una gira que promete marcar un antes y un después en su trayectoria. En su reciente visita a Buenos Aires, Rosalía profundizó su conexión con la ciudad y la cultura argentina. En apenas dos días, asistió a una sesión de jam y grabó una charla junto a la escritora Mariana Enríquez. Además, visitó lugares icónicos de la ciudad y se encontró con el maestro, Charly García. Uno de los hitos más comentados —que se pudo seguir en redes sociales—, fue su subida al Obelisco , desde donde contempló el cielo que cita en “ Reliquia ”, canción donde menciona a la ciudad como símbolo de belleza trascendental. “ El cielo nació en Buenos Aires ”, dice el tema y la frase, que rápidamente fue festejada por sus fans argentinos, cobró aún más notoriedad tras las declaraciones de la cantante: “es el cielo más hermoso que he visto en mi vida."   Rosalía vuelve a los escenarios convertida en una de las creadoras más influyentes del panorama internacional. Tras el fenómeno global de Motomami , su nueva gira mundial apunta aún más alto. LUX representa un viraje hacia lo sinfónico, lo experimental y lo introspectivo , sin perder la impronta provocadora que caracteriza a Rosalía. Grabado junto a la Orquesta Sinfónica de Londres y con colaboraciones de figuras como Björk, Estrella Morente, Yahritza e Yves Tumor, LUX fusiona lo clásico con lo radical, lo terrenal con lo místico. En 18 canciones y 14 idiomas, la artista condensa un imaginario que conmueve, sacude y expande los límites de la música popular.

Con entradas agotadas y un show que se vivió como una fiesta, la banda uruguaya recorrió sus grandes himnos junto a su familia argentina, totalmente entregada. Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos y videos: Isaac Alario - @alarioshots_ Este 2025, La Vela Puerca celebra 30 años de música con una gira aniversario que recorre los escenarios más importantes del continente, con un show que combina sus grandes éxitos, algunas sorpresas y la energía que los convirtió en una de las bandas más queridas del Río de la Plata. Después de un Estadio Ferro explosivo, la banda llegó a Rosario para compartir una nueva noche de celebración junto a su público. Una vez más, la banda habilitó el reencuentro de una familia extendida por toda la región para disfrutar de sus canciones favoritas, pero también de ese cálido ambiente que caracteriza a sus recitales, protagonizado por grupos de amigos con sus banderas, niños viviendo su primer show y parejas de todas las edades. Fue una noche que reflejó lo catártico y necesario que es para su público volver a escuchar esas canciones en vivo, verlas cobrar vida para aferrarse a lo que inspire, soltar lo que pese y abrazar al de al lado aunque sea un desconocido que nunca van a volver a ver, con ese sentimiento tan propio de la banda y su gente: la convicción de que va a escampar. En esta tarde-noche azotada por el viento, Barfeye fue el encargado de abrir el escenario y calentar motores para lo que se venía, acompañado de aplausos respetuosos. Pasadas las 21, las luces se apagaron y la banda entró en escena desde el costado derecho del escenario, en manada hacia el reencuentro con un grito efervescente que domaba el anfiteatro al canto de " vamos la vela de mi corazón ". " El viejo ", su clásico indiscutido fue el elegido para abrir el viaje en el tiempo que sería la noche. " El profeta ", " Sobre la sien " y " Sin avisar ", se sumaron marcando un recorrido entre sus canciones más amadas por el público y sus discos más emblemáticos. " El bandido salto de mata " y " Burbujas " subieron la apuesta, desatando los primeros pogos intensos y sostenidos sobre el cielo naranja que amenazaba con llover en cualquier momento. En ese tramo empezó a aflorar algo muy propio de la banda: su fraternidad arriba del escenario. Entre chistes internos, risas y señas con el público, los artistas se movían en su hábitat natural. Esa energía bajaba al instante hacia el público, que respondía con saltos, gritos y una entrega total. El clima no parecía importarle a ninguno de los presentes. Cantaban con los brazos y las banderas en alto coreando las letras de " El soldado de plomo ", " Escobas" , " Clarobscuro " y " Polidoro ", canciones que han acompañado el recorrido de la banda y del público desde hace años. La amenaza naranja finalmente se hizo real y las gotas emepzaron a caer sobre las cabezas, inaugurando dos momentos claves para el show: " Un frasco ", de uno de sus discos más exitosos y queridos, " A Contraluz " (2004), fue cantada por completo bajo la lluvia, que empezó a mermar justo cuando sonó " Va a escampar ". En una de