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La artista ganadora del GRAMMY® regresa a la Argentina para presentar su nuevo proyecto “Sincerely: P.S.” con un espectáculo de gran formato el 10 de febrero de 2026. TICKETS A LA VENTA ÚNICAMENTE A TRAVÉS DE MOVISTARARENA.COM.AR. VENTA GENERAL CON TODOS LOS MEDIOS DE PAGO: JUEVES 23 DE OCTUBRE, 10AM La artista global ganadora del GRAMMY® Kali Uchis  regresa a Buenos Aires con su esperada gira internacional “The Sincerely, Tour” , con la que llegará al Movistar Arena  el 10 de febrero de 2026 , con producción de DF Entertainment . Tras conquistar los escenarios más importantes del mundo, la cantautora colombo-estadounidense vuelve al país con un espectáculo que promete ser una celebración de su carrera y su inconfundible mezcla de R&B, pop alternativo y ritmos latinos. Los tickets  para esta cita estarán disponibles únicamente desde la web del Movistar Arena desde el jueves 23 de octubre, con todos los medios de pago.  Reconocida por su estilo innovador y su estética única, Kali Uchis viene de lanzar su nuevo proyecto discográfico Sincerely: P.S. , una edición deluxe de su aclamado quinto álbum Sincerely, que muestra su faceta más íntima y poderosa hasta la fecha. Con canciones bilingües y colaboraciones junto a Ravyn Lenae, el álbum consolida a Kali como una de las artistas más versátiles de la escena global, combinando vulnerabilidad, sensualidad y una visión artística absolutamente personal. El show en Buenos Aires será una cita imperdible para los fans locales, que volverán a disfrutar en vivo de su energía y magnetismo después de su icónica presentación en Lollapalooza 2022, donde brilló e hizo vibrar a miles de fans.  En esta nueva etapa, Kali Uchis promete un recorrido por los grandes éxitos de su carrera —como telepatía , Moonlight  y After The Storm — y las nuevas canciones de su repertorio, en una puesta visual de gran formato que fusiona música, arte y moda en partes iguales. Con su voz hipnótica, su visión artística multidimensional y una conexión única con su público,  Kali Uchis confirma una vez más su lugar entre las artistas más influyentes e innovadoras de la actualidad.

La leyenda del reggaetón presenta una propuesta única: sus grandes hits reinterpretados junto a una orquesta completa. Será el 11 de febrero en el Movistar Arena. Yandel, la leyenda mundial, uno de los más grandes artistas del siglo y responsable de hacer del reggaeton lo que es a día de hoy, acaba de anunciar la llegada de su legendario concierto “Sinfónico” en Buenos Aires. Como ya ha hecho varias veces a lo largo de su extensa carrera, Yandel continúa siendo pionero, innovando para hacer del reggaeton, y de sus canciones, algo aún más grande de lo que son a día de hoy. Del mismo modo que abrió el género, y en general, la música en español, al mercado del hiphop anglosajón, hace meses se convirtió en el primer artista urbano en plantear un show de sus más grandes hits acompañado de una orquesta sinfónica. Este formato se estrenó en Miami y pasará también por otras ciudades, pero este 11 de febrero llega a Argentina para presentarlo en un show único en el Movistar Arena de Buenos Aires, luego de su última visita en 2022. En este “Yandel Sinfónico”, canciones como 'Yandel 150', 'Rakata', 'Encantadora' o 'Ay Mi Dios' se presentarán combinando la energía de las versiones originales con una producción de altísimo nivel que involucrará a decenas de músicos con arreglos de cuerda y viento propios de la música clásica.

Delfina Campos confirmó su primer show de 2026: será el 5 de febrero en Niceto Club. La fecha propondrá un cruce artístico transandino, ya que compartirá escenario con el reconocido dúo chileno Marineros. La cantante cerró un 2025 marcado por un fuerte crecimiento que comenzó con su participación en el Quilmes Rock y con su música formando parte del soundtrack de la serie Envidiosa  (Netflix). A partir de allí, emprendió una extensa gira internacional de presentación de su disco PELÍCULAS PERDIDAS , con fechas en España, México, Costa Rica, Chile y distintas ciudades del interior de Argentina. A lo largo de 2025, Delfina Campos también presentó nueva música: lanzó “Antídoto”, canción compuesta junto a David Velasco, cantante de la banda mexicana Porter ; participó de la colaboración “Velocidad Crucero” junto a Nano Mundano; estrenó un remix de “Películas Perdidas” a cargo de Juan Blas Caballero; y hacia el cierre del año presentó una versión acústica de “El Astronauta” para las Wagon Sessions Unplugged .

Serán en el emblemático escenario de Ciudad Cultural Konex, el 10 y 11 de febrero, en el marco de Parador Konex. Conseguí tu entrada haciendo click acá Después de un 2025 lleno de festejos por sus 30 años de carrera, La Vela Puerca sigue celebrando su legado con una serie de shows que mantienen viva la esencia de su música y el vínculo con su público. El año pasado, la banda estuvo dedicada a celebrar con una gira que los llevó a más de 50 ciudades donde dieron más de 53 shows entre presentaciones nacionales e internacionales que los llevaron a distintos puntos de América Latina y Europa. Además, cerraron el año de manera épica y emotiva en la Rambla de Montevideo, frente a más de 40 mil personas, en una noche histórica que reunió generaciones de fans. Pero la celebración no termina ahí, ya tienen fechas confirmadas para este principio de año.