las canciones más inspiradoras de la banda, donde hacen referencia directa al cielo despejándose, la tormenta aflojó como si confirmara el mensaje: " siempre escampa" . Sin embargo, la calma duró poco: a la hora de " Tormenta ", " La Pastilla " y " No sé " las gotas volvieron para acompañar un momento dedicado a su último disco de estudio, " Discopático"   (2022). Automáticamente después, una seguidilla arrolladora se apoderó del predio y, por momentos, incluyó la participación de Manolo : “ Por dentro ”, “ Común cangrejo ”, “ La sin razón ”, “ Pedro ”, “ Mañana ”, “ Todo el karma ” y “ Haciéndose pasar por luz ”. Un bloque intenso que mantuvo al anfiteatro en movimiento permanente. El show tomó un respiro con un tramo más calmo liderado por Sebastián "enano" Teysera . “ Para no verme más ” y “ Ves ” ofrecieron un momento de cercanía y quietud, acompañado en coros antes de volver a estallar. Con el final acercándose, la banda se propuso hacer que cada minuto cuente y convirtió las que parecían ser las últimas tres canciones en un espectáculo en sí mismas. " Colabore ", inspirada en las dictaduras militares en Uruguay, Argentina y la región, fue cantada por cada miembro del grupo, e incluso Manolo fue nuevamente invitado al escenario para unirse a un grito colectivo de justicia, mostrando el fuerte compromiso social de la banda. " Mi semilla " apareció de sorpresa y generó su clásico ritual: con todo el anfiteatro sentado esperando el momento exacto para volver a pararse y cantar. " Vuelan palos ", responsable del ritmo del cántico que venía sonando desde temprano, hizo estallar un enorme “ vamos la vela de mi corazón ” en cada uno de los presentes, coronando uno de los momentos más especiales de la noche. Tras despedirse falsamente, volvieron a escena con dos de sus grandes himnos: “ Zafar ” y “ Por la ciudad ”, que desató un canto unánime. " Llenos de magia " cerraba la velada con la energía al máximo, hasta que — después de aplausos y cánticos — " el enano " accedió a cantar " José sabía " junto a su guitarra y su público. Al finalizar, la gente—que parecía no querer aceptar el cierre— cantaba “ esta es tu casa, podés volver ”, y la banda respondió agradecida ante el cariño recibido. Ese último coro resumió a la perfección la relación entre La Vela Puerca y su familia abajo del escenario: donde sea que toquen, los reciben como a un amigo más. No por nada, cada vez que suena “ Por la ciudad ", más de uno canta " tengo una banda amiga que me aguanta el corazón ” con los ojos llenos de lágrimas.

El nuevo material forja el perfil raver y místico de la banda e invita a no transitar solos la desintegración de la conciencia ante la aceleración de los vínculos Bicicletas3000 profundiza su misión: hacer del existencialismo una experiencia bailable. Su nuevo lanzamiento, Onírico , emerge como una reflexión urgente sobre el futuro que no terminó de llegar, proponiendo un atajo ante la confusión y la aceleración. La banda lo define como un deseo compartido: “Queremos convocar lo intangible. Traer eso que deseamos: calma y visión ante tanta confusión” . El álbum Onírico intensifica el perfil más psicodélico y raver  de Bicicletas3000. Se mueve entre mantras optimistas, ritmos transhumanos y melodías fungi sintetizadas, consolidando una estética que vibra entre los límites de lo orgánico y lo artificial, lo místico y lo digital. La producción, a cargo de DJ Richie Hell y Balam , se percibe como "un viaje al espacio". Los productores suman analogías fuertes, definiendo el trabajo como un reencuentro de ellos mismos con una de sus esencias: Hot Chip, Future Islands, LCD Soundsystem y Gorillaz . La propuesta se articula en una arquitectura que abandona el rock tradicional y se adentra en la indietrónica y el dub esotérico , tal como exploraron en 2024 con el mixtape Está saliendo el sol . Bicicletas3000 presentará su nuevo material en vivo en su próximo show en LaLaLa, el Jueves 11/12, junto a Ludomatic. Entradas a la venta a través de Passline

Será el 21 de febrero en Ciudad Universitaria, conocé el line up completo Entradas a la venta a través de Venti Buena Vibra, el ya clásico festival del verano porteño, anuncia su edición 2026 y confirma su regreso el 21 de febrero en Ciudad Universitaria, con un line-up que reúne lo mejor de la música local y la nueva escena.   En una única jornada imperdible, el festival presentará shows en vivo de: Wos , El Kuelgue, Conociendo Rusia , Marilina Bertoldi , Usted Señalemelo , Emmanuel Horvilleur , Gauchito Club , Silvestre y La Naranja , Camionero , An Espil 442 , Bestia Bebé , Vinocio y La Valenti.