El proximo 21 de febrero en Ciudad Universitaria en una única jornada imperdible, el festival presentará shows en vivo de: Wos,El Kuelgue, Conociendo Rusia, Marilina Bertoldi, Usted Señalemelo, Emmanuel Horvilleur, Gauchito Club, Silvestre y La Naranja, Camionero, An Espil 442, Bestia Bebé, Vinocio y La Valenti. Preventa Exclusiva con Tarjeta Naranja X desde hoy 2 de diciembre y hasta el 4 de diciembre a las 19 h. Venta general 4 de diciembre desde las 19.01 h. Una vez más, el Festival Buena Vibra sigue validando el indie y demostrando que los géneros y las generaciones están para mezclarse, sin etiquetas ni barreras. Fiel a su espíritu, el festival vuelve a convertirse en un punto de encuentro donde lo emergente y lo consagrado conviven sin prejuicios, celebrando una propuesta de música sin etiquetas que ya es marca registrada. Además, en esta edición Buena Vibra no contará con sistema cashless priorizando la comodidad del público y haciendo que la experiencia sea más simple, directa y transparente para todos. Su edición 2026 reafirma su compromiso con la escena local alternativa, impulsando a artistas en ascenso y consolidando a los grandes referentes. Más que un festival, Buena Vibra es una experiencia que trasciende la música y celebra la energía del verano en Buenos Aires. Evento para mayores de 18 años.

La camaleónica rapera y estrella pop norteamericana, una de las voces más originales del panorama contemporáneo, llega al país en el marco de su gira “Ma Vie World Tour” el próximo 8 de febrero. Ya es oficial: en el día del lanzamiento de su quinto LP, Doja Cat confirma su primer show en solitario en Argentina (luego de una primera visita en el marco del festival Lollapalooza 2022). La explosiva gira “Ma Vie World Tour” tendrá su parada local de la mano de DF Entertainment el 8 de febrero en Movistar Arena, para celebrar junto a su público el lanzamiento de Vie, que ya está disponible en todas las plataformas. Las entradas se podrán adquirir en la etapa de preventa de la artista a partir del miércoles 1 de octubre o en la preventa exclusiva para clientes Santander Amex con hasta 6 cuotas sin interés, o en la venta general que abrirá el jueves 2 de octubre. El único sitio oficial es www.movistararena.com.ar. Con más de 36 mil millones de streams globales, Doja Cat se ha convertido en una de las figuras más influyentes del pop actual. Su nuevo single “Jealous Type”, producido por Jack Antonoff (asiduo colaborador de Taylor Swift y Lorde) y Y2K (productor detrás de estrellas como Ariana Grande y Tate McRae), fue el adelanto de Vie —su quinto álbum de estudio que lanza oficialmente hoy— y ya cuenta con un videoclip dirigido por Boni Mata.

Luego de un fin de semana histórico, Willy Bronca -el encargado de abrir las presentaciones de María Becerra en el Estadio River Plate- anuncia su primer show propio en Niceto Club para el sábado 7 de febrero. ENTRADAS A LA VENTA A TRAVÉS DE VENTI.COM El artista de José C Paz es reconocido por sus fraseos vertiginosos y cargados de líricas sociales, lo que llevó a María a invitarlo a ser parte de los shows más importantes de su carrera, según él mismo contó . Pero Willy Bronca es mucho más que eso: combina una formación musical sólida -de conservatorio- y una sensibilidad popular que le permite fusionar rap con jazz, funk, soul y folklore latinoamericano. Ese cruce lo posicionó como una de las voces más singulares de su generación y una de las propuestas más originales de la escena musical del momento. Además de su potencia lírica, Willy tiene una cualidad que terminó de definir su impronta en vivo: rapea mientras toca la batería. Ese doble rol sobre el escenario es también uno de los elementos que reafirma su singularidad. En muy poco tiempo, logró ganarse la atención de figuras que rara vez confluyen alrededor de un mismo artista. Compartió escenario con Divididos, Bersuit y Manu Chao, entre otros proyectos consagrados. Fue invitado por León Gieco a grabar una nueva versión de “La Marcha de la Bronca” y su talento llegó incluso a oídos de Rosalía, quien lo vio en vivo durante el último show de Cindy Cats. Actualmente está trabajando en su tercer disco, producido por Catriel Ciavarella (baterista de Divididos) y Juano Sarda, un proyecto que busca profundizar esa mezcla potente entre tradición, calle y experimentación que define su identidad musical.

El artista reflexiona sobre el proceso creativo de Un segundo inexistente  y el giro que marca una nueva etapa en su carrera Por Azul Martinez Flaiman Foto: @uma_schenk MAP es un artista de pop rock de Buenos Aires que, a pesar de tener referentes como Soda Stereo , The Beatles y Blink-182 , inició su camino dentro de un universo que le birndó libertad: el trap. Ese primer acercamiento funcionó como una puerta de entrada a la música, pero también como un espacio de búsqueda. Así, su sonido comenzó a forjarse entre bases del trap y tintes de synth pop, una mezcla que terminó de tomar forma en Sinestesia , su primer disco de estudio, presentado en Niceto Lado B. En una entrevista exclusiva, MAP profundiza en el cambio de sonido, el concepto que estructura su nuevo trabajo y el inicio de una etapa más personal. Musyca Medio: Sinestesia  fue tu puerta de entrada con un sonido más trap/synth pop. ¿Qué sentís que te llevó a explorar en el pop rock en esta nueva etapa? MAP: El pop rock siempre fue de mis géneros favoritos pero no me animaba a hacerlo. Siento que el rap y el trap fue más una etapa, a la cual estoy recontra agradecido porque me abrió los caminos para empezar a hacer música. Gracias a esa etapa pude animarme a lanzar canciones, a exponerme públicamente, a actuar en videoclips, a hacer un disco y presentarlo con banda completa en Niceto.  Ahora toca otra etapa que tiene más que ver conmigo, con lo que verdaderamente me gusta musicalmente. Con lo que antes no me animaba a hacer, ya sea por miedo, por respeto o por pensar que no tenía lo necesario. Amo este género y estoy muy contento con las canciones que estoy haciendo. Es el lugar en donde más cómodo me siento, en donde más “yo” me siento. MM: Tu próximo disco, Un segundo inexistente , se plantea como una sesión de terapia. ¿Cómo nació ese concepto? MAP: La sesión de terapia es el universo físico y teatral del disco. Necesitaba darle un marco a la idea madre y se me ocurrió que la terapia podría ser un espacio interesante. Una idea madre que nace desde el propio cuestionamiento de mi existencia misma, me venía haciendo ruido la temática del tiempo y a la vez me interesaba, por lo que me puse a investigar. Dí con Einstein y la famosa teoría de la relatividad, con la cual el físico cuestiona la existencia del tiempo. También con San Agustín , que además de ser un santo fue un gran filósofo y escribió acerca de la temática, dejando en sus dichos que la razón de ser del presente es dejar de ser, pues sino sería una eternidad. A esta especie de crisis fundada por pensadores del pasado se le sumó una de índole personal. Un proceso de autoconocimiento y de búsqueda del “yo”, mezclada con cuestionamientos sobre el amor, porque trae preguntas como: " ¿Cómo vamos a poder amarnos si no conocemos realmente quienes somos? " o " ¿Cómo vamos a encontrarnos si no habitamos el mismo espacio-tiempo, ya que este último no existe? " Ante tanta crisis, la sesión de terapia me pareció un escenario ideal para darle un marco a la idea principal del disco y a la pregunta que define o, mejor dicho, abre el juego hacia el desarrollo del mismo. Porque si pareciera que nuestro existir estuviera loopeado en un constante segundo inexistente: ¿qué vas a hacer con él? MM: ¿Cómo está siendo el proceso creativo y de composición? ¿Qué emociones crees que te permite explorar? MAP: A principio de año empecé a hacer música con un amigo muy talentoso, Santiago Maiale , mejor conocido como Malahí , sin una idea clara ni un concepto armado. La idea era simplemente conocernos musicalmente, ver qué ideas salían y para dónde disparábamos. Yo tengo una metodología de composición más ligada al rap o al género urbano, de poner una pista ya hecha y hacer la canción ahí. Así que comenzamos así, yo llevándole ideas de canciones a Santi y él descomponiéndolas y rearmando las canciones. Es muy interesante el proceso porque estamos armando y desarmando ideas de canciones constantemente hasta llegar al sonido que mejor se siente, hasta dar en la tecla. Entre referencias como Dominic Fike , Justin Bieber y bandas de rock británico como The Kooks , y la idea conceptual del tiempo, el amor y la búsqueda del “yo”, fuimos encontrando una metodología y un sonido muy propio, un sonido que es muy MAP y también Malahí, por supuesto.  Y en cuanto a emociones siento que me permitió principalmente autoconocerme, haciendo que la temática del disco estuviera presente en la composición (y de esto me estoy dando cuenta ahora mientras escribo esta respuesta). Porque la dinámica que se da con Santi es de un ida y vuelta en el que yo confío plenamente en lo que hace y lo dejo ser, pero él también me consulta, me escucha y me hace parte de las decisiones. Me permite cuestionarlo y viceversa. Y eso enriquece muchísimo a las canciones y abre el juego para que aparezcan distintas ideas, distintas emociones. Me permite también salir de mi comodidad y de mi zona de confort, haciendo que me anime a una metodología de composición más musical, cara a cara con mi guitarra o mi piano. Entonces yo me vuelvo a mi casa y me quedo dándole vueltas a la nueva parte o a la modificación del verso que hicimos en el