Con una propuesta arrolladora, cargada de energía, éxitos y joyas, la banda entregó más de tres horas de show ante más de 25.000 personas en una noche única Por Azul Martinez Flaiman Foto: Cortesía All Press Producciones En uno de los momentos más fuertes de su carrera, Airbag regresó a Rosario. Tras un 2025 arrollador con sold outs en toda Latinoamérica y España, y una gira que reafirma el impacto de " El Club de la Pelea I" , la banda encara el tramo final del año con una seguidilla de shows multitudinarios —entre ellos, esta explosiva presentación en la cuna de la bandera— que coronarán con su cuarto y quinto Estadios River del año, el 17 y 18 de diciembre. Convertidos en uno de los grupos argentinos con más presentaciones en el Monumental en un mismo año, los hermanos Sardelli sostienen un ritmo imparable que mezcla madurez artística, grandes himnos y una convocatoria masiva que confirma su lugar entre los nombres más importantes del rock nacional actual. Para este show —su segunda presentación en Rosario del 2025— el clima era de fiesta total desde los días previos, donde los acampes y la energía del público se hacían sentir en las inmediaciones del Hipódromo de Rosario , lugar en el que los fans hacían honor al lema popularizado para demostrar su cariño y fidelidad: "donde sea, cuando sea". En la puesta en escena espectacular, resaltaba un cartel con el nombre del grupo en letras rojas, que irían mutando a azules y violetas a lo largo de la noche, sobre el imponente escenario al que subirían minutos más tarde. Tras una intro transmitida en las grandes pantallas en la que conducían distintos vehículos, Guido , Gastón y Patricio salieron a escena con " Jinetes Cromados " y acompañados de fuegos artificiales, demostrando que el show contaría con prácticamente la misma puesta escenográfica que los recitales de grandes estadios. Esto mismo terminó de confirmarse con la lista de canciones seleccionada para la noche: más de 40 canciones fueron interpretadas entre sus grandes hits, últimos lanzamientos, grabaciones inéditas y covers de Leo Mattioli, The Beatles y Dire Straits. La alegría de la que hablan en " Corazón Lunático ": " Sé que molesta nuestra alegría/No te preocupes, te doy la mía " se materializó en cada una de las 25.000 personas del campo, que devolvió con una sonrisa, saltos y brazos abiertos cada ofrenda que la banda ofreció como " Cuchillos Guantanamera ", "Noches de Insomnio " y " Cae el sol ", que fueron de las canciones más esperadas. “ Extrañas intenciones ”, “ Anarquía en Buenos Aires ” y “ Nunca lo olvides ”, se hicieron presentes para abrir nuevamente las puertas de este nuevo material que está dejando huellas alrededor del mundo. Otro de los momentos emocionantes fue el bloque acústico, donde interpretaron versiones más íntimas de su repertorio como “ Todo pasa ”, " Va a ser difícil olvidar " y “ Ganas de Verte ”. También sorprendieron con la inclusión de " Tu Locura ", " Tu Nombre " o " Relámpagos ", que fueron celebradas y recibidas con euforia por los fanáticos más devotos. Así, los hermanos Sardelli brindaron durante tres horas una demostración de su virtuosismo alejado de conservatorios y partituras, cargado de pasión y forjado en garages y escenarios frente a un público que creció junto a ellos: de llenar bares a agotar, una y otra vez, el estadio Monumental, dejando en cada entrega al público con el corazón sacudido de adrenalina.

Del atardecer al amanecer, una multitud celebró junto a Damas Gratis, Turf, La Joaqui y Louta, entre otros PH: @mariano.banegas Creado por Nacho Elizalde y La Polaca , el evento demostró que la "experiencia Polenta" trasciende el formato de fiesta nocturna para convertirse en un fenómeno masivo al aire libre. Desde la apertura de puertas a las 18:00 hs, el predio se transformó en una pista de baile gigante donde convivieron la cumbia, el pop, el rock, el RKT y el indie, rompiendo todas las etiquetas. Además, las diferentes actividades, desde refugios de perritos hasta juegos de todo tipo, hicieron que la jornada fuera a puro disfrute.   La grilla fue una montaña rusa de emociones que comenzó temprano. Plastilina y Juana Rozas fueron los encargados de recibir al público con las propuestas más frescas de la escena joven e indie. El primer gran pico de euforia llegó a las 21:00 hs con Damas Gratis . La banda liderada por Pablo Lescano adelantó el carnaval y desató la fiesta popular con sus clásicos de cumbia villera, y con la participación estelar de Luz Gaggi , que se animó a la cumbia desatando juntos la ovación de todo el predio y dejando la vara altísima para el resto de la noche. Inmediatamente después, Turf tomó la posta para aportar su infaltable espíritu rockero y esos hits históricos que hicieron saltar a todo el estadio, manteniendo la energía a tope. La noche continuó evolucionando con la performance de LOUTA , quien confirmó por qué es el innovador indiscutido con una puesta en escena que es una experiencia artística completa de música, baile y performance y que recibió en el escenario a Zoe Gotusso para su clásica interpretación de “Ayer te vi”. Luego, el "perreo santurrón" se apoderó del escenario de la mano de La Joaqui , referente del RKT que puso a todos a bailar. Y ya en plena Fiesta Polenta, Ángela Torres brindó una participación especial que terminó de enamorar al público, preparando el terreno para el momento cúlmine. Cerca del final, MHTRESUNO también se hizo presente con un tema, coronando una jornada de celebración absoluta. Festival Polenta no solo pasó la prueba de fuego de su primera edición, sino que llenó el Club Ciudad y la sensación es una sola: vinieron a instalarse definitivamente como el nuevo punto de encuentro de la agenda cultural argentina.

El proceso detrás " Alter Ego ", ser artista en argentina y el show que prepara para el 14 de diciembre en Centro Cultural Matienzo Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Foto: @kikigrafia serenna —en minúscula y con doble n— es una actriz musical que pasó de las tablas a escribir poemas en soledad, un gesto íntimo que con el tiempo abrió la puerta a sus primeras canciones. De ahí dio el salto al estudio, donde fue construyendo un recorrido que incluye dos discos. El segundo, " Alter Ego " consolida a la perfección sus influenciass teatrales, pero también poperas . Con letras en inglés y en español, y tintes de rock, pop, reggaetón e hyperpop , la búsqueda derivó de un conjunto de poemas a un disco donde vuelca sus propios alter egos con una interpretación teatral indiscutible en su forma de interpretar. En su track inicial " Para Que Me Quieran Más ", describe: " Me cansé de escribir puras poesías/Quiero hacer un film/ ¿Cuántos personajes puedo describir que mezclados juntos sean igual a mí?/ Llenándome la boca en otros idiomas porque me da miedo darme cuenta que lo que me pasa me pasa a mí y no a mi alter ego " De esa manera, la artista introduce a un universo que continuaría construyendo en sus videoclips y presentaciones en vivo. La coronación de eso será el 14 de diciembre en Centro Cultural Matienzo , donde todos los personajes encapsulados en el álbum cobrarán vida sobre el escenario. Además, contará con un show de apertura a cargo de más de 15 artistas, entre ellos Odd Mami , Cata Carpena y Ámbar Carrizzo . En entrevista exclusiva reflexiona sobre la teatralidad, el proceso detrás de "Alter Ego", ser artista en argentina y el show que prepara para cerrar el año Musyca Medio: ¿Cuál dirías que es la importancia de la teatralidad en tu proyecto? Tanto en la búsqueda artística como en lo estético y visual... serenna: Yo creo que lo es todo. Para mí algo que caracteriza mi proyecto es un poco la grandilocuencia. La idea de enaltecer y enormizar todo, exagerar cada sentimiento. De encontrar un detalle y marcarlo lo suficiente como para que sea clave aunque podría haber sido invisible. El que yo haga música nace de que yo haga teatro. Siempre me gustó actuar y fue eso lo que me impulsó a la música y al canto. MM: ¿Cómo definirías el concepto de " Alter Ego "? s: El disco y su concepto son una oda a esa línea temporal que viví. Los últimos años fueron la promoción total del minimalismo, del clean girl aesthetic , del “ I’m just a girl ”, de la lindura, la perfección y la vuelta de lo conservador en los discursos. Las mujeres podemos ser enormes, avasallantes y complejas. También feas, gordas y no hegemónicas, pero lamentablemente aún me cuesta mostrar eso en mi misma para el ojo ajeno. En este contexto, creo que no hay nada más disruptivo que la exageración y la satirización. En este disco elijo ponerme en el lugar de víctima o de mártir, de villana o sometida, porque reconozco que todo puede ser parte de mí en pequeñísimas o enormes proporciones. El teatro solo le pone una lupa a eso. MM: ¿Y al disco en sí? s:  Yo creo que es la combinación de varias vetas mías, no solo en el lirismo sino en cómo fui encarando el proyecto de disco a medida que fue pasando el proceso de crearlo. El disco ---aún sin serlo todavía--- fue muchas cosas: un poema, una catarsis, una manera de mantenerme a tierra, un escondite, una excusa, una razón de estrés, una razón de inversión (y endeudamiento), una manera de ver a mi mejor amigo tres veces por semana, una manera de enorgullecerme, de entristecerme, de frustrarme y de satisfacerme, un lugar donde volcar mi creatividad y todo aquello quizás quise en algún punto de mi vida ser, pero que no me terminó conformando, todo junto. También fue una manera de actuar, y creo que al final esa es la base de todo el disco: la transformación en alguien más y desde qué perspectiva se hace. Los últimos años fueron la promoción total del minimalismo, del clean girl aesthetic , del “ I’m just a girl ”, de la lindura, la perfección y la vuelta de lo conservador en los discursos. En este contexto, creo que no hay nada más disruptivo que la exageración y la satirización. MM: ¿Cómo fue el proceso de composición? s: El disco surgió de un conjunto de poemas que eran la catarsis de mis sentimientos. De hecho, por eso, luego de lanzar el disco decidí sacar un poemario como continuación con los retazos que quedaron después de decidir qué quería musicalizar. MM: ¿Sabías desde un principio que ibas a terminar reflejando distintos personajes? s: La primera parte de la composición fue totalmente absenta del pensamiento de un alter ego, pero también porque la experiencia que lo dispara estaba aún sucediendo. Sufrí un desamor muy grande y mientras empecé a componer el disco todavía lo estaba duelando. Recién c uando empecé a encarar la producción del disco es cuando me di cuenta de la disociación de personalidades en los diferentes momentos que atravesaba. Además, en el proceso empecé a tener un trabajo más formal y más cosas que pagar. Me di cuenta que también estaba encontrando un nuevo rol adulto y que también estaba duelando mi adolescencia y la posibilidad de que un desamor me altere tanto. MM: ¿Qué influencias crees que se ven reflejadas en ese proyecto? s: Este disco lo hice escuchando un poco lo que hace años escucho mucho: pop del pop que todos saben que es pop. Pero siendo específica: " Superache " de Conan Gray diría que es de las más grandes influencias. En mi cabeza somos almas creativas gemelas que escriben igual. " emails i can't send " de Sabrina Carpenter. " 1989 " y " Midnights " de Taylor Swift . " Ultraviolence " y " Norman Fucking Rockwell! " de Lana del Rey. " Guts " de Olivia Rodrigo . Hay referencias nacionales también como: " Safari " de Miranda! " Lali " de Lali. " .mp3 " de Emilia que ---aunque mucha gente no coincida conmigo---para mí es un gran disco pop. Y por supuesto, la escena under argentina. Todo el año pasado y el anterior me la pasé en fechas under , viendo gente tocar bien de cerca. Si bien no considero que haya una traducción clara en musicalidad, sí en desempeño. La visión de la gente y la manera en la que he presenciado que mueven sus proyectos se vio reflejada en decisiones que tomé dentro del disco y sus procesos. El sostén de colegas que entienden lo que haces y cómo lo haces es más que necesario y por tanto se ve reflejado en la mera existencia del producto final y en sus reversiones. MM: En ese sentido, ¿qué rol tiene lo colectivo en tu proyecto?  