estudio. Y experimento sensaciones nuevas. Y me incomodo, me repregunto. Me agarran dudas, me frustro. Y siento nostalgia del pasado y emoción por el futuro. Y me desborda una sensación de euforia y emocionalidad al mismo tiempo cuando se gesta un sonido nuevo. Y siento que mis canciones pueden cambiar el mundo. MM: Nos contabas que en este nuevo disco conviven dos personajes, uno “bueno” y uno “malo”. ¿Cómo nació esa dualidad y qué representa para vos esa búsqueda del "yo" mezclada con romance? MAP: El bueno y el malo es una representación más simplista de la búsqueda del "yo". Esta idea se nos ocurrió con Agustina La Chiesa , diseñadora y artista amiga quien está colaborando en la idea artística y visual del proyecto. Sabiendo que el universo iba a estar concentrado en una sesión de terapia, se nos ocurrió la posibilidad de que existan distintos MAPs. Varios “yo” que se encuentren y confluyan en ese “yo” final, validando el concepto de mi propia búsqueda. Como mi idea es dividir el estreno del álbum en 3 partes, optamos por quedarnos con un MAP bueno, que va a representar específicamente tres canciones y uno malo, que representará a otras tres, para luego dar con el disco completo y el MAP definitivo. Una especie de ying y yang. El romance entra en juego porque, además de que me gusta escribir canciones de ese estilo, creo que el ser humano solo se puede conocer de manera completa en el vínculo con el otro. Y no hay manera más pura y divina que hacerlo en una relación romántica con la persona que amas, como ya lo dijo Paul McCartney en Silly Love Songs . MM: ¿Cómo sigue el camino? ¿Cuáles son los planes 2026 de MAP? MAP: Por lo pronto con mucho entusiasmo y ganas. Estamos planificando todo con Santiago, Agustina y con Juan Vives, otro amigo estudiante de cine que se sumó al proyecto para dirigirlo y darnos más herramientas desde el lado técnico. Se está encargando de guionar todas las ideas de videoclips para cada canción. Actualmente estamos trabajando en conjunto para darle vida y coherencia a este universo, con ganas de ampliar el equipo y poder arrancar lo antes posible a filmar. En Marzo tenemos el primer show del año con la banda completa en Strummer Bar, donde la idea es seguir presentando las nuevas canciones de Un Segundo Inexistente . Así que espero que sea un año lleno de nueva música y de estrenos audiovisuales que representen todo este universo. Y también donde puedan conocer mi nueva faceta, mi faceta más real y personal, para conocerme verdaderamente como artista y como persona. Por supuesto estoy con muchas ganas de seguir tocando en vivo, de seguir viéndoles las caras y de sumar caras nuevas a la película.

El artista realizó el show más grande de su carrera con una impactante puesta en escena, grandes invitados y su ambición indiscutible Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Foto: @adlerguido @bohemiangroovecorp En junio de 2025, Dillom anunció el show más grande de su carrera, pensado para despedir el universo de Por Cesárea , con fecha inicial para el 11 de septiembre en el Estadio José Amalfitani. Sin embargo, el evento se reprogramó para el 21 de diciembre, aumentando aún más la expectativa durante los casi seis meses de espera totales. Llegada esa tarde-noche calurosa, los alrededores del estadio se iban colmando de jóvenes cuya vestimenta no pasaba desapercibida: remeras pintadas, cosidas e intervenidas a mano con distintos elementos y frases del universo del cantante. Aunque solo tiene dos discos, su bagaje de referencias y conceptos permite que cada fan se identifique con una parte distinta de su lore musical. Esa misma creatividad con la que inventa mundos inspira después a sus seguidores a expandirlos, adaptarlos y reinventarlos. A pesar del debate presente en redes sociales los días previos sobre el sold out y la importancia del mismo, quedó claro desde temprano y en cada fila, que el estadio estaría atestado de personas en todos sus sectores. Cerca de las 21, las tribunas y el campo ya se encontraban llenos de gente disfrutando de los clásicos de rock internacional que musicalizaban la previa. Al mismo tiempo, hablaban sobre la puesta en escena que ya podía admirarse. Los dos ejes de la escenografía pensada para Por Cesárea  se hacían visibles desde el principio: un escenario enorme cubierto de telas que simulaban pieles y, en el medio del campo único, dividido solo por una valla vertical de seguridad, el gran corazón que había marcado el pulso de los shows previos en Luna Park y Movistar Arena. La emoción en los presentes podía palparse. Cada uno se preparaba para una noche única, de celebración de un artista que luchó contra toda adversidad que se le presentó con un único objetivo: ser grande en esto de la música. Las luces se apagaron y el gran corazón comenzó a elevarse y a latir sobre las cabezas de quienes estaban en el campo, al ritmo de Irreversible , la introducción elegida para sostener la respiración para su compañera: Coyote , la primera canción de la noche, que puso play al pogo que no pararía en las dos horas y veinte minutos siguientes. Sobre las plateas, luces blancas trazaban la cara del artista y la portada del disco y se