s:  Esta es una pregunta difícil. Por un lado elijo ver la vida de una manera colectiva y cada pregunta que me hago en mi día a día la hago a modo general y plural, pero a la vez centralizo mucha responsabilidad en mí misma. Hay muchos roles dentro del proyecto que bien podrían dividirse en por lo menos 10 personas y me los cargo al hombro yo. A veces ---casi siempre--- por cuestiones económicas, otras veces porque falta terapia. Gracias al cielo en el camino fui encontrando mucha gente que se ganó la confianza como para que pueda soltar un poco y cederle parte del universo que pensé que vivía solo en mi cabeza a ellos. MM: ¿Qué cambios viste al empezar a delegar? s: Al permitirme dejarles actividades a otros me di cuenta que la máquina de a poco se va aceitando cada vez más. La vara de lo que hacemos se va elevando y encontramos la manera de todos juntos alcanzarla y seguir empujándola. Yo no podría llegar al nivel de conformidad en el que estoy ahora si no fuera por mi equipo. Y definitivamente no hubiera aguantado sin la red de contención de colegas, amigos y familia que me ayudaron y me sostuvieron. Confío en que eso es algo que se retroalimenta y por lo que siempre que puedo dar una mano, intento darla. Está lleno de proyectos increíbles, con corazón y cabeza detrás… y si no somos nosotros ---los que sabemos cómo se vive el detrás--- los primeros en darles un voto de confianza, ¿quién lo va a hacer? El sostén de colegas que entienden lo que haces y cómo lo haces es más que necesario y por tanto se ve reflejado en la mera existencia del producto final y en sus reversiones. MM: Dijiste que fue una era que “ no salió en absoluto como la planeaste ”...¿por qué? s: Uno siempre tiene ganas de pensar en grande con lo que va a pasar. Pero por empezar, no calculé que el disco me iba a salir lo que me salió. Saqué 2 créditos para pagarlo y el golpeteo incesante de la plata te desgasta. Los meses en los que- --industrialmente hablando--- tendría que haber movido el disco con mayor energía, donde tendría que haberlo presentado, sacar merch , tocar más o hacer una gira, fueron meses en donde lo apagué de mi vida y me hice la boluda para no pensar en eso. En retrospectiva, fue lo mejor, porque lo necesitaba. Necesitaba resetearlo, cambiar mi perspectiva y mi expectativa. Amigarme con la idea de que la música es parte de mí y eso no lo puedo cambiar aunque quiera, así que no queda otra que tener una relación sana. Pero, bueno, definitivamente no me imaginaba un hiatus de 8 meses apenas sacara el disco. Me alegra haber hecho las paces con mi último hijo, pero Dios sabe que me costó. MM: ¿Cómo describirías que es ser artista emergente en argentina? s: ¡Una tortura! Creo que estamos en un momento difícil para el arte y para lo colectivo. Lo primero que se resigna en una crisis económica es la cultura, olvidándose de lo importante que es para la salud mental. Pero bueno, es la realidad. MM: ¿Qué crees que es lo más difícil? s: Es tortuoso no solo por uno mismo sino porque ves a tus colegas dejando sus proyectos, dejando de tocar, endeudándose y no sabiendo cómo sobrevivir hasta que la cosa cambie. Siento que eso es lo más difícil, por un lado es un alivio saber que no sos el único y que hay una comunidad abrazados ante lo mismo; pero por otro es sorprendente creer que se permita que la estructura de la cultura se caiga y tanta gente caiga con ella. MM: ¿Cómo vivís las tensiones que eso implica? s: Hay muchas controversias, debates y círculos viciosos que se pueden desglosar del ser artista: si sos artista y querés trabajar, tenés que regalar tu trabajo un poco en estos tiempos. Y si regalás tu trabajo perpetuás el hecho de que el arte no puede funcionar como trabajo, pero a la vez querés tener algo que muestre que efectivamente podés trabajar. Y lo mismo al revés: querés contratar gente pero no podés pagarle. O te la bancás solo o con la cabeza muy baja buscás si alguien se copa ad honorem sabiendo que estás siendo parte del mismo círculo vicioso. A veces se siente como si no hubiera salida o jugada correcta. La realidad, creo yo, es que hay que ir cediendo de un lado y del otro y hablando mucho mucho con tus colegas para tener un piso común y siempre buscar el bien colectivo por sobre el individual. Siempre digo q ue para mí no vale la pena ser exitosa si eso implica que tengo que pisarle la cabeza a quienes están a mi alrededor. ¿Para qué quiero que la gente me vea y me consuma si como persona tengo que sacudir totalmente mis principios y mi moral? Lamentablemente, está lleno de gente que ha llegado a lugares a costa de trepar por sobre el resto, y el contexto del país y de la industria fomentan cada vez más eso. Y aclaro, sin entrar mucho en el tema, que siendo mujer y gorda, es aún más difícil. MM: ¿Cómo te llevas con el uso de las redes sociales para promocionar tu música? s: Tengo días y días. Por suerte miedo a las cámaras no tengo y la creación de contenido es algo que efectivamente me gusta y que creo que no me sale mal, pero sí a veces lucho con la idea de que el destino está más nublado si no subo un TikTok por día. Por un lado es la herramienta más "accesible" para publicitar tu música, porque es una red social gratis pero por otro está altamente cargada de información y de gente que está en la misma. Es difícil no sentirse una aguja en un pajar y preguntarse: "¿ Por qué lo que yo subo no funciona y lo de alguien más sí ?". Que viene acompañada de: "¿ Es que no soy suficientemente linda ? ¿ O que mi música no es suficientemente buena ? ¿ O que no tengo una estrategia adecuada ?" Y a veces puede ser eso pero otras puede ser simplemente suerte. Cambiando mi manera de ver la música cambié mi manera de ver las redes. Lo hago porque lo intento y con intentarlo me alcanza. Si tiene que suceder, sucederá, y si no, sé que hice lo mejor que pude y lo disfruté mientras tanto. Sí me apena saber que está lleno de gente que no tiene la extroversión que yo tengo y que poner su cara frente a un celular haciendo un trend los mata, pero supongo que es una cuestión de encontrar la manera de usar cada arma de doble filo a tu favor en la medida de lo posible. MM: ¿Con quién te gustaría colaborar? Podes pensar una opción cercana y posible y otra más lejana e imposible. s: Pensando en algo lejano, alguno de los niños de Dan Nigro : Chappell Roan , Olivia Rodrigo o Conan Gray . No solo porque me gusta su manera de componer sino porque me gusta su manera de atacar sus proyectos, y porque me muero de ganas de saber cómo trabaja Dan Nigro . Todas sus producciones me fascinan. Pensando en algo más local, me encantaría colaborar con Blair , que sacó un disco que disfruté mucho este año, y que se nota que le pone mucha cabeza a su proyecto y se vuelca completamente en él; me encantaría que exista un nuevo Hotel Miranda y sumarme a cantar un tema con ellos también, obvio. Hace mucho que tengo ganas de participar en proyectos de un pop un poco más electrónica o minimalista, así que amaría subirme a un tema de Bautibit . MM: ¿Soñás con vivir del arte? ¿Crees que es una posibilidad? s: Como soñar, sí, re. Pero no lo veo como la única opción posible... Siendo sincera aún no sentí que sea una posibilidad y elegí más amigarme con la idea de que es posible que no suceda. No porque no tenga con qué, sino porque la industria está bastante cerrada a apostar por algo que no pueda sustentarse ya solo. Por supuesto no bajo los brazos de que algún día se puedan mover masas o un sello pueda invertir en mí, pero mientras tanto creo que encontré un buen balance de poder vivir haciendo música sin vivir de la música. MM: Se viene su presentación en vivo en Buenos Aires...¿qué pueden esperar quienes vayan al show? s: ¡Teatro! Escribí un guion de 3 páginas para dirigir el show. Entre acciones tipo mini escena, diseño de luces, de sonido, cambios de vestuario, actos definidos, invitadxs, y una banda de otro mundo, yo creo que va a ser bastante teatral la cosa. Siempre está el factor diversión que trae el pop, también, y adelanto desde ya que quizás me ponga generosa con el merch desde el escenario. Entradas a la venta a través de Passline MM: ¿Cómo surgió la idea de invitar a tantos artistas a hacer la apertura? s: Surge de dos ideas: quería hacer algo diferente y quería que la gente realmente tuviera ganas de ir a la fecha. La presentación del disco es algo importante para mí y quería poder hacer el despliegue total que mi cabeza ve en el disco, y para eso quería que la apertura esté sincronizada y sintonizada con el espectáculo que propusimos. Me pareció que estaba bueno que haya mucha gente en el escenario, un poco representando la idea de ser muchos a la vez. Por otro lado, hace mucho que estoy harta de ver hombres y hombres y más hombres en escenarios haciendo lo mismo: tocando la guitarra distorsionada mirando el piso y teniendo como mucho una mujer en su banda. Teniendo eso en cuenta, quise hacer una apertura donde hubiera mayoría de mujeres y con cupo disidente. Donde por una vez los hombres cis-hetero fueran minoría, y donde la gente pudiera conocer a artistas nuevos mientras vieran a artistas que ya adoran. MM: Representa un acto de generosidad de tu parte, compartir tu show con tantos artistas y brindarles ese espacio... s: Creo que al final, todos somos trabajadores de la cultura y todos vivimos el remar en dulce de leche en mayor o menor medida. Ni hablar de que todxs lxs artistas invitadxs son artistas que admiro muchísimo y cuya música me acompaña en mi día a día. Hay amigos, gente que conozco por TikTok y me llevo bien, personas que me crucé en antros, mi novia, mi hermanita menor, personas que me han dado oportunidades a mí, o que me han involucrado en sus proyectos. Y todo dirigido musicalmente por Junior que es la persona con el cerebro más grande y apasionado que conozco. Creo que la apertura no podría haber sido de otra forma. Escribí un guion de 3 páginas para dirigir el show. Entre acciones tipo mini escena, diseño de luces, de sonido, cambios de vestuario, actos definidos, invitadxs, y una banda de otro mundo, yo creo que va a ser bastante teatral la cosa. MM: ¿En qué estás trabajando actualmente? ¿Cuáles son los planes 2026 de Serenna? s: La verdad, solo en la fecha. Voy haciendo baby steps para no volverme loca, porque es mucho: mucha producción, mucha logística, mucha ejecución, mucha cabeza. Tengo ideas y algunos planes para el año que viene, pero prefiero que queden bajo llave hasta que sienta que es momento de contar más; pero nada está ni cerrado ni definitivo. Lo más grande que hay en mi mente se materializa el 14 de diciembre en el Matienzo.