proyectaban generando una experiencia completamente inmersiva. Sobre el escenario, entre lenguas de fuego, el músico con lentes de sol y una campera de cuero, su fiel banda y la agrupación de cuerdas Cuarteto Divergente acompañaban al solista que combina independencia y trabajo en equipo. Firmado por su propio sello, rescata cada vez que tiene la oportunidad la importancia del trabajo en equipo para la concreción de los objetivos. “ Trabajo en equipo: el combustible que permite a la gente común alcanzar un resultado poco común ”, rezaba la galleta de la fortuna que mostró a través de sus redes sociales en las horas previas, resaltando la fuerza de lo colectivo. Mick Jagger , Rili Rili  y Piso 13  junto a DUO representaron el bloque de iniciación: bailes, saltos y letras que se volvieron insignia de su proyecto, por fuera del segundo disco de estudio, que protagonizaría el primer momento performático de la noche y dejaría boquiabierto a todo Liniers. Para La Novia de Mi Amigo , el cantante apareció en escena con más de veinte globos en tonos grises. A mediados de la canción, no solo apareció el primer invitado de la noche, Juan López , sino que los globos que tenía en la mano comenzaron a elevarlo hacia el cielo, en una hazaña que subiría la vara de la puesta de ese momento en adelante. El segundo invitado fue Broke Carrey , quien interpretó en completa soledad Mentiras Piadosas . Esto dio el pie perfecto al primer cambio de vestuario de la noche para el super rapero nacional. Mientras Franco Dolzani (guitarra, bajo, teclados y dirección musical) tocaba el piano, apareció en escena vestido de blanco para cantar una versión acústica única de La Primera , que arrancó algunas lágrimas. La energía comenzó a subir con Mi peor enemigo para desembocar en una tríada punk infalible: 1312 junto a Muerejoven , Ola de Suicidios y Latas junto a K4 . El terreno estaba listo para levantar polvo con Reality y su épica introducción a cargo de Personal Jesus de Depeche Mode . El clásico Rocketpowers , significó un gran momento de felicidad para los más fanáticos y dio inicio a un bloque acompañado por Bicicleta y Sauce que dejó en claro algo fundamental: el show no tuvo como eje solo celebrar la trayectoria, sino poder conectarla con el presente. Las canciones que formaron parte de la lista siguen, de alguna manera, formando parte del sonido, mensaje y universo que construye y quiere representar. Así, no se trató de un conjunto de sus mayores hits, sino de una elección cuidada para darle gustos al público sin descuidar la identidad actual. El flujo de energía estaba siendo manejado a la perfección, yendo de arriba hacia abajo y volviendo a subir como una montaña rusa. Después de las lágrimas, llegaron Ovario  junto a Ill Quentin y SIDE  con la participación de Andrés Capasso , en la que, juguetón y contento, el cantante cambió la letra de “ Cuando era chico soñaba con escenarios ” por “ Cuando era chico soñaba con Vélez Sarsfield ”. Con este dúo, la amistad volvió a ocupar un lugar central en el relato, tal como lo plantea en Ovario : " Si querés que vaya, sabelo que yo siempre caigo con varios/Siempre rodeado de mi sangre, puta, yo me siento un ovario " Uno de los pogos más esperados de la noche llegó con Post Mortem , donde grandes rondas se abrían en el campo y el mosh rompía como olas mientras se escuchaba fuerte el coro de cada letra. Algo similar sucedió con Pelotuda , que cerró este bloque para dar paso a la siguiente performance. En La Carie , junto a Lali , el escenario se elevó y luego comenzó a descender lentamente. El rapero y la popstar bajaron de la mano para interpretar la canción, mientras él se transformaba en otra persona: cambio de vestuario en vivo, peluca, máscara y labial rojo. La cantante salió de escena y el protagonista quedó listo para interpretar Muñecas . Subido a una plataforma que subía y bajaba, se enfrentó a una soga preparada para simular un ahorcamiento. Una vez más, Dylan León Masa y su equipo llevaron los límites de la performance más allá. Entre la vida y la muerte, la claridad y la oscuridad, lo gracioso y lo tétrico: una línea fina que cruzan con facilidad, como si estuvieran jugando a la rayuela en el recreo, pero en un escenario frente a más de treinta mil personas. De esta manera demostró que es posible para los artistas varones jugar sobre el escenario en lugar de limitarse a tocar. Porque para él siempre fue mucho más que música: en su universo artístico dialogan la actuación, el vestuario como canal de comunicación, el maquillaje y la escenografía incluso más allá de los escenarios. Para Últimamente , un video de un niño jugando con un oso de peluche se proyectó en las grandes pantallas. Luego se hizo realidad: su hermano apareció en escena con el mismo juguete, que dejó sobre el escenario para que Dillom lo sostuviera al relatar la pérdida de inocencia de su personaje, que lo llevaría al peor final en la canción siguiente, Ciudad de la Paz . El momento más rockero de la noche comenzó con la compañía de Juanse , invitado para interpretar uno de los clásicos de Ratones Paranoícos : Enlace . Unos minutos antes, las pantallas habían proyectado un video en el que el