Entre ovaciones, versiones particulares y una conexión profunda con la gente, El Salmón dejó en evidencia su capacidad para atravesar épocas y mantenerse como un ícono indiscutido del rock nacional y latino Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @ sofiabulgarelli.ph Tras la reprogramación del recital por las condiciones climáticas, y con una propuesta única, Andrés Calamaro finalmente se presentó en La Playa de la Música , en Rosario, el viernes 21 de noviembre, con su “ Agenda 2025 Tour ”, una gira que lo llevó por escenarios de Europa y Latinoamérica y que culminará con presentaciones en el Movistar Arena y en el Hipódromo de La Plata. Con el viento soplando cada vez más fuerte, y el público ingresando al predio disfrutando el placer de tener el río a dos pasos, la previa tuvo a un DJ que calentaba motores con clásicos del rock nacional e internacional. Padres junto a sus hijos esperaban el momento único donde se brindaría una de las herencias más valiosas: el rock nacional que marcó su propia adolescencia. Las canciones que hasta ese día vivían en anécdotas, radios y videoclips cobraban vida frente a ellos, encarnadas en una figura que atravesó generaciones con una vasta discografía llena de clásicos. Cerca de las 21, con la luna ya sobre las cabezas, El Salmón tomó el escenario junto a su banda, conformada por Germán Wiedemer, Julián Kanevsky, Mariano Domínguez, Andrés Litwin, Brian Figueroa, Andrés Ollari y Pablo Fortuna. Después de saludar al público y agradecerles por compartir esa noche, Calamaro dio inicio al show con una elección fuerte y al medio: “ Crímenes perfectos ”, “ Cuando no estás ” y “ Loco ”, coreadas por todo el predio. El clima siguió calentándose con “ Te quiero igual ”, “ Carnaval de Brasil ” y “ Rehenes ”. Con “ Para no olvidar ” y “ A los ojos ”, de Los Rodríguez , se lucieron pasos de baile antes de avanzar hacia “ Cuando te conocí ” y “ Me arde ”, que terminaron de encender la noche, impulsadas por una voz que ha sido protagonista en la vida de todos los argentinos, acompañándolos incluso cuando no eran del todo conscientes de ello. En una de las tantas pausas del cantante para dialogar con su público y agradecerles, declaró: “ Todo mi amor para Rosario ”, y fue ovacionado con tal fuerza que se sacó el sombrero —su típica gorra negra— ante la gente. También aprovechó para enviar un saludo a la familia y amigos de Claudio Ponieman tras su fallecimiento y lo declaró " la estrella de rock desconocida de Argentina ". Directamente de " El Salmón"  (2000) apareció “ Output-Input ”, seguido por “ Los aviones ” de " Honestidad Brutal  " (1999) y “ Nacimos para correr ” de " Bohemio"  (2013), en un recorrido por sus discos que sorprendió por la particularidad de sus versiones. En entrevista con Diario La Capital , el músico explicó el por qué de estas nuevas interpretaciones: " No pensamos en las versiones de los discos ni los escuchamos, confío en el carácter 'próximo' de la música e interpretar en el escenario. Creo que el público no viene a recrearse con el pasado y compartimos episodios de música en tiempo real. Tocamos las canciones como si recién las estuviéramos descubriendo ". Y agregó: " La nostalgia no es lo mío en tanto no suelo revivir el pasado con melancolía. Llevo en esto cuarenta años y no puedo repetir dos veces una misma melodía idéntica. " El último tramo llegó con “ Donde manda marinero ”, “ Tuyo siempre ” y “ Mi enfermedad ”, un tridente que desató gritos eufóricos y baile extendido por todo el campo. El final se asomaba cuando sonaron “ El salmón ”, “ Alta suciedad ” y “ Sin documentos ” de Los Rodríguez , donde la energía inigualable de la banda se contagió hacia el público en una sinergia perfecta. El cierre estuvo a cargo de partes iguales de emoción y canto desaforado con: “ Estadio Azteca ”, “ Paloma ”, “ Flaca ” y “ Los chicos ”, que dejaron la atmósfera cargada de alegría incluso después del último acorde. Andrés ya es un ícono indiscutido del rock nacional y latino, pero una vez más dejó en evidencia su capacidad única para condensar en cada letra y melodía sentimientos tan específicos como universales, que se clavaron al ángulo de cada corazón y le permitieron trascender a través de su obra: el mayor premio que un artista puede recibir.