rapero aparecía junto a Pity Álvarez , quien le mostró su apoyo y agradeció a quienes estaban presentes por hacerle "la primera", ya que él tocaba en su gran regreso un día antes en Córdoba. Estos gestos, junto con la amistad que ha cosechado con Andrés Calamaro , lo posicionan como heredero del espíritu rockero argentino. Mientras banderas con nombres de ciudades flameaban en el estadio y algunos fans se subían a los hombros, sonaban de fondo dos canciones con pulso rollinga : la nueva Rojo Profundo  y la inédita Amigos . Quedaba más que claro: aunque comenzó en el beatmaking, encontró refugio en el trap, su mayor influencia son Los Ramones. Y el público lo acompañaba, llevando las tradiciones del rock a sus recitales. " Ustedes saben que los quiero con locura a todos ustedes, no? " , dijo introduciendo un bloque especial para los fans: Cirugía , su clásico de cancha, 220 con sus flashes y encendedores en alto alrededor de todo el estadio y la amada Amigos Nuevos . Una combinación que encapsuló la energía de la noche: " Por vos voy en misión suicida ", " Voy a dejar todo lo demás para después para verte " y " Donde vamos siempre hacemos amigos nuevos ". Entre canción y canción, visiblemente emocionado, el cantante agradeció y hasta tuvo que retirarse unos segundos del escenario para respirar hondo y volver a sumergirse en la vorágine del show. Durante esos minutos, Gringo (guitarras) jugó con su instrumento tocando canciones insólitas como la introducción de Bob Esponja, que entretuvieron al público. Reiki y yoga parecía cerrar la noche con la cuota justa de humor y oscuridad. Pero faltaba algo por lo que todos estaban esperando. " Buenos tiempos, buenos tiempos" se escuchaba en coro entre las grandes rondas que se abrían. De smoking y despidiéndose, Dillom volvió al escenario para cantar su versión de My Way , popularizada por Frank Sinatra . Sin embargo, al llegar al final y entre risas, se arrancó el traje de un manotazo, quedando en cuero para cantar Buenos tiempos . "I faced it all, and I stood tall/And did it my way" Como dos caras de la misma moneda, las canciones se conectaban a pesar de su contraste a través de su mensaje: si el día que muera lo hará “en su ley”, también así fue su camino al éxito. En medio de su canción más esperada y divertida, el irreverente que nunca pierde la oportunidad de hacer lo más gracioso se acercó al vallado con una gran tijera e hizo realidad el chiste twittero sobre su debilidad por los flequillos: le cortó el flequillo muy desparejo a cuatro personas y se llevó el nuevo apodo de super peluquero nacional. De vuelta en el escenario, le hizo fondo blanco a una lata de cerveza y acto seguido, se paró en el medio del escenario. De espaldas con ambas manos se bajó el pantalón dejando ver una leyenda en su calzoncillo negro: " GRACIAS " en letras blancas. Con brazos abiertos recibió una ruidosa ovación. El show llegaba a su fin, con las sonrisas y las manos en alto. Las luces se encendieron y Ya Nadie Va A Escuchar Tu Remera de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota sonó en todo el predio. Entre bailes y risas, el público cantaba y se retiraba con la felicidad y la tranquilidad de haber visto cómo los códigos del rock nacional se resignificaban de la mano de música difícil de definir. Es un artista al cual resulta difícil encasillar en un solo género. Sin embargo, él mismo sostuvo "Yo soy el rock" en su presentación en el Quilmes Rock 2025 y el show en Vélez terminó de darle la razón: si se entiende por tal a la autogestión y la construcción de una comunidad incondicional, Dillom encontró su propia manera de encarnar el género.

En un evento íntimo, el artista compartió el proceso creativo de Hijo del País , su segundo disco de estudio, a través de una proyección y una sesión en vivo Crónica: Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Sofía Bulgarelli - @ sofiabulgarelli.ph Broke Carrey abrió una nueva puerta a su segundo disco ---que ya había anticipado a través del primer single, ZUPAY ---- y que se remite a sus raíces más profundas. Sobre todo, además de porteño, es un argentino que vive las mismas injusticias, frustraciones y alegrías que el resto. En un evento a doble función, un martes soleado, el artista invitó a un puñado de fans, familiares y prensa a meterse de lleno en el corazón de su proceso creativo. Al ingresar a la locación en Parque Patricios, la propuesta se dividía en dos: un escenario entre plantas y una sala cerrada, a la que el personal guiaba a los asistentes. Primero lo primero: en una gran pantalla Manuel Peña ---aka Broke Carrey--- contaba con paciencia cómo necesitó dos camps de composición para desarrollar por completo un concepto para después destruirlo y, desde esos escombros, encaminarse hacia el resultado deseado. En ese recorrido, relató que persiguiendo su ambición y su hambre de comerse al mundo, pero también de contar la realidad como la percibe a su alrededor, se topó con El camino del héroe de Joseph Campbell, Facundo Trouve, Ulises Feraud y un llamado inevitable: el de la patria. Si Buenos Aires Motel ---su primer disco de estudio--- se enfocó en lo que sonaba de chico en su casa y en las calles de su ciudad, Hijo del País suena a la Argentina misma. Nacido entre zapadas junto a un equipo conformado por el dúo Trove-Feraud, Luis Lamadrid y Elmalamia, entre otros, el proyecto creció y el proceso mutó: de presentaciones sobre un concepto desarrollado a encuentros donde una zapada entre amigos y el dejarse fluir marcaron el camino. " Cambió todo cuando los conocí a ellos ", dijo en referencia al dúo y al peso que tuvo su aparición en la construcción de esta nueva incomodidad convertida en arte. "Yo no soy más que nadie, estoy atravesado por los mismos quilombos que todo el mundo. Y siento que lo que atraviesa a cada argentino es lo que atraviesa al país en sí. Siento que el conflicto de Argentina es el de cada uno de sus habitantes. Dos fuerzas colisionando entre sí. Un poco eso para mí es Hijo del País ", cerró el artista antes de finalizar la proyección. Con el sol ya sobre las cabezas, el patio y el escenario recibieron al público y al artista, que apareció para interpretar algunos bocetos de las nuevas canciones junto a los ocho músicos involucrados en el disco. En escucha atenta y entre palmas, cada persona se dejó sorprender por esta nueva faceta de Carrito: una que mantiene su fuerza, su carisma y su dulzura, pero que le permite evolucionar. En las nuevas canciones —todavía en proceso— ya se percibía una transformación lírica y musical, con el storytelling y los guiños folklóricos como destacados de lujo. Algunas de las nuevas canciones ya asomaron como posibles clásicos de su discografía, por la emoción que generaron arriba y abajo del escenario. Pero no todo fueron estrenos. También hubo lugar para los hits: X Las Dudas , Señales de Humo  y La Última  desataron un pogo de felicidad en medio del lugar. Despidiéndose, agradeció a quienes habían asistido por acercarse: " Gracias por venir un martes a la tarde a Parque Patricios. Crecí en este barrio y en Boedo, así que es muy importante para mí" . Y como cierre, dejó una última pista: aunque todavía no está confirmado, Hijo del País ya completo y grabado en estudio podría ver la luz en marzo de 2026.

La artista abre las puertas al universo de su segundo disco "El susurro de Quimero" Clara Ballestero es una artista nacida en Buenos Aires cuya carrera musical comenzó en 2020 con su disco debut “Instrucciones para Desarmar una Muñeca” el cual fue recibido con entusiasmo, consolidándola como una de las voces más sensibles y personales de la escena actual. En sus canciones confluyen diferentes sonidos, instrumentos acústicos, elementos de la electrónica y armonías vocales. A Clara la música la acompaña desde que es pequeña por parte de su familia, ya que su abuelo fue Oscar Anderle , cantante de jazz, autor de la mayoría de los éxitos interpretados por Sandro . Si bien no llegó a conocer a su abuelo ya que falleció en 1988, le dejó como herencia el entrañable vínculo con “El Gitano", con quien compartió sus primeros pasos en la música. El nuevo disco, que verá la luz a fin de año, conserva la esencia introspectiva que caracteriza a la artista, pero despliega un sonido más maduro y una estética renovada. En esta nueva entrega ya no hay una muñeca por desarmar, sino una mujer que se sumerge en su mundo interno para dar forma a una historia que la excede y la atraviesa al mismo tiempo. Es una obra conceptual atravesada por la presencia de un personaje atemporal: Quimero . Desde un lugar suspendido en el tiempo, él intenta comunicarse, y Clara se convierte en su intérprete: prestándole su voz para traducir sus mensajes, exorcizarlos y convertirlos en canciones. Clara invita a seguir conociendo el universo de su segundo disco “El susurro de Quimero” y lanza dos nuevas canciones que nos sumergen más en esta historia: “Tiempo” y “Una razón para esperar”, dos paisajes distintos de un mismo recorrido donde la artista dialoga con la voz de Quimero, ese ser que la guía entre recuerdos, deseos y preguntas que aún buscan respuesta. “Tiempo”, escrita por David Bensimón , es una canción lúdica y reflexiva que juega con las palabras para enumerar todo aquello que merece su propio tiempo: amar, probar, recordar, olvidar, atravesar. Con un tono nostálgico pero fresco, expresa que hay un tiempo para cada cosa. Su música combina aires playeros y una fusión de sonidos latinoamericanos, creando una atmósfera cálida y rítmica. “Una razón para esperar” fue escrita en coautoría entre David y Clara. Con base en el folclore argentino y arreglos electrónicos, habla de la duda que pone en movimiento, la que obliga a revisar el pasado y entender desde dónde nacen las preguntas. Espiritual y humana a la vez, revela que aún en la incertidumbre más profunda, uno siempre se tiene a sí mismo para encontrar la respuesta. Además la canción cuenta con la colaboración de Juan Abzatz en piano. Ambas fueron grabadas y producidas por Bensimón, mezcladas por Matías Cella, masterizadas por Eduardo Bergallo y registradas en los estudios de Warner Chappell Argentina. Podés escuchar "Tiempo" y "Una razón para esperar" acá:

Ante 85.000 personas, La Nena de Argentina llevó Quimera a River con un espectáculo 360° que fusionó música, actuación y emoción, marcando un antes y un después en la historia de los recitales nacionales Por Azul Martinez Flaiman - @azuntvg Fotos: Cortesía DF Entertainment Con Quimera , su último lanzamiento, como eje central y motor del espectáculo, María Becerra desplegó un show de más de tres horas en el que la performance y el universo del álbum se fundieron en una experiencia total. La narrativa del disco, atravesada por sus alter egos Shanina , Maite , Gladys , Jojo y la faceta más íntima de la cantante, tomó forma a través de actuación, coreografías, cambios de vestuario y más de 70 personas en escena entre bailarines, performers y coristas. Cada alter ego impuso su propio lenguaje, acompañado por artistas invitados y la gran innovación de la noche: un escenario circular que rompió las reglas de lo conocido en los recitales argentinos. Así, la propuesta sumergió a los presentes en una especie de musical, donde escenografía, vestuario e intérpretes entraban y salían de escena con rapidez digna del teatro. Con esa noche, María reescribió las reglas del show en vivo en Argentina con una puesta que marcó un antes y un después, siendo el primer espectáculo 360° en la historia del Monumental y el más grande jamás realizado en el estadio. Además, fue su tercer River, un hito que ninguna otra artista mujer argentina había alcanzado hasta el momento , consolidándola como una figura de la música latinoamericana. Los personajes que creó para el disco la ayudaron a expresar sus sentimientos y las diferentes facetas que conviven dentro de ella misma. Con la voz de Gabriel Rolón guiando el relato, cada momento era anticipado por una narración. Ante 85.000 personas y tras tres shows de apertura explosivos --- Zé Pequeño, Taichu y Willy Bronca- -- la artista salió al escenario y fue recibida con un grito unánime. Si hay algo que se ha ganado a lo largo de su carrera, es el cariño indispensable de sus seguidores. Encarnando a Shanina , el personaje inspirado en un arquetipo de anime, la artista abrió la noche en un vestido en colores pasteles y una peluca lila. Con canciones que pertenecen a su universo, como Infinitos como el mar, Hasta que me enamoro, Ramen para dos junto a Paulo Londra y clásicos de la discografía de Becerra como Ojalá y Cuando hacemos el amor inició la travesía. Tras un apagón de luces, Maite apareció en escena sentada en un escritorio. Con lentes, un vestido gris y una foto en sus manos, comenzó a cantar Recuerdo que nunca existió  con la sensibilidad que la caracteriza, hasta que una voz masculina muy reconocible se asomó para acompañarla. Abel Pintos tomó el rol de padre dentro de la canción y juntos protagonizaron una versión única. Las emotivas Desafiando al destino , Doble vida y Corazón vacío también formaron parte de este bloque emocional. Sin embargo, antes de despedirse de este personaje, apareció Entre Nosotros junto a Tiago PZK , anticipando el siguiente bloque. Uno de los momentos más esperados de la noche arrancó con una introducción emotiva, que narraba las cenas familiares navideñas en los barrios. Con mesas largas, sillas de plástico y familias reunidas escuchando cumbia. Minutos más tarde, la escena fue protagonizada por la verdadera familia de María que subió a compartir con ella el bloque más bailable de la noche, encabezado por Gladys , el personaje que ama la cumbia y valora, sobre todas las cosas, el tiempo de calidad junto a los suyos. Tanto arriba como abajo del escenario, el estadio se transformó en una pista de baile con canciones como El amor de mi vida , Vuelves triste y Miénteme , llegando a su punto máximo cuando Ariel Puchetta de Ráfaga apareció para interpretar un medley de Mentirosa y Adiós. En un nuevo apagón de luces, la escenografía, la cumbia y la familia desaparecieron del escenario. Bajo luces rojas, un gran escorpión marcó la entrada de Jojo , el personaje más rebelde, que encendió el estadio con Jojo , Hace Calor  y Frutilla del pastel . Tras un impactante show de fuegos artificiales que daba por finalizados los actos a cargo de los personajes, María apareció en escena vestida de blanco para inaugurar el último bloque del show y el más emotivo. Después de saludar y agradecer al público, interpretó Pierdo la cabeza junto a TAICHU , Romántica y Tatú . El cierre fue el momento más conmovedor de la noche. Junto a J Rei , cantaron Mi amor en una cama suspendida en el aire. Como si su intimidad pudiera atravesar a cada persona. Mientras miles de fans coreaban la canción y levantaban carteles, el cantante levantó su brazo para mostrarle su nuevo tatuaje, que incluía su nombre y una de las frases más desgarradoras de la letra: “ Ahora te amo más, porque compartimos unos ángeles ”. Entre lágrimas y besos, la pareja terminaba su presentación. Luego de saludar al público una última vez, la artista se retiró de su tercer River agotado de la mano de su compañero de vida. Emocionada pero en paz, La Nena de Argentina terminó su épico show con la misma tranquilidad con la que atravesó los momentos más difíciles, los que la inspiraron a crear el disco que se convirtió en el punto de inflexión de su carrera y que la llevaría a marcar un antes y un después en la producción nacional de recitales.