En una noche genuina la artista presentó "Inmersión", su último lanzamiento, y guió al público por un viaje sensorial que fue de lo futurista a lo íntimo y absolutamente intenso Crónica: N. Fernández - @anyerfotografia Fotos: Sol Piano - @solpiano Una noche lluviosa de Buenos Aires recibió a Javiera Mena  en Deseo Club , donde presentó " Inmersión ", su nuevo disco, con un show que confirmó ---una vez más--- su capacidad para transformar una pista en una experiencia sensorial completa. Antes de que la chilena subiera al escenario, Babeblade  abrió la velada con un set que recorrió sus lanzamientos más recientes. Con un tono electrónico húmedo y pulsante, instaló el clima perfecto para lo que vendría: una noche dispuesta a mover cuerpos, pero también emociones. La atmósfera cambió de por completo con la entrada de Javiera : las luces, el sintetizador y su presencia marcaron ese pulso futurista que define su obra. Es música que no solo se escucha, atraviesa. Con “ Na na na ” y “ Palacio de hielo ”, inició el recorrido. “ Hasta la verdad ”, una de las favoritas del público, intensificó ese recorrido: un coro colectivo que funcionó como un abrazo sonoro, compartido y cálido en contraste con la lluvia exterior. “ Sincronía, pegaso ” cerró este primer bloque con elegancia pop y una sensación de travesía: algo así como pisar, por un momento, otro planeta. De pronto, la energía se volvió hacia adentro. Las luces bajaron y comenzó una sección acústica que despojó a las canciones de sus capas electrónicas para acercarlas a un costado más íntimo, casi confesional. Antes de “ Absurda ”, Javiera lanzó, entre risas: “ Esta canción habla de los celos y de los gatos ”. Esa mezcla de humor y vulnerabilidad marcó el tono del segmento. En clave íntima, piezas como “ Esquemas juveniles ” o “ Cámara lenta ” se transforman: dejan de ser himnos de pista para volverse pequeñas narraciones que cualquiera podría reconocer en su propia historia. Por su parte “ Mar de coral ”, junto a Chechi de Marcos , fue uno de esos momentos donde el relato musical se vuelve espejo: cada quien escuchó algo propio ahí. El giro fue radical cuando “ Entropía ” encendió el bloque techno-mix . De nuevo, Deseo Club pareció despegar hacia otro mañana: “ Diva ”, “ Flashback ” y “ Espejo ” funcionaron como estaciones en un viaje acelerado, luminoso, cambiante. El clímax llegó con “ Espada ”, donde el pogo explotó con una energía casi ritual. Estas canciones, en vivo, no solo convocaban a bailar: construían un espacio donde el futuro, o al menos su posibilidad, se volvió palpable. Con “ Otra era ” y fragmentos de “ Eclipse total ”, la artista volvió a mutar la estética de la noche. Ella y su banda reaparecieron con anteojos blancos, reforzando el imaginario pop-futurista que tanto la caracteriza. En “ Pez en el agua ”, dedicó un agradecimiento a las visuales y soltó una frase que detonó aplausos: “ Que vivan las lesbianas” . El punto de quiebre emocional, y festivo, llegó con “ Entre las dos ”. Miranda!  subió al escenario y el club directamente tembló. Lo que ya era una fiesta se convirtió en un hito pop: bailecitos, risas, complicidad y la certeza de presenciar un momento irrepetible. El cover de “ Yo no te pido la luna ”, popularizada por Daniela Romo , profundizó aún más ese espíritu comunitario: el público cantó tan fuerte que por momentos la voz de Javiera  quedó en segundo plano, reemplazada por un coro unificado de cientos. Tras “ Que me tome la noche ”, la artista dejó el escenario con un falso final. Volvió para un último bloque breve pero significativo: “ El amanecer ”, “ Luz de piedra de luna ” y “ Sufrir ” cerraron la noche con una mezcla de calma, emoción y un último destello de ese universo propio que crea en cada show. La propuesta de Javiera Mena  no es solo musical: es una forma de viajar. Con sus technos vibrantes llevó a los presentes hacia lo futurista, lo cósmico, lo expansivo; con sus acústicos, los devolvió hacia adentro, a esos lugares donde habitan las pequeñas historias, los miedos, los chistes privados y los recuerdos. La puesta en escena de visuales, vestuario y luces hicieron de esta experiencia algo inmersivo. Todo eso convivió en Deseo Club en una noche que osciló entre la fiesta y la introspección, la cercanía y la fantasía, lo íntimo y lo espectacular. Y si algo queda claro después de verla, es que Javiera  no solo canta: invita a sentir. Invita a su audiencia un viaje interno, y también, a un viaje hacia el futuro. Y todo, absolutamente todo, lo hace con